10 Artis Dallas Blues Terhebat – Lone Star State telah lama menghasilkan beberapa legenda blues terhebat yang pernah bermain gitar atau berdiri di belakang mikrofon. Legenda seperti Albert Collins dari Leona, Sam “Lightnin'” Hopkins dari Centerville dan Johnny Winter dari Beaumont semuanya telah menemukan blues di Texas. Sial, kami bahkan memiliki artis blues Austin pemenang Grammy, Marcia Ball, bermain di gedung opera, balai kota dan festival bir dan BBQ di seluruh negeri, dan Godfather of the Blues Robert Johnson merekam salah satu albumnya di Dallas.

10 Artis Dallas Blues Terhebat

revgarydavis – Tapi Dallas juga memiliki lebih dari cukup banyak nama legendaris yang meninggalkan jejak mereka di dunia blues. Freddie King, T-Bone Walker, Blind Lemon Jefferson dan, tentu saja, Stevie Ray Vaughn dari Oak Cliff sendiri, semuanya telah mendominasi tangga lagu blues di seluruh web.

Baca Juga : Daftar 12 Penyanyi Blues Terbaik Sepanjang Masa

Tapi bagaimana dengan artis blues Dallas lainnya yang telah berkobar di panggung lokal dan nasional selama beberapa dekade, perlahan membangun legenda mereka sendiri namun entah bagaimana tetap berada di bawah radar media arus utama? Untuk membantu menjaga nama itu di garis depan kesadaran kolektif online kami, berikut adalah daftar artis blues favorit kami yang berbasis di Dallas:

1. Mike Morgan

Seorang pria yang memakai penutup mata di media membangkitkan gambar bajak laut, pengendara motor yang melanggar hukum, atau dokter hewan yang terluka selamanya berjuang untuk kebebasan kita, tergantung pada perspektif Anda. Sekarang berikan gitar pada pria bermata tambal itu, dan gambar-gambar itu mencapai tingkat keledai yang benar-benar baru yang bahkan lebih seksi daripada peniruan Keith Richards dari Johnny Depp.

Sejak pertengahan 80-an, Mike Morgan telah memasangkan Fender Stratnya dengan band-band lokal dan regional dan mengajari orang lain cara memasang gitar mereka sendiri. Bandnya Mike Morgan dan The Crawl pernah dianggap sebagai salah satu band blues kontemporer terbaik di Texas, merilis hits seperti Raw & Ready, Full Moon Over Dallas dan The Road. Mike saat ini memimpin versi tiga potong dari bandnya.

2. Andrew “Jr. Boy”

Jones Tidak ada yang tahu blues lebih baik dari Andrew “Jr. Boy” Jones. Dia bermain gitar dengan ansambel pendukung Freddie King sampai kematian raja blues pada tahun 1976, dan juga bermain dengan vokalis blues seperti Johnnie Taylor dan legenda lokal Dallas “Pendeta” RL Griffin. Selama delapan tahun “Jr. Boy” memimpin Charlie Musselwhite Band dan mengambil bagian dalam memenangkan Band of the Year di WC Handy Awards.

Pada tahun 1997, ia merilis album solo pertamanya I Need Time, diikuti oleh Watch What You Say setahun kemudian, Mr. Domestic pada tahun 2001, Jr. Boy Live in ’06 dan Gettin’ Real in ’09. Meskipun kesuksesan arus utama entah bagaimana merindukannya untuk sebagian besar hidupnya, kontribusi Jr. Boy pada musik blues akan lama dikenang oleh penggemar di seluruh dunia.

3. Miss Marcy

Dalam genre musik yang terlalu sering didominasi oleh laki-laki, Miss Marcy berada di garis depan scene blues Dallas, memukau para pecinta musik blues dengan suara yang terdengar satu bagian angelic/dua bagian devilish, yang hampir membuat jantung pendengar ini berhenti berdetak. saat aku jatuh ke dalam kata-katanya. Lulus dari University of North Texas pada tahun 2001, Miss Marcy telah menghabiskan dekade terakhir bermain pertunjukan klub, festival dan pesta pribadi di seluruh wilayah Dallas/Fort Worth. Pada tahun 2010, ia merilis album pertamanya Miss Marcy dan Texas SugarDaddy’s. Memanfaatkan diva blues seperti Bessie Smith, Ma Rainey dan Big Mama Thorton, Miss Marcy adalah bukti nyata bahwa blues tidak lekang oleh waktu.

4. Jim Suhler

Sejak awal 80-an, Jim Suhler telah bermain musik blues Texas dengan orang-orang seperti Johnny Winter, AC/DC, Billy Gibbons dan Buddy Guy. Pada akhir 90-an, ia menjadi tangan kanan George Thorogood di Destroyers, tetapi ia telah merobek-robek adegan Dallas dengan bandnya Monkey Beat sejak awal 90-an, dan bahkan merekam DVD di Granada. Radio Mojo (’92), Shake (’95) dan Alkitab Tijuana favorit pribadi saya (2009) memamerkan lead-lead Suhler yang menghanguskan, memuaskan dahaga penggemar fanatik akan musik blues yang membuat gitar berdarah.

5. RL Griffin “The Reverend”

Selama lebih dari 30 tahun, penggemar blues telah melakukan perjalanan ke jantung kota Dallas untuk bergabung dengan jemaat RL Griffin di RL’s Blues Palace (1 & 2) di mana senama klub akan tampil dengan Blues Palace Show Band dan mempromosikan calon seniman blues dari seluruh Texas, Louisiana dan di mana pun merasakan detak jantung blues. Klub ini bahkan menjadi tuan rumah KKD-AM 730’s Soul 73 yang disiarkan langsung setiap Sabtu malam, belum lagi puluhan artis nasional yang pernah melewati panggung Pendeta.

Meskipun sebagian besar dikenal sebagai artis pendahulu, RL Griffin telah merilis sejumlah 45-an selama bertahun-tahun, termasuk “I’ll Follow You,” “It Don’t Have to Be This Way” dan “I Smell Trouble.” Berita Pagi Dallaspernah disebut Griffin, “Pendeta blues yang suci di Dallas,” gelar yang cocok untuk pria yang menghabiskan lebih dari 45 tahun membangun warisan blues yang akan beresonansi lama setelah dia pergi.

6. Wanda King

Sebuah daftar blues tidak akan menjadi daftar blues tanpa seorang raja yang mewakilinya, dan yang lebih baik dari putri Freddie King, salah satu dari Tiga Raja Blues. Memisahkan diri dari bayang-bayang orang tua yang terkenal adalah tindakan yang sulit dilakukan, tetapi Wanda King telah melangkah keluar dari bayang-bayang ayahnya sejak dia memimpin band saudara laki-lakinya Fred Jr. di sekolah dasar. Kemudian, dia membuka untuk David Sanborn, Johnny Winter dan The Blues Brothers. Pada tahun 2002, dia merilis album pertamanya From A Blues Point of View, diikuti oleh ’08’s Songs in the Key of Blues dan rilisan terbarunya Bridges.

7. Anson Funderburgh

Pada tahun 80-an, ketika legenda blues seperti John Lee Hooker, BB King, Buddy Guy dan Jimmy Rogers merilis musik blues klasik instan, gitaris blues Dallas Anson Funderburgh sedang mencari penyanyi baru untuk bandnya Rockets. Masukkan legenda blues Mississippi Sam Myers, seorang pemain harmonika ahli yang lagunya “Sleeping in the Ground” direkam oleh berbagai artis dari Robert Cray hingga Steve Windwood dan Eric Clapton.

Setelah bergabung dengan Rockets, Myers pindah ke daerah Dallas pada tahun 1986 di mana dia tinggal sampai kematiannya pada tahun 2006. Bersama-sama, pembangkit tenaga listrik blues merekam delapan CD – termasuk dua favorit saya Change in My Pocket dan Where Way Is Texas? – dan memenangkan sembilan WC Handy Awards.

8. Smokin’ Joe

Kubek Smokin’ Joe Kubek adalah seorang Texas yang diadopsi dan dibesarkan di daerah Dallas. Gitaris blues telah bermain dengan orang-orang seperti Freddie King, tetapi baru setelah dia bertemu raja lainnya – Bnois King – gaya permainannya mencapai status “pembunuh”. Menggunakan Fender Strats seperti senjata, Smokin’ Joe telah membunuh penggemar di seluruh dunia dengan suara shuffle ajaibnya.

Smokin’ Joe telah merilis lebih dari selusin album sejak tahun 1991’s Steppin’ Out Texas Style dengan Bnois King, tetapi rilis terbarunya pada 2012 Let That Right Hand Go yang menangkap sejarah blues di Dallas dan termasuk lagu-lagu oleh Howlin’ Wolf Burnett, Hound Dog Taylor, Squeeze Difford, Jimmie Rodgers, Jimmy Reed, Bruce Bolin dan Freddie King serta dua lagu oleh legenda blues Austin Doyle Bramhall Sr.

9. Hash Brown – The King of the Dallas Blues Jams

Mentoring ribuan calon artis blues, bermain di Sunday night jam Schooner selama lebih dari sembilan tahun dan menjadi pembawa acara Tuesday jam di The Bone selama lebih dari 13 tahun hanyalah beberapa alasan Hash Brown dikenal sebagai “Raja Dallas Blues Jams.”

Brown telah bermain dan merekam dengan beragam kelompok artis, termasuk Zuzu Bollin, Big Al Dupree dan Sam Myers, yang juga tinggal bersamanya selama beberapa waktu. Brown adalah guru gitar dan harmonika yang ulung. Juga dikatakan bahwa dia memainkan gitar yang kejam, sementara banyak penggemar mengklaim bahwa dia adalah “hati dan jiwa” dari adegan blues Dallas. Jadi cukup tekan play di video YouTube di atas dan biarkan gitar Hash Brown yang berbicara.

10. Doyle Bramhall II

Bermain dengan orang-orang seperti Eric Clapton pasti akan menarik minat penggemar musik blues. Tapi kemudian berkolaborasi dengan artis seperti T-Bone Burnett, Roger Waters, Derek Trucks dan Gregg Allman dan ayah legenda blues Austin yang bermain drum untuk Lightnin’ Hopkins dan Freddie King, dan Anda memiliki semua bahan yang Anda butuhkan untuk membuat gitaris blues menduduki puncak daftar ini. Doyle tidak hanya memainkan gitar yang buruk tetapi slinger kidal itu terkadang memainkan gitarnya terbalik dengan gaya seperti Albert King, Otis Rush dan Bobby Womack, yang memberinya suara unik yang menonjol di antara orang-orang sezamannya. Sejak memulai karirnya pada usia 15, bermain dengan orang-orang seperti Stevie Ray Vaughn,

Daftar 12 Penyanyi Blues Terbaik Sepanjang Masa – Banyak yang datang dan pergi tetapi tidak ada yang menyukai musisi hebat ini. Penyanyi Blues ini adalah jiwa dan jantung musik yang sebenarnya. Cara mereka memandang musik, menggunakan ritme yang berbeda, menggunakan riff seksi yang paling seksi, dan memadukan semuanya untuk menciptakan pengalaman yang menggelegar bagi penonton.

Daftar 12 Penyanyi Blues Terbaik Sepanjang Masa

revgarydavis – Nah, kalau kamu mau tahu siapa mereka, di daftar ini mungkin kamu akan menemukan orang-orang yang juga dikatakan telah menjual jiwanya kepada iblis, akhirnya musik blues juga merupakan genre favorit iblis, mungkin. Tapi, seniman-seniman ini tidak kalah jahatnya dengan diri mereka sendiri. Jadi, mari kita cari tahu siapa penyanyi blues terbaik sepanjang masa ini

Baca Juga : Daftar Artis Blues Paling Berpengaruh Sepanjang Masa

12. Albert King

Albert King adalah seorang gitaris dan penyanyi blues dari Amerika Serikat yang gayanya menginspirasi banyak gitaris blues berikutnya. Born Under a Bad Sign (1967) dan lagu judulnya mungkin adalah karyanya yang paling terkenal dan signifikan.

Dia, BB King, dan Freddie King dianggap sebagai “Kings of the Blues,” meskipun mereka tidak berhubungan. “Deep, dramatis nada” King sering direplikasi oleh kedua gitaris blues dan rock.

11. Etta James

Etta James adalah seorang vokalis Amerika yang menyanyikan blues, R&B, soul, rock and roll, jazz, dan gospel, di antara genre lainnya. Dia menjadi bintang dengan lagu klasik termasuk “The Wallflower,” “Tell Mama,” dan “I’d Almost Go Blind” setelah memulai karirnya pada tahun 1954.

Sebelum kembali bermusik pada akhir 1980-an dengan album Seven Year Itch, dia berjuang dengan berbagai masalah pribadi, termasuk kecanduan heroin, kekerasan fisik yang serius, dan penjara. Juga, dia adalah satu-satunya penyanyi wanita dalam daftar yang mendapatkan ketenarannya melalui bakatnya sebagai salah satu penyanyi blues terbaik sepanjang masa.

10. John Lee Hooker

John adalah seorang penyanyi, komposer, dan gitaris blues dari Amerika Serikat. Dia menjadi terkenal sebagai putra seorang petani bagi hasil, menyanyikan lagu Delta blues bergaya gitar listrik.

Komponen lain, seperti blues berbicara dan blues country awal Bukit Mississippi Utara, sering dimasukkan oleh Hooker. Dia menciptakan gaya boogie ritme mengemudi, terpisah dari boogie-woogie berbasis piano tahun 1930-an dan 1940-an.

9. Ray Charles

Ray adalah seorang penyanyi, penulis lagu, pianis, dan komposer asal Amerika Serikat. Dia menyukai moniker “Brother Ray” di antara teman-temannya dan artis lainnya. Dia juga dikenal sebagai “Jenius” oleh banyak orang. Charles mengalami kebutaan saat masih muda, kemungkinan akibat glaukoma.

8. Freddie King

Freddie adalah seorang gitaris, vokalis, dan komposer blues dari Amerika Serikat. Juga, King memiliki pengaruh besar pada musik blues elektrik dan banyak gitaris blues lainnya, berkat suaranya yang bersemangat dan kuat serta permainan gitar yang unik. Dia juga merupakan bagian dari salah satu penyanyi blues terbaik.

7. Buddy

Buddy adalah seorang vokalis dan gitaris asal Amerika Serikat yang berspesialisasi dalam musik blues. Eric Clapton, Jimi Hendrix, Jimmy Page, Keith Richards, Stevie Ray Vaughan, Jeff Beck, Gary Clark Jr., dan John Mayer adalah beberapa gitaris yang terpengaruh olehnya.

Guy memulai kolaborasi musik dengan maestro harpa blues Junior Wells pada 1960-an saat bekerja sebagai gitaris studio untuk Muddy Waters di Chess Records.

6. Jimmi Hendrix

Jimmi adalah seorang musisi, penyanyi, dan penulis lagu dari Amerika Serikat. Dia secara luas diakui sebagai salah satu gitaris listrik paling berpengaruh dalam sejarah musik populer dan salah satu artis paling terkenal di abad kedua puluh, meskipun karir arus utamanya hanya berlangsung selama empat tahun. Dia “mungkin instrumentalis terbaik dalam sejarah musik rock,” menurut Rock and Roll Hall of Fame.

5. BB King

BB King adalah seorang penyanyi blues, penulis lagu, gitaris, dan produser rekaman dari Amerika Serikat. Banyak pemain gitar elektrik blues berikut yang terpengaruh oleh gaya permainan solonya yang canggih, termasuk fluid string bending, shimmering vibrato, dan staccato picking. King dijuluki “gitaris listrik paling penting dari paruh terakhir abad kedua puluh” oleh AllMusic.

4. Muddy Waters

Muddy Waters adalah peserta berpengaruh dalam gerakan blues pascaperang dan umumnya disebut sebagai “Bapak Chicago Blues Modern.” “Hujan di Delta kebahagiaan,” seperti yang dikatakan seorang kritikus, adalah cara dia bermain.

3. Eric Clapton

Eric dibesarkan dalam keluarga musik. Neneknya bermain piano, dan paman serta ibunya sama-sama suka mendengarkan musik band besar. Pat kemudian memberi tahu Ray Coleman, penulis biografi resmi Eric, bahwa ayahnya adalah seorang musisi terampil yang bermain piano di berbagai band dansa Surrey.

2. Robert Johnson

Kedatangan rock ‘n’ roll di akhir abad kedua puluh akan mengubah Johnson menjadi legenda. Dia adalah salah satu gitaris paling terkenal sepanjang dekade setelah kematiannya, digembar-gemborkan sebagai nabi yang hilang yang, menurut legenda, menjual jiwanya kepada iblis dan mewujudkan blues Delta Mississippi dalam prosesnya.

1. Stevie Ray Vaughan

Kehadiran Stevie Ray Vaughan dan Double Trouble di Festival Jazz Montreux 1982 menandai dimulainya kebangkitan blues lagi dan munculnya pahlawan gitar lainnya. The Fabulous Thunderbirds, Robert Cray, Los Lobos, dan banyak band akar nyata lainnya berutang keberadaan mereka pada campuran Vaughan dari Texas blues dan rock yang terinspirasi Jimi Hendrix.

Daftar Artis Blues Paling Berpengaruh Sepanjang Masa – Menentukan dan menyeleksi siapa yang pantas masuk dalam daftar artis blues paling berpengaruh sepanjang masa adalah tugas yang berat. Daftar ini tidak diragukan lagi akan menghasilkan diskusi dan bahkan mungkin beberapa perdebatan sengit.

Daftar Artis Blues Paling Berpengaruh Sepanjang Masa

revgarydavis – Apa yang saya kumpulkan di sini adalah hasil dari puluhan tahun mendengarkan, membaca, dan banyak penelitian. Seperti yang Anda duga, sangat sulit untuk membatasi. Daftar ini didasarkan pada inovasi, pengaruh, dan dampak artis pada musik. Para artis muncul dalam urutan tanggal lahir mereka.

Baca Juga : Daftar Penyanyi Blues Paling Terkenal Sepanjang Masa 

Charley Patton (1887 – 1934)

Pria yang pertama kali mempopulerkan blues Delta Mississippi, Patton adalah pemain sandiwara yang sempurna dan nyanyian serta permainan gitarnya menentukan gaya yang kemudian dikenal sebagai Delta blues. Permainannya intens, primal dan berirama. Dia cukup banyak memulai semuanya.

Blind Blake (awal 1890-an – 1933)

Seperti apa Charley Patton bagi Delta blues, Blind Blake bagi tradisi blues Piedmont. Dia adalah master mutlak dari gitar. Dia menetapkan standar untuk pengambilan jari yang dipengaruhi ragtime canggih yang menjadi lazim dengan pemain di atas dan di bawah pesisir timur. Dia adalah salah satu pria blues yang benar-benar menjual banyak rekaman dan mencapai kesuksesan dan popularitas dalam hidupnya sendiri.

Blind Lemon Jefferson (1897 – 1929)

Pengaruh penyanyi Texas ini meresap ke seluruh negeri melalui banyak perjalanan dan rekamannya. Dia dikreditkan sebagai artis rekaman pertama yang menggunakan solo gitar sebagai pengisi di antara syair vokalnya. Kehadirannya sangat terasa pada sebagian besar gitaris yang mengikutinya.

Lonnie Johnson (1899 – 1970)

Lahir di New Orleans, pendekatan inovatif Johnson terhadap gitar jauh lebih maju dari zamannya. Gitaris pertama yang merekam solo melodi dan realisasi penuh, dia memengaruhi semua orang mulai dari Robert Johnson hingga T-Bone Walker. Bakatnya juga terbawa ke dunia jazz. Johnson merekam dengan tokoh-tokoh seperti Louis Armstrong dan Duke Ellington.

Louis Jordan (1908 -1975)

Penyanyi/saksofon ini menjembatani kesenjangan antara ayunan big band dan r&b. Dia mengambil musik swing dan memasukkannya ke dalam konteks kombo kecil. Rekaman jump blues-nya selama tahun 40-an membantu mempopulerkan genre lebih dari artis sebelumnya. Dari tahun 1942 hingga 1951, rekaman Jordan mencapai tangga lagu r&b sebanyak lima puluh tujuh kali. Dia memiliki pengaruh besar pada semua orang mulai dari BB King hingga Little Walter.

T-Bone Walker (1910 – 1975)

Dianggap sebagai “Bapak Gitar Electric Blues”, Walker adalah orang pertama yang menggunakan gitar listrik sebagai instrumen solo dalam musik blues. Seorang penyanyi yang halus, serta gitaris, Walker juga seorang pemain sandiwara yang berkelas dan mencolok. Catatannya sangat mengilhami seorang BB King muda dan setiap gitaris blues elektrik berhutang budi kepada Walker. “Stormy Monday Blues” miliknya adalah salah satu standar klasik genre ini.

John Lee “Sonny Boy” Williamson (1914 -1948)

Sonny Boy Williamson “asli” (Rice Miller kemudian mencuri julukannya sendiri) adalah artis pertama yang menggunakan harmonika sebagai instrumen solo. Rekamannya membantu menentukan suara kombo Chicago blues kecil selama akhir 30-an dan 40-an. Setiap pemain harpa blues berutang pada Williamson, karena inovasinya membuka jalan dan memengaruhi semua yang mengikutinya, terutama penting, Little Walter muda.

Muddy Waters (1915 – 1983)

Arsitek utama Chicago blues pascaperang, McKinley Morganfield, lebih dikenal sebagai Muddy Waters, mendefinisikan dan membentuk elektrifikasi Delta blues dengan pergerakannya ke utara, menetapkan standar untuk yang mengikutinya. Bandnya adalah titik awal bagi banyak pemain legendaris selama bertahun-tahun, termasuk Little Walter dan Otis Spann. The Rolling Stones mengambil nama mereka dari salah satu lagu Muddy.

B.B. King (1925 – )

Duta musik blues yang paling penting dan dicintai adalah Riley “BB” King. Suara ratapannya, gaya gitarnya yang khas, dan pendekatannya yang berkelas telah melakukan lebih dari siapa pun untuk menyebarkan musik blues kepada massa. Pembengkokan senar gitarnya dan vibrato merek dagang “hummingbird” telah disalin oleh banyak pemain gitar, terlalu banyak untuk disebutkan.

Little Walter (1930 – 1968)

Marion Walter Jacobs mengambil apa yang dia pelajari dari kedua Sonny Boy Williamsons, menggabungkannya dengan garis tanduk berayun Louis Jordan, dan merevolusi suara harpa blues. Ungkapan, teknik, dan penggunaan amplifikasi yang inovatif benar-benar menetapkan standar untuk harmonika blues dan dia dianggap sebagai ahli instrumen. Seperti apa Charlie Parker bagi saksofon Jazz, Little Walter bagi harpa blues.

W.C. Handy (1873 – 1958)

Dianggap sebagai “Bapak musik blues”, Handy pertama kali mendengar musik blues dimainkan oleh seorang pemain blues tunggal di depot kereta api di Tutwiler, Mississippi pada tahun 1903. Handy jelas bukan pencipta blues, tetapi dia adalah orang pertama yang menerbitkan komposisi dengan istilah “blues” dalam judul dan menggunakan “blue note” (flatted thirds dan sevens). Lagu, “Memphis Blues,” yang diterbitkan pada tahun 1912, bersama dengan “St. Louis Blues”-nya yang terkenal dua tahun kemudian, pertama kali membawa genre tersebut ke publik massal.

Mamie Smith (1883 – 1946)

Ini adalah wanita yang memulai semuanya sampai rekor blues. “Crazy Blues” miliknya dianggap sebagai rekaman blues pertama yang pernah ada. Rekor tersebut terjual satu juta kopi yang luar biasa dalam enam bulan pertama. Keberhasilan ini membuka pintu air, sebagai label rekaman dan pencari bakat mulai menjelajahi negara untuk lebih banyak penyanyi blues untuk merekam.

Gus Cannon (1885 – 1979)

Cannon menjembatani kesenjangan antara blues awal dan gaya Folk dan penyanyi yang mendahuluinya. Dia adalah orangnya, bersama dengan bandnya Gus Cannon’s Jug Stompers yang menampilkan pemain harpa legendaris Noah Lewis, yang membantu memulai dan menentukan gaya awal band Jug, lazim di Memphis pada tahun ’20-an dan ’30-an.

Ma Rainey (1886 – 1939)

Dianggap sebagai “Mother of the Blues,” Rainey berperan penting dalam membawa musik blues ke dalam tradisi vaudeville. Dia adalah mentor bagi banyak penyanyi blues wanita klasik yang mengikutinya. Dia telah melakukan blues selama dua puluh tahun sebelum rekaman pertamanya pada tahun 1923. Dia akan merekam dengan legenda blues seperti Blind Blake dan Tampa Red, bersama dengan jazz hebat Kid Ory dan Louis Armstrong.

Leadbelly (1888 – 1949)

Huddie Ledbetter, lebih dikenal sebagai Leadbelly, adalah artis blues pertama yang mencapai ketenaran dengan penonton kulit putih. Banyak komposisi dari buku lagunya yang luas telah menjadi musik klasik folk, blues, dan populer. Setelah Leadbelly dibebaskan dari penjara pada tahun 1934, Alan Lomax merekam banyak penampilannya untuk Library of Congress. Salah satu bluesmen pertama yang melakukan perjalanan ke Eropa, lagu-lagunya “Goodnight Irene,” Midnight Special,” dan “Rock Island Line,” antara lain, adalah pengaruh besar pada skiffle craze di Inggris dan adegan blues berikutnya di sana.

Big Bill Broonzy (1893 – 1958)

Broonzy, selama bertahun-tahun, adalah pemain yang paling serbaguna, sama-sama mahir dalam akustik solo gaya rakyat, Ragtime, dan Chicago blues kombo kecil perkotaan awal. Dia adalah salah satu artis pertama yang menyebarkan blues ke luar negeri, selain menjadi kekuatan utama dan mentor bagi banyak artis blues lainnya di Amerika Serikat. Broonzy adalah gitaris yang luar biasa, penyanyi yang baik dan penulis lagu yang luar biasa.

Mississippi John Hurt (1893 – 1966)

Pria ini adalah semacam anomali karena dia berasal dari wilayah Delta, tetapi permainan gitarnya memiliki lebih banyak kesamaan dengan pemetikan jari yang lebih canggih dari blues gaya Piedmont. Dia merekam beberapa sisi pada tahun 1928, tetapi keluar dari bisnis musik sampai penemuannya kembali pada tahun 1963. Dia menjadi salah satu bluesmen yang paling dicintai dalam kebangkitan folk-blues tahun 60-an, mempengaruhi segerombolan calon gitaris di perguruan tinggi dan kedai kopi. lingkaran.

Bessie Smith (1894 – 1937)

Smith adalah wanita yang paling tepat mendefinisikan istilah penyanyi blues “klasik”. Dia mendapatkan gelar “Empress of the blues” dengan lagu-lagunya yang lancang dan berani yang mendapatkan rasa hormat dari artis blues dan jazz. Musisi terbaik tampil di belakangnya, membantu menciptakan karya yang luar biasa sebelum kematiannya yang tragis. Keangkuhan, gaya, dan suaranya yang kuat dan penuh gairah melambangkan apa itu gaya blues awal vaudeville. Sebagian besar penyanyi blues wanita menunjuk Bessie sebagai orang yang menetapkan standar.

Tommy Johnson (1896 – 1956)

Bersama dengan Charley Patton dan Son House, Tommy Johnson adalah salah satu seniman blues Delta perintis. Suara khasnya yang menggeram yang bisa menjadi lolongan falsetto yang menakutkan merupakan pengaruh besar pada Jimmie Rodgers (“Bapak Musik Country”) dan sesama pemain blues Howlin’ Wolf. Struktur lagu-lagunya, termasuk “Cool Water Blues,” “I Asked For Water (She Brought Me Gasoline), “Maggie Campbell” dan “Canned Heat Blues,” menemukan jalan mereka ke banyak repertoar artis lain.

Reverend Gary Davis (1896 – 1972)

Di akhir tahun 20-an, Davis adalah salah satu praktisi utama dari pemetikan gitar gaya ragtime Piedmont, menjadi pengaruh besar pada Blind Boy Fuller dan banyak lainnya. Karirnya mendapat dorongan besar selama booming folk-blues tahun 60-an, karena teknik gitarnya yang luar biasa dan penulisan lagu yang bijaksana. Dia adalah inspirasi besar bagi Bob Dylan, Taj Mahal, Jorma Kaukonen, dan Ry Cooder.

Daftar Penyanyi Blues Paling Terkenal Sepanjang Masa – Sementara The Blues sering disebut-sebut sebagai salah satu gaya kunci yang menyebabkan munculnya Jazz, R&B dan Soul, dampaknya terhadap dunia musik tidak berhenti di situ, seperti yang akan Anda lihat di artikel ini. Sejak dimulai pada akhir abad ke-19 (!), ia telah menghasilkan beberapa pemain paling bersemangat dan pribadi sepanjang masa.

Daftar Penyanyi Blues Paling Terkenal Sepanjang Masa

revgarydavis – Dan sementara gitar blues dari pemain seperti BB King dan T-Bone Walker sering menjadi berita utama, kami pikir kami akan kembali ke dasar asli untuk daftar penyanyi blues terbaik sepanjang masa ini! Jadi nantikan hitung mundur kami untuk beberapa penyanyi Blues paling terkenal dalam 100 tahun terakhir…

Baca Juga : Harlem Street Singer: Gitar Gospel Reverand Gary Davis 

10. Robert Johnson (1911)

Sebagai salah satu pelopor rekaman blues , dan lebih khusus lagi genre delta blues , Robert Johnson sangat penting dalam popularitas blues meskipun fakta luar biasa bahwa satu-satunya rekaman yang ada adalah dari periode tahun 1936 dan 1937. Ia dikenal terutama sebagai penyanyi blues klasik disertai dengan gitar blues yang tidak menentu , dengan lagu-lagu blues hit seperti “Cross Road Blues ” dan “Sweet Home Chicago”, yang hampir identik dengan genre tersebut.

Lahir pada tahun 1911, Robert Johnson menemukan sedikit kesuksesan selama hidupnya, dan hidupnya sebenarnya dipersingkat pada tahun 1938, pada usia 27 tahun, dalam keadaan misterius. Bagian belakang sertifikat kematiannya menyebutkan ‘komplikasi dengan sifilis’ tetapi sezamannya David Honeyboy Edwards (yang diyakini telah tampil dengan Johnson beberapa hari sebelum kematiannya) bersikeras bahwa Johnson diracun.

Lagu-lagu Johnson telah berhasil bertahan dalam ujian waktu dengan berbagai sampul modern selama bertahun-tahun; “From Four Hingga Late” dibawakan oleh Cream di album debut mereka, dan “ They’re Red Hot” dibawakan oleh Red Hot Chilli Peppers di album mereka “Blood Sugar Sex Magik” (walaupun, hampir tidak bisa dikenali).

Meskipun ia terutama terkenal sebagai master gitar blues , adalah salah untuk meninggalkan Johnson dari daftar ini, mengingat statusnya sebagai pelopor blues , dan fakta bahwa ia memiliki suara yang bagus. Sulit untuk meremehkan pengaruhnya pada sejarah musik Blues; daya tarik internasionalnya dengan artis seperti Eric Clapton di sisi lain Atlantik memainkan peran penting dalam gerakan blues Inggris tahun 1960-an .

9. Howlin’ Wolf (1910)

Lahir sebagai Chester Arthur Burnett pada tahun 1910, Howlin’ Wolf berasal dari Delta Mississippi sebelum pindah ke Chicago di masa dewasanya untuk menjadi musisi blues yang sangat sukses. Seperti kebanyakan penyanyi blues , Burnett tidak hanya bernyanyi: dia juga bermain gitar . Tetapi meskipun ia dikenal karena kemahirannya dalam bermain gitar , ia mungkin bahkan lebih terkenal karena suaranya yang dominan dan menggelegar.

Selama karirnya, Burnett berbagi persaingan yang sehat dan profesional dengan sesama gitaris dan penyanyi blues Muddy Waters. Ini terutama disebabkan oleh fakta bahwa keduanya berbagi penulis lagu di Willie Dixon – sumber ejekan yang terus-menerus bahwa dia lebih menyukai yang lain dengan lagu yang lebih baik!

Mengesampingkannya dari banyak orang sezamannya, Howlin ‘Wolf secara mengejutkan paham bisnis; dia dikenal karena pendekatan disiplinnya terhadap keuangan, dan bahkan menghadiri kelas bisnis untuk membantu mengelola kariernya yang berkembang.

Meskipun ini mungkin tampak tidak relevan, etiket keuangannya membuatnya sukses secara finansial, yang berarti dia dapat membayar anggota band tidak hanya uang yang baik, tetapi juga menawarkan asuransi kesehatan kepada mereka. Ini membuatnya menjadi majikan yang sangat berharga, dan memungkinkan dia untuk membangun sebuah band yang kuat, dengan memilih pemain.

Kesehatan Burnett menurun pada akhir 60-an, meninggal pada tahun 1976 karena komplikasi operasi tetapi meninggalkan diskografi lagu-lagu Blues termasuk “Spoonful”, “Smokestack Lightning”, dan “Killing Floor”.

8. Muddy Waters

Lahir pada tahun 1913, McKinley Morganfield dikenal secara profesional sebagai Muddy Waters dan merupakan tokoh penting dan berpengaruh dalam kancah blues Chicago . Seperti banyak orang pada saat itu, Waters mengenal musik melalui gereja, yang kemungkinan besar didorong oleh Neneknya.

Wanita ini – yang membesarkan Waters setelah ibunya meninggal tak lama setelah melahirkan – juga memberinya julukan, karena kecintaannya bermain air kotor di sungai terdekat.

Waters memainkan gitar dan harmonika, serta memiliki suara yang dalam dan dominan, seperti yang identik dengan blues . Gaya Waters mirip dengan kebanyakan artis blues , bernyanyi dalam ledakan sporadis dengan ide-ide lirik yang berulang, sering menceritakan sebuah cerita sederhana dalam frasa pendek, dengan gaya yang relatif banyak bicara.

Waters meninggal dalam tidurnya pada tahun 1970, karena gagal jantung terkait kanker, dan dimakamkan di sebelah istrinya, Jenewa. Pada tahun 2008 sebuah penanda Mississippi Blues Trail ditempatkan di Clarksdale, Mississippi, oleh Mississippi Blues Commission, menandai situs rumah masa kecil Waters.

Waters terkenal karena lagu-lagunya “Mannish Boy”, “I’m Your Hoochie Coochie Man”, dan “Got My Mojo Working”. Dia meninggalkan warisan yang lebih besar dari karirnya, mempengaruhi sejumlah besar musisi blues dan rock untuk tingkat yang besar, termasuk Eric Clapton dan Rolling Stones, yang diyakini telah menamai band mereka setelah lagu Waters, “Rollin’ Stone”.

7. Ma Rainey (1886)

Gertrude “Ma” Rainey, lahir pada tahun 1886, adalah seorang pemain dan artis rekaman blues awal yang berpengaruh, sering disebut sebagai “Mother of the Blues ”. Sebagai penyanyi yang terutama dikenal untuk menjembatani kesenjangan antara gaya vaudeville sebelumnya dan ekspresi blues yang lebih otentik , dia dapat secara sah diakreditasi dengan mempengaruhi banyak penyanyi blues awal .

Rainey mendapat julukannya dari menikahi pasangannya, Will “Pa” Rainey pada tahun 1904. Dia memulai karirnya sebagai remaja, melakukan tur dengan Rabbit Foot Minstrels (sebuah grup penyanyi dan variety show) dengan Pa Rainey, sebelum membentuk grup mereka sendiri yang disebut Assassinators of the Blues .

Dari yang pertama pada tahun 1923, Rainey membuat lebih dari 100 rekaman dalam waktu lima tahun, termasuk “Bo-Weevil Blues “, “Moonshine Blues “, “See See Rider Blues ” dan “Soon This Morning”. Dia dikenal karena vokalnya yang kuat dan energik, serta ungkapannya yang terampil dan gaya nyanyiannya yang seperti rintihan.

Rainey melakukan tur hingga 1935, ketika dia pensiun dari pertunjukan. Namun, ia terus melibatkan dirinya dalam dunia musik, terutama sebagai impresario teater di kota kelahirannya, Georgia. Dia meninggal empat tahun kemudian pada tahun 1939, pada usia 53 tahun.

6. Sister Rosetta Tharpe (1915)

Penyanyi , penulis lagu , dan gitaris Amerika Sister Rosetta Tharpe lahir pada tahun 1915, mencapai puncak ketenarannya pada tahun 1930-an dan 1940-an sebagai penyanyi gospel. Sangat mendalami Blue, lirik spiritual dan permainan gitar listriknya terbukti sangat berpengaruh pada musik rock and roll awal.

Tharpe terutama terkenal karena keterampilan gitarnya dan, mengingat era di mana dia bermain, diberi ‘pujian yang tinggi’ karena mampu bermain “ seperti laki-laki ”. Di samping bakat instrumental ini, dia memiliki suara aneh yang menarik dan bakat bawaan untuk menulis lagu.

Dia termasuk orang pertama yang menyilangkan Injil ke dunia ritme-dan- biru dan rock-and-roll, dan memengaruhi orang-orang seperti Little Richard, Chuck Berry, dan Elvis Presley . Suster Rosetta Tharpe, yang meninggal karena stroke pada tahun 1973 dalam usia 58 tahun mungkin paling dikenang karena lagu-lagunya “O Little Town of Bethlehem”, “My Journey To The Sky” dan “Jericho”.

5. Mamie Smith (1891)

Mamie Smith lahir pada tahun 1891 (pertama kali diyakini pada tahun 1883, sebelum akta kelahirannya ditemukan), dan merupakan seorang penyanyi , pianis, penari, dan bahkan aktris vaudeville Amerika. Dia memulai karirnya sebagai seorang anak, tur dengan Four Dancing Mitchells, dan kemudian sebagai remaja, menari dengan Smart Set Salem Tutt Whitney .

Pada tahun 1913 dia pergi untuk bernyanyi di klub-klub di Harlem, di mana dia bertemu William “Smitty” Smith, seorang penyanyi , yang dia nikahi. Smith tampil dalam berbagai gaya, melintasi antara jazz dan blues dan, pada 1920, menjadi artis Afrika-Amerika pertama yang membuat rekaman vokal blues .

Hit terbesarnya adalah pilihan lagu yang ditulis oleh Perry Bradford dan dirilis melalui Okeh Records, termasuk dua hits terbesarnya ” Crazy Blues “, dan “It’s Right Here For You”. Meskipun sulit untuk menemukan rekaman Smith yang tidak setua waktu, ada pesona dan keajaiban yang dapat ditemukan dalam rekaman bersejarah dan berpengaruhnya. Suaranya hangat, aneh, dan menyenangkan, dan pasti layak untuk dialami.

Sangat memalukan bahwa pada tahun 1946 Mamie Smith dilaporkan meninggal tanpa uang sepeser pun di New York, pada usia 55 tahun. Terlepas dari keberhasilan (atau kekurangannya) dalam hidupnya, dia harus dikenang sebagai pembuka jalan bagi banyak orang Afrika – Amerika . penyanyi blues yang akan datang.

4. Ray Charles

Meskipun tidak dikenal secara eksklusif sebagai penyanyi blues tradisional , Ray Charles menggabungkan pengaruh musik ini dengan jazz, rhythm-and- blues , dan gospel untuk menciptakan gaya uniknya sendiri, yang menjadi sangat populer. Lahir pada tahun 1930 dan dibutakan sebagai seorang anak, penyanyi dan pianis akan menjadi kekuatan musik yang tampaknya tak terbendung, yang dikenal oleh teman-teman dan rekan bandnya sebagai “Brother Ray”, serta sering disebut sebagai “the Genius”.

Contoh terbaik dari Charles yang menyanyikan lagu blues adalah lagu yang berjudul “The Genius Sings The Blues ”, yang dirilis pada tahun 1961. Ini menampilkan beberapa contoh suara Charles yang lucu dan lucu yang masih dapat menyampaikan musik blues dengan sempurna. Contoh-contoh ini termasuk “Dini hari”, “Ray’s Blues ”, dan “I’m Movin’ On”.

Ray Charles adalah inspirasi bagi banyak orang, dan menikmati karier yang sangat sukses, serta warisan yang bertahan lama. Sayangnya, seperti banyak orang sezamannya, Charles berbagi masalah narkoba yang datang dengan gaya hidup bisnis pertunjukan, dan diduga kecanduan heroin selama dua dekade. Namun, melalui tekad dan beberapa terapi (yang memicu kecintaannya pada catur), dia berhasil berhenti. Ray Charles meninggal karena komplikasi yang melibatkan penyakit hati pada usia 73 tahun.

3. Eric Clapton (1945)

Sementara awal mula The Blues dapat ditelusuri kembali ke Amerika Selatan pada abad ke-19, ia terus berkembang dan menjangkau khalayak umum selama lebih dari satu abad. Contoh yang lebih modern dari Eric Clapton ini, penyanyi dan gitaris Inggris yang terkenal karena karyanya dengan Cream (dari ketenaran “Sunshine of Your Love” dan “White Room”), Derek and the Dominos (“Layla”), dan karyanya yang produktif karir solo.

Selama bekerja dengan Cream dan karir solonya, Clapton menunjukkan pengaruh besar dari blues – hasil dari permulaannya sebagai musisi selama era kebangkitan blues London. Clapton adalah salah satu pelopor gerakan blues baru , bermain bersama orang-orang sezamannya seperti Jeff Beck, the Rolling Stones, dan kemudian Led Zeppelin.

Clapton mungkin paling populer di kalangan dans karena permainan gitarnya yang virtuoso , tetapi suaranya yang bernuansa dan khas tentu layak mendapat tempat di daftar ini. Sementara karya bandnya sebagian besar mencakup blues -rock dan psych-rock, album debut Cream “Fresh Cream” sebagian besar terdiri dari lagu-lagu blues dan sampul standar blues seperti “Four Hingga Late” dan “Spoonful”.

Karier solo Clapton lebih mengingatkan pada musik blues sebelumnya , dengan banyak permainan akustik, gaya jari dimasukkan ke dalam karyanya. Clapton telah menjual lebih dari 280 juta rekaman di seluruh dunia, menjadikannya salah satu musisi terlaris sepanjang masa, apa pun genrenya – dan menyoroti daya tarik populer yang terus dimiliki The Blues.

2. B.B. King (1925)

The King of Blues , lahir pada tahun 1925 dan menjadi terkenal sebagai gitaris dengan pengendalian diri dan kecanggihan yang ekstrem, BB King tidak hanya memiliki keterampilan gitar yang mematikan , vokal bluesnya dan, mungkin yang lebih mengesankan, keterampilan penampilannya sebagai seorang frontman, adalah sesuatu yang harus diperhatikan. melihat.

Lahir sebagai Riley B. King, tetapi dengan julukan BB yang lebih menarik, King lahir di perkebunan kapas di Mississippi, kemudian bekerja di pabrik kapas. Seperti kebanyakan musik blues sezamannya, ia menjadi tertarik pada musik melalui gereja, dan mulai bermain di sendi-sendi lokal dan di radio lokal.

Karier BB King benar-benar dimulai setelah dia pindah ke Chicago dan, seiring ketenarannya tumbuh, dia mulai melakukan tur secara ekstensif. Bahkan, King terkenal bermain tanpa henti, pernah dikabarkan telah memainkan 342 pertunjukan pada tahun 1956 saja. King meninggal pada usia 89 tahun di Las Vegas pada tahun 2015, setelah karir yang panjang dan sukses sebagai artis blues terkemuka dan berpengaruh .

1. Bessie Smith (1894)

Sesuai dengan pilihan #1 kami untuk penyanyi blues terkenal , Bessie Smith adalah salah satu artis tertua dalam daftar, lahir pada tahun 1894. Dijuluki “Empress of the Blues “, ia mencapai puncak kesuksesannya selama Era Jazz tahun 1920-an dan 30-an sebagai salah satu penyanyi blues wanita paling populer di era itu .

Dia telah lama menjadi pengaruh pada sesama penyanyi jazz dan blues di seluruh dunia. Smith memiliki masa kecil yang sulit; dengan orang tuanya sekarat sebelum dia bisa mengingat mereka, dia dibesarkan oleh kakak perempuannya dalam kehidupan yang miskin, di mana dia tampil di sudut jalan dengan saudara laki-lakinya Clarence, yang akhirnya meninggalkan kota (tanpa memberitahunya) untuk bergabung dengan rombongan keliling.

Dia kemudian akan dan mendapatkan Smith audisi, di mana dia diterima sebagai penari, dengan legenda bernyanyi Blues dan “Mother of the Blues ” Ma Rainey di depan. Bessie Smith membentuk aksinya sendiri sekitar tahun 1913 di Teater 81 dan pertama kali direkam pada tahun 1923 setelah mengumpulkan reputasi yang kuat di Selatan.

Sangat mengejutkan label rekaman yang telah menolaknya karena sikapnya yang “kasar”, Smith menemukan kesuksesan besar, dengan kehadiran panggung dan kemampuannya untuk memikat penontonnya dibandingkan dengan seorang pengkhotbah. Smith meninggal pada tahun 1937 setelah kecelakaan mobil yang mengerikan yang hampir memutuskan lengannya (yang kemudian diamputasi), dan transportasi tertunda ke rumah sakit terdekat.

Dia terkenal karena suara contralto-nya (rentang vokal wanita terendah), dengan lagu-lagunya yang paling terkenal adalah “Nobody Knows You When You’re Down and Out”, “Devil’s Gonna Git You”, dan “‘Tain’t Nobody’s Bizness Bila saya lakukan”.

Harlem Street Singer: Gitar Gospel Reverand Gary Davis – Reverand Gary Davis tidak masuk dalam Rock and Roll Hall of Fame, dan butuh hampir 30 tahun bagi Blues Hall of Fame untuk melantiknya . Band tidak menamai diri mereka sendiri setelah lagunya atau periksa nama dia di lagu mereka. Tapi bertemu dengannya “seperti bertemu Elvis,” kata Jefferson Airplane dan gitaris Hot Tuna Jorma Kaukonen dalam film dokumenter musik baru Harlem Street Singer . “Hanya lebih baik. Elvis tidak memilih-milih.”

Harlem Street Singer: Gitar Gospel Reverand Gary Davis

revgarydavis – Itu mencerminkan penghargaan, berbatasan dengan kekaguman, yang dengannya Gary Davis ditahan di lingkaran enam tali tertentu. Lahir di Carolina Selatan pada tahun 1896, buta sejak bayi, Davis membuat kapak pertamanya dari kaleng kue, bermain ragtime dan blues di sudut-sudut dan di gudang tembakau, menemukan Tuhan, dan akhirnya bermigrasi ke Harlem, di mana selama bertahun-tahun ia mencari nafkah keliling berdakwah, bermain rohani di jalanan, dan memberikan les gitar. “Ditemukan kembali” oleh para revivalis rakyat di akhir tahun 50-an dan awal 60-an, ia tampil secara luas dan mencapai tingkat pengakuan dan stabilitas ekonomi sebelum kematiannya pada tahun 1972.

Baca Juga : David Bromberg Tentang Karir dan Belajarnya Dengan Reverand Gary Davis

Ukuran kecil; obit New York Times -nya memuat semua lima paragraf. Namun di luar rekaman dan tayangan TV dan live yang sedikit, Davis meninggalkan warisan dalam bentuk tim gitaris bintang yang diberdayakan oleh gaya memetik jarinya yang unik dan kompleks secara harmonis. (Pemain blues modern Bill Sims Jr. mengatakan bahwa ketika dia pertama kali mendengar Davis bermain, “Saya pikir, ada dua gitaris di sini.”) Kaukonen, Bob Weir dari Grateful Dead, dan Ry Cooder adalah di antara banyak orang yang menyebut Davis sebagai pengaruh utama, dan dia mengajar master masa depan seperti Taj Mahal, David Bromberg , Stefan Grossman, dan Woody Mann , yang membawa ajaran Reverand ke depan di kamp dan bengkel gitarnya .

Mann berusia 12 tahun ketika dia memulai pelajaran dengan Davis pada tahun 1968, dan pengalaman formatif itu adalah fondasi lama Harlem Street Singer, yang diasuh Mann dengan Trevor Laurence, salah satu mantan muridnya, di perusahaan mereka Acoustic Sessions , yang membuat dokumen musik dan DVD instruksional. Menampilkan banyak musisi yang makmur di bawah pengawasan Reverand, Harlem Street Singer menyatukan cerita Davis yang kurang dikenal dan merayakan karya seninya dengan hormat dan kasih sayang. Film ini diputar pada 10 dan 20 November di Festival Film Internasional Leeds (di mana MusicFilmWeb adalah mitra media), sebelumnya kami berbicara dengan Mann, yang memproduseri film, dan Laurence, yang menyutradarai bersama (dengan Simone Hutner).

MFW: Profil Reverand Davis telah memudar sedikit sejak kematiannya. Apakah Anda merasa bahwa dia benar-benar tidak mendapatkan haknya, dibandingkan dengan beberapa orang sezamannya?

Woody Mann: Tentu saja. Itulah bagian dari film ini, bagaimana Davis sebenarnya bukan hanya seorang musisi blues. Itu sebabnya dia tidak mendapatkan haknya, mengapa dia tidak sepopuler orang seperti Robert Johnson. Musiknya adalah campuran dari blues dan gospel. Dia sebenarnya bukan musisi blues, dia orang gereja. Namun pada saat yang sama, dia memengaruhi lebih banyak orang daripada banyak orang blues, karena dia masih hidup dan di New York pada saat itu. Dia mempengaruhi banyak musisi kulit putih di panggung musik rakyat. Itulah kisah filmnya: bagaimana warisannya hilang di celah-celah buku sejarah.

Salah satu segmen yang paling saya nikmati adalah di mana Anda masuk ke fakta bahwa dia tidak terlalu memikirkan sebagian besar orang sezamannya yang adalah musisi blues.

WM: Saat itu blues dan gospel adalah sesuatu yang baik dan jahat. Blues buruk; Injil, musik gereja bagus. Dan ketika Davis menjadi seorang menteri, dia memunggungi blues dan memisahkan diri dari komunitas itu.

Trevor Laurence: Ada juga kebanggaan tertentu yang dia miliki, saya pikir, dalam keahliannya, yang dapat menyebar ke cara dia memikirkan musisi lain. Dia sangat memikirkan orang-orang seperti [gitaris ragtime] Willie Walker dan Blind Blake. Mereka mungkin tidak memiliki pesan agama, tetapi dia sangat menghormati orang-orang yang memainkan alat musik dengan baik.

Untuk orang awam, apa yang membuatnya menjadi gitaris yang luar biasa? Apa yang dia lakukan yang tidak dilakukan orang lain?

WM: Dia bermain lebih melodis. Itu lebih rumit. Itu lebih dari pendekatan seperti jazz, lebih dari pengaturan yang lengkap. Para pemain blues akan mengiringi suaranya, sehingga gitarnya lebih berbasis riff. Itu lebih tentang lirik, minuman, wanita, suaranya. Davis memiliki pendekatan musik daripada pendekatan blues, dan saya pikir itulah yang menarik banyak musisi kulit putih muda saat itu. Dia memainkan potongan ragtime, potongan melodi – potongan gitar yang Anda bisa pelajari sebagai bagian gitar, Anda tidak harus menyanyikannya.

SL: Tapi jika Anda mendengarkan beberapa lagu yang Davis rekam sebagai musik blues, dia bisa melakukannya juga, sama seperti siapa pun. Saya pikir itu lebih merupakan pilihan. Dia bermain karena keutamaannya dan agamanya. Dia akan melakukan variasi dan sinkopasi tanpa akhir – itulah keahliannya – tetapi dia memiliki pesan dan itulah yang penting baginya. Jika dia ingin melakukan blues seperti Robert Johnson atau seseorang seperti itu, Anda dapat mendengar dari lagu-lagu itu bahwa dia juga bisa melakukannya.

Apa yang dia pikirkan tentang musik elektrifikasi dan rock ‘n’ roll?

WM: Saya tidak pernah menanyakan itu padanya. Saya biasa bertanya kepadanya tentang musisi lain, dan dia tidak pernah berkata baik tentang siapa pun, tetapi saya tidak pernah bertanya kepadanya tentang pemain kontemporer. Saya bertanya kepadanya tentang orang-orang seperti Blind Lemon Jefferson. Dia akan, seperti, [mengerang]. Seperti yang disebutkan Trevor, dia akan berbicara tentang Blind Blake, Willlie Walker, beberapa pemain ragtime. Kadang-kadang saya berbicara dengannya tentang musik saya, dan kadang-kadang saya berkata, “Saya punya pertunjukan, bermain di kedai kopi ini,” dan dia akan berkata, “Nah, ketika Anda pergi ke pertunjukan, Anda harus memastikan kamu tidur. ” Saya selalu merasa dia tidak berhubungan dengan apa yang terjadi di dunia kontemporer.

Anda melihatnya di gambar-gambar itu menjelang akhir hidupnya dan dia terlihat persis sama seperti yang dia lakukan 30 tahun yang lalu – seorang pria dengan setelan hitam dan dasi hitam, mengenakan fedora dan, tentu saja, kacamata hitam. Dengan sebatang rokok di jarinya.

WM: [Tertawa] Tepat. Dia konsisten – dia berpakaian sama, dia berbicara sama, dia tidak pernah mengeluh tentang hidupnya, dia tidak pernah mengeluh tentang menjadi miskin. Dia tidak pernah sekalipun mengeluh tentang berjalan-jalan. Dan ketika dia mencapai kesuksesan di akhir hidupnya, dia tidak berubah sama sekali. Bukan cerita pahit tentang dia yang semakin tua dan dia tidak dikenali. Dia sangat puas dengan siapa dirinya, dengan dirinya sendiri sebagai guru, dan dia tidak terlalu peduli dengan apa yang terjadi di dunia pop dan dunia rekaman. Dia tampak seperti pria yang damai, yang tidak biasa bagi seseorang yang memiliki kehidupan yang sulit.

Apa yang membuatnya menjadi guru yang baik?

WM: Bagi saya yang membuatnya menjadi guru yang baik adalah kesabarannya. Dan kesungguhannya dengan mencoba mengajariku sebuah lagu. Dia tidak akan membiarkan saya pergi sampai saya mempelajarinya [tertawa]. Dia akan berkata, “Begini caranya,” dan dia akan memainkan sebuah frase, dan saya akan memainkan sebuah frase, dan dia tidak akan melanjutkan sampai saya memahaminya dengan tepat. Itu akan bolak-balik dan itu akan memakan waktu berjam-jam, dan dia akan duduk di sana dengan sabar. Saya masih kecil, dan saya sangat – bagaimana saya harus mengatakannya? – Saya ingin belajar, dan saya tidak selalu sopan padanya [tertawa]. Dia hanya mengabaikannya dan berkata, “Ayo belajar.”

Anda melakukan seminar berjudul “Pelajaran Reverand Gary Davis.” Apakah Anda dapat menerapkan pelajaran tersebut pada apa yang Anda berikan kepada siswa Anda, atau mencoba untuk menyampaikannya?

WM: Tentu saja, ya. Pelajaran utama yang saya pelajari dari Davis adalah, belajar musik tetapi juga bisa berimprovisasi. Saya pikir itu salah satu hal dalam pelajarannya yang saya ajarkan kepada murid-murid saya: mari belajar musiknya, tetapi mari kita pahami musiknya sehingga Anda dapat berimprovisasi di dalamnya. Karena Davis akan terus-menerus mengubah apa yang dia lakukan. Dia akan mengajari saya sebuah lagu, dan kemudian saya akan kembali minggu depan dan dia akan mengubahnya. Itulah bagian dari itu, yang merupakan perbedaan [dari] belajar blues sebagai karya museum di mana Anda mempelajarinya secara off the record.

Setelah Anda belajar dengan Reverand Davis, Anda belajar di Juilliard. Bagaimana metode pengajaran yang lebih akademis kontras dengan atau melengkapi pelajaran ruang tamu yang Anda miliki dengan Reverand?

WM: Belajar musik di Juilliard itu bagus, karena saya belajar rasa struktur. Itu memberi saya pemahaman tentang musik. Tapi dalam hal belajar gitar, itu siang dan malam. Davis belajar langsung. Saat itu saya tidak begitu mengerti apa yang saya pelajari dengan Davis, saya hanya menirunya. Dalam retrospeksi, ketika saya terlibat dengannya, saya mengerti apa yang dia lakukan. Di Juilliard, sangat banyak hanya mempelajari teori musik.

Ini akan terjadi di tahun 70-an. Berapa banyak es yang dipotong dengan orang-orang di lingkungan yang telah Anda pelajari dengan seseorang seperti dia? Masih belum banyak musisi yang diakui sebagai virtuoso.

WM: Mereka sama sekali tidak mengenalnya. Itu nol. Gitar itu bahkan tidak dikenal di sekolah, bahkan gitar klasik, pada waktu itu. Rasanya seperti dua dunia yang berbeda, dan itulah mengapa saya putus sekolah. Mereka tidak tahu apa-apa tentang Davis, tidak ada pendekatan atau musik, mereka tidak mengerti blues, atau bahkan jazz pada saat itu. Ketika saya pergi ke Juilliard itu benar-benar pendidikan klasik. Dengan Davis itu lebih pribadi, lebih nyaman, lebih kekeluargaan – lebih musikal. Itu sebabnya mudah untuk belajar darinya, karena saya merasa seperti bagian dari keluarga.

Hubungannya dengan para siswa adalah bagian besar dari film ini. Apakah itu tertanam dalam DNA film sejak awal, atau apakah itu berkembang saat Anda menceritakan kisah Gary?

SL: Ini semacam bagian otomatis dari film, karena hubungan itu muncul secara alami dalam wawancara. Kami memang berusaha untuk menyorotinya, karena ini adalah tema yang berulang. Tampaknya siapa pun yang kami ajak bicara, mereka semua memiliki perasaan khusus tentang Davis, seperti dia adalah bagian dari keluarga mereka.

WM: Semua orang membicarakannya dengan cinta, betapa hebatnya dia sebagai guru, dan betapa musiknya begitu hebat, dan sangat berbeda dari apa pun yang mereka dengar saat itu. Bukan hanya musik folk, bukan blues, ini semacam pendekatan piano jazz awal yang ragtime.

Bukan untuk meromantisasi kecacatannya, tetapi apakah menurut Anda fakta bahwa dia buta memengaruhi cara gayanya berkembang, berkontribusi pada keunikannya? Bahwa dia tidak bisa melihat bagaimana orang lain melakukannya?

SL: Ada benarnya, tetapi ada juga kebenaran bahwa karena disabilitasnya, dia menghabiskan banyak waktunya dengan musik. Tidak memiliki pelajaran dengan cara yang memungkinkannya bermain seperti orang lain membuatnya, mungkin, mencari teknik baru. Tapi saya juga berpikir itu hanya – dia buta, dia tidak bisa melakukan jenis pekerjaan yang kebanyakan orang lakukan, jadi dia harus menghabiskan banyak waktu dengan instrumennya, mencoba meniru apa yang dia dengar di gereja, dan mungkin apa yang dia dengar di tempat lain.

WM: Itu poin yang bagus. Selain itu, dia juga bermain di jalanan. Karena itu dia mengembangkan cara tertentu memegang gitar, cara tertentu bermain dengan volume, hanya karena kebutuhan. Bermain di gereja, bukan gitar listrik, musik harus sampai ke jemaat – jadi seluruh gayanya adalah, bermain sangat keras, sangat perkusi.

SL: Bagi saya sepertinya dia benar-benar memiliki semacam penglihatan. Kebanyakan pemain, ketika mereka berkembang, benar-benar berusaha terdengar seperti orang lain. Mereka mencoba meniru orang. Gayanya sangat unik. Dia benar-benar orang pertama yang melakukan apa yang dia lakukan. Itu tidak benar-benar datang langsung dari siapa pun.

WM: Ini adalah kisah klasik Amerika tentang bagaimana seorang seniman tersesat karena dia tidak cocok dengan kategori yang rapi. Itu, bagi saya, adalah salah satu alasan kuat untuk membuat film. Saya memiliki kekesalan hewan peliharaan tentang sejarah blues karena semuanya harus masuk ke dalam kategori, dan jika tidak mereka semacam mengabaikannya. Itu sebabnya saya senang bahwa dalam film, orang-orang hanya menyanyikan pujian untuknya.

David Bromberg Tentang Karir dan Belajarnya Dengan Reverand Gary Davis – Keahlian musik eklektik David Bromberg berakar pada suara Amerika. Sejak 1960-an, penyanyi dan gitaris ini telah mengambil banyak pengaruh, dari bluegrass hingga ragtime, dari country blues hingga jazz New Orleans.

David Bromberg Tentang Karir dan Belajarnya Dengan Reverand Gary Davis

revgarydavis – Mengambil pelajaran dari Reverend Gary Davis yang legendaris sebagai mahasiswa Columbia di tahun 1960-an, Bromberg, yang dijadwalkan malam ini di Pusat Seni & Budaya L2 , melanjutkan untuk menciptakan suara yang khas dan akrab. Pada rekaman-rekaman yang dirilis selama tahun 1970-an, Bromberg menggabungkan unsur-unsur yang sudah dikenal dari musik akar dengan genre barunya sendiri.

Baca Juga : Lagu Eksklusif yang Digali oleh Reverand Legenda Blues Gary Davis 

Kami bertemu dengan Bromberg untuk berbicara tentang pengawasannya dengan Davis, kariernya selanjutnya, dan kepergiannya dari bisnis musik. Bromberg juga berbicara tentang kembalinya dia ke gitar setelah hiatus sebagai pemilik toko biola di Delaware, serta album terbarunya Use Me , yang menampilkan kolaborasi dengan Keb’ Mo’, Vince Gill, Los Lobos dan teman-teman lainnya di bisnis musik

Westword : Saya ingin memulai dengan berbicara sedikit tentang studi gitar Anda dengan Reverend Gary Davis di New York pada 1960-an. Bagaimana kemitraan itu terjadi?

David Bromberg: Saya telah menemukan Reverend dari beberapa catatan. Saya sedang berjalan di sepanjang Bleecker Street dan saya melewati sebuah kedai kopi kecil di sana, yang disebut Kulit Naga. Saya tidak akan pernah melupakan ini — sudah lama sekali — ada papan sandwich kecil di luar yang bertuliskan “Reverend Gary Davis malam ini.”

Jadi saya masuk dan mendengar set, yang benar-benar menakjubkan, dan setelah itu saya bertanya kepada Reverend apakah dia akan memberi saya pelajaran, dan dengan takjub saya, dia berkata, “Tentu. Lima dolar, bawa uangnya, sayang.” Jadi saya mulai mengambil pelajaran darinya dan setelah waktu yang lama, dia bertanya kepada saya apakah alih-alih membayarnya untuk pelajaran, saya akan membimbingnya, karena dia buta. Pelajarannya berlangsung sepanjang hari, jadi saya akan menghabiskan sepanjang hari dan beberapa malam untuk membimbingnya berkeliling.

Dia akan memainkan sesuatu, dan Anda akan mencoba dan mendapatkannya, dan jika Anda tidak mendapatkannya, dia akan memainkannya. Dia sangat sabar. Dia tidak bisa melihat apa yang Anda lakukan salah, tapi dia bisa mendengarnya. Dia juga akan mengganggumu. Saya ingat suatu kali dia mengajari saya sebuah lagu berjudul “I’ll Be All Right,” yang merupakan lagu yang diambil dari “We Shall Overcome”. Dia memainkan satu akord dan saya berkata, “Rev, akord apa itu?” Dia berkata, “Ini adalah E9.” Saya berkata, “Apa itu E9?” Dia berkata, “Ini adalah E9.” Saya berkata, “Oke,” dan saya melihat jari-jarinya dan belajar bagaimana melakukannya.

Saya kembali minggu depan dan saya memainkannya untuknya. Dia berkata, “Akord apa yang kamu mainkan itu?” Saya berkata, “Itu E9.” Dia berkata, “Tidak, ini adalah B minor,” dan dia memainkannya untuk saya dengan B minor. Tentu saja, salah satunya akan berhasil, karena mereka adalah akord yang sangat mirip. Pada dasarnya ada satu catatan yang berbeda. Tapi itu membuatku bingung untuk waktu yang lama. Bagaimana menurut Anda bahwa karya awal dengan legenda blues country memberi tahu gaya Anda, baik dalam penampilan maupun komposisi?

Itu yang sulit bagi saya. Untuk satu hal, saya belajar bahwa Anda dapat membuat gitar berbicara, tetapi ada hal lain yang saya pelajari. Itu bukan langsung dari dia, tapi itu karena dia. Saya akan membawanya ke gereja, dan dia belum tentu satu-satunya pengkhotbah. Saya belajar sesuatu dari ungkapan gereja. Ketika saya mulai mendengarkan BB King dan Freddie King dan Albert King, saya menyadari bahwa mereka bermain sangat berbeda dari pemain kulit putih mana pun yang bermain blues.

Perbedaannya adalah bahwa BB dan Albert dan Freddie semuanya bersuara seolah-olah mereka adalah pengkhotbah; gaya rock-and-roll blues adalah aliran nada yang berkelanjutan, tetapi pengkhotbah tidak berkhotbah seperti itu. Mereka akan melakukan jeda lama sampai Anda tidak sabar untuk mendengar kata berikutnya. Ungkapannya luar biasa, dan saya belajar banyak dari mendengar khotbah.

Menurut Anda bagaimana hal itu berdampak pada gerakan rakyat yang lebih luas saat itu?

Reverend berasal dari Piedmont, dari Carolina. Permainannya khas Carolina. Dia tidak bisa dipercaya. Dia tidak atau akan sangat jarang menyanyikan lagu blues, tidak di rumahnya sendiri; istrinya tidak akan memilikinya. Ada unsur blues di sana, tapi ada sesuatu yang lain. Reverend, dalam permainan gitarnya, selalu berusaha terdengar seperti piano. Jadi ada sekelompok dari kami yang menendang-nendang di sekitar Greenwich Village pada masa itu yang mulai bermain piano compang-camping dan banyak menyalin ke gitar. Tetapi seluruh gagasan bahwa Anda dapat memainkan baris yang berbeda dalam bass dan treble, itu semua berasal dari Reverend.

Bagi Anda, bagaimana gaya tersebut berkembang dari waktu ke waktu? Artinya, bagaimana pendekatan Anda terhadap musik rakyat yang meresap dalam sejarah sejak ratusan tahun yang lalu berubah sejak Anda belajar dengan Reverend?

Semua orang menjadikannya milik mereka sendiri. Kita semua mulai dengan menyalin orang lain. Dari kombinasi ketidakcukupan kita sendiri dan kreativitas bawah sadar dan sadar kita sendiri, kita membuat barang menjadi milik kita sendiri. Itulah yang dilakukan semua orang.

Apakah Anda pernah mendengarkan rekaman lama Anda dan mendengar bagaimana Anda berkembang sebagai pemain?

Tidak pernah (tertawa). Perbedaan terbesar antara rekaman lama saya dan barang-barang saya saat ini adalah bahwa saya bernyanyi jauh lebih baik akhir-akhir ini. Sebagian besar, saya tidak ingin mendengarkan yang lama. Saya berhenti bermain selama 22 tahun; Aku berhenti sepenuhnya. Itu waktu yang lama. Selama 22 tahun, saya sesekali mengambil gitar, tetapi itu sangat jarang.

Saya mulai mencoba beberapa hal yang dikatakan orang-orang seperti Phoebe Snow kepada saya. Yang mengejutkan saya, itu berhasil. Saya juga akan melakukan pertunjukan sesekali dengan kuartet. Orang-orang lain di kuartet adalah penyanyi yang hebat, dan itu memaksa saya untuk menjadi lebih baik. Apa saja tips yang Anda dapatkan dari penyanyi seperti Phoebe Snow?

Itu untuk bernyanyi tanpa menyempitkan tenggorokan Anda. Orang-orang tegang dan menyempitkan tenggorokan mereka, yang membuatnya lebih sulit. Saya tidak tahu bagaimana mengendurkan tenggorokan saya, dan dia mengatakan kepada saya, ‘Rasanya seperti menguap.’ Jika Anda mencoba dan menguap dan mencoba untuk bernyanyi, itulah cara tenggorokan Anda terbuka.

Bagaimana Anda memasukkan elemen mendongeng ke dalam vokal Anda?

Ini berkembang. Ketika saya pertama kali mulai, nyanyian saya tidak terlalu bagus sama sekali. Saya ingin menyampaikan lagu, karena saya tidak pernah menyanyikan lirik yang tidak berarti bagi saya. Saya ingin menginvestasikan lirik seperti yang saya percayai, jadi saya mengembangkan semacam cara untuk melakukan itu. Meskipun saya mungkin tidak memiliki nada yang baik dalam suara saya, saya menyampaikan lagu itu. Hari-hari ini, saya masih bisa menyampaikan lagu dan mendapatkan suara yang jauh lebih menyenangkan.

Apa yang membawa Anda kembali ke gitar?

Saya tinggal di Chicago, tempat saya belajar biola. Pada tahun 2002, saya pindah ke Wilmington, Delaware, di mana saya membuka toko biola saya sendiri. Saya makan siang beberapa kali dengan walikota, yang mengatakan bahwa jalan tempat saya tinggal dulu selalu menampilkan musik live, dan dia ingin melihatnya lagi. Jadi saya pikir satu hal yang bisa saya lakukan yang mungkin bisa membantu adalah memulai beberapa jam session.

Jadi saya memulai sesi jam akustik dan sesi listrik gaya blues Chicago. Yang mengejutkan saya, beberapa musisi yang sangat hebat mulai muncul segera — beberapa dari mereka melakukan perjalanan yang cukup jauh. Saya sangat menikmati bermain dengan mereka, dan secara bertahap saya mendapatkan kembali beberapa hal. Saya merasa nyanyian saya menjadi lebih baik, dan saya hanya memutuskan untuk melihat apakah saya menikmati tampil di depan orang-orang lagi.

Hari-hari ini, saya memiliki lebih banyak kendali atas hal itu. Alasan saya berhenti bermain selama 22 tahun adalah karena saya kelelahan. Pada satu titik, saya berada di jalan selama dua tahun tanpa berada di rumah selama dua minggu. Ini gila. Saya tidak menyadari bahwa saya benar-benar bisa mengendalikan ini.

Sekarang saya menyadari hal ini. Saya tidak akan bekerja terlalu banyak sehingga saya akan kelelahan dan saya tidak akan melakukan pertunjukan di mana saya pikir saya tidak akan menikmatinya. Idealnya, saya bekerja mungkin dua akhir pekan dalam sebulan, antara tiga dan empat hari dalam satu waktu. Terkadang, ternyata lebih dari itu jika saya harus menempuh jarak yang sangat jauh.

Lagu Eksklusif yang Digali oleh Reverand Legenda Blues Gary Davis – Di tengah kebangkitan Bruce pada tahun 1966, Reverand Gary Davis mungkin berada di puncak ketenarannya. “Besar” adalah kata yang relatif di sini, dan rata-rata penggemar musik Amerika di masa lalu atau sekarang mungkin tidak mengenali namanya.

Lagu Eksklusif yang Digali oleh Reverand Legenda Blues Gary Davis

revgarydavis – Namun, Davis adalah orang yang sangat berpengaruh, terbukti dengan pengaruhnya terhadap pop dan rock di tahun 1960-an. Bob Dylan, seperti Peter, Paul & Mary, merekam salah satu lagunya. The Grateful Dead adalah penggemar beratnya, dan Jorma Kaukonen dari Jefferson Airplane masih memainkan banyak lagu Davis. Oleh karena itu, temuan dalam arsip WNYC dari kunjungan studio tahun 1966 ini jelas merupakan sesuatu untuk diselidiki.

Baca Juga : Biografi Tentang Reverend Gary Davis

Reverand Gary Davis, yang juga tercatat sebagai Blind Gary Davis, sebenarnya adalah Reverand Baptis yang ditahbiskan (dan buta), dari wilayah Piedmont di Carolina Selatan. Dia tumbuh dengan memainkan gaya khas musik blues Piedmont dan mengajar salah satu tokoh paling terkenal gaya itu, Blind Boy Fuller. Namun, ia pindah ke New York pada 1950-an, dan selama 20 tahun berikutnya, banyak gitaris (terutama orang kulit putih) datang ke rumahnya untuk mempelajari musik blues dan sesekali memberikan khotbah kecil.

Dave Van Ronk, David Bromberg, Stefan Grossman. Daftar siswanya panjang dan penuh dengan musisi folk dan blues terkenal. Setidaknya salah satu dari mereka mengaku bahwa itu adalah Ny . Davis yang lebih mungkin untuk meletakkan sedikit agama kuno pada Anda. Reverand yang baik tampaknya lebih suka berbagi minuman dan lagu.

Bagaimanapun, pertunjukan di studio tahun 1966 ini terkenal karena beberapa alasan: pertama, tuan rumah. Henrietta Yurchenco akan menjadi nama yang akrab bagi para penggemar Arsip WNYC; dia membantu membawa Lead Belly , Woody Guthrie , dan lainnya ke audiens yang lebih besar melalui WNYC pada awal 1940-an. Dan musisi folk Dave Sear, yang kemudian menjadi pembawa acara Folk Music Almanac yang sudah berjalan lama di WNYC, muncul di sini sebagai rekan pembawa acaranya.

Dan kedua, ada lagu-lagunya. Dari lima lagu yang dimainkan di sini, dua adalah hits; dua lagi akan diketahui penggemar Davis; tetapi pembukanya adalah lagu yang seumur hidup saya tidak dapat saya identifikasi, bahkan setelah pencarian Google.

Ada sangat sedikit obrolan – sesi itu terdengar seperti telah diedit dengan tangan yang berat. Davis meluncurkan salah satu dari angka-angka awal yang bermoral dan bernuansa Injil di mana ayat-ayat yang berbeda sebenarnya sebagian besar sama; biasanya baris pertama yang berbeda di setiap ayat mengarah pada pengulangan kesimpulan ayat pertama. Keluarga Carter melakukan banyak jenis nyanyian ini – lagu seperti “Sow ‘Em On the Mountain,” misalnya.

Lagu kedua adalah “Ada Kehancuran Di Tanah Ini,” juga dikenal sebagai “Ada Kehancuran Di Tanah Itu.” Davis memiliki repertoar yang besar, dan ini adalah salah satu dari sejumlah besar lagu dari tradisi country-ragtime. Teknik memetik dua jari Davis sangat mengesankan dalam lagu-lagu ini. Setelah itu muncul salah satu hits, meskipun mungkin tidak terkait dengan Rev. Gary Davis. “You Got To Move” adalah musik blues tradisional yang dipopulerkan oleh Mississippi Fred McDowell, dan kemudian dipopulerkan oleh Rolling Stones.

Berikutnya adalah “Anak-anak Sion.” Sementara lagu bergerak bersama pada klip yang bagus, ada kualitas yang gelap dan hampir tidak menyenangkan pada urutan akord. Salah satu hal yang selalu saya sukai dari lagu-lagu Davis adalah citra elips tapi gembira yang sering dia gunakan. Dalam “The Light Of This World,” misalnya, dia menyanyikan: “punya jari yang berapi-api/mendapat tangan yang berapi-api/ketika saya sampai ke surga saya akan/bermain di band yang berapi-api.” Di sini, setelah bertanya-tanya di bait pertama ke mana ibunya pergi, dia bernyanyi: “dia di suatu tempat duduk dalam kemuliaan” (atau dalam pertunjukan ini, sepertinya dia mengatakan “dia ada di suatu tempat dalam kemuliaan,” yang bahkan lebih tidak biasa dan gembira. )

Grand finalnya adalah “Samson and Delilah” – juga dikenal sebagai “Jika Saya Memiliki Jalan Saya.” Awalnya dikaitkan dengan Blind Willie Johnson, versi Rev. Gary Davis menjangkau khalayak yang lebih luas ketika diliput oleh Peter, Paul & Mary pada tahun 1962. Mendengarkan suara Davis yang kasar dan teknik gitarnya yang sangat rumit, bagi saya, adalah sesuatu yang tidak pernah ketinggalan zaman.

Saya mempelajari beberapa lagu Davis, termasuk “The Light Of This World” dan “Death Don’t Have No Mercy,” dari permainan Jorma Kaukonen di salah satu konser New Sounds Live saya beberapa tahun yang lalu. Yang pertama membutuhkan beberapa waktu untuk mulai bekerja, tetapi saya sangat senang akhirnya mendapatkannya. Kemudian saya memberi tahu Joma bahwa saya mengerti cara memainkan aransemennya, dan dia langsung berkata, “Oh, saya hampir malu dengan betapa mudahnya itu.”

Biografi Tentang Reverend Gary Davis  – Di masa jayanya, yaitu akhir tahun 20-an, Reverend Gary Davis adalah salah satu dari dua praktisi paling terkenal dari sekolah gitar ragtime East Coast; 35 tahun kemudian, meskipun menghabiskan dua dekade bermain di jalanan Harlem di New York, dia masih salah satu raksasa di bidangnya, bermain di depan ribuan orang pada suatu waktu, dan menjadi inspirasi bagi lusinan gitaris/penyanyi modern termasuk Bob Dylan. , Taj Mahal, dan Donovan; dan Jorma Kaukonen, David Bromberg, dan Ry Cooder, yang belajar dengan Davis.

Biografi Tentang Reverend Gary Davis

revgarydavis – Davis sebagian buta saat lahir, dan kehilangan sedikit penglihatan yang dia miliki sebelum dia dewasa. Dia belajar gitar secara otodidak, dimulai pada usia enam tahun, dan pada saat dia berusia 20-an dia memiliki salah satu teknik gitar paling canggih dari siapa pun di blues; rekan satu-satunya di antara pemain berbasis ragtime adalahBlind Arthur Blake, Blind Lemon Jefferson, dan Blind Willie Johnson. Davis sendiri adalah pengaruh besar pada Blind Boy Fuller.

Baca Juga : Revend Gary Davis Musisi Jalanan Yang Sangat Terkenal

Pengaruh Davis termasuk gospel, marches, ragtime, jazz, dan minstrel hokum, dan dia mengintegrasikannya ke dalam gayanya sendiri. Pada tahun 1911, ketika Davis masih remaja, keluarganya pindah ke Greenville, SC, dan dia jatuh di bawah pengaruh virtuosi gitar lokal seperti Willie Walker, Sam Brooks, dan Baby Brooks. Davis pindah ke Durham pada pertengahan tahun 20-an, saat itu dia menjadi musisi jalanan penuh waktu. Dia dipuji tidak hanya karena keragaman gaya yang dianut permainannya, tetapi juga untuk keterampilannya dengan gitar, yang hampir tak tertandingi di bidang blues.

Davis masuk ke studio rekaman untuk pertama kalinya di tahun 30-an dengan dukungan seorang pengusaha lokal. Davis memotong campuran blues dan spiritual untuk label American Record Company, tetapi tidak pernah ada kesepakatan yang adil tentang pembayaran untuk rekaman, dan setelah sesi ini, 19 tahun sebelum dia masuk studio lagi. Selama periode itu, dia mengalami banyak perubahan. Seperti banyak pengamen jalanan lainnya, Davis selalu menyelingi lagu-lagu gospel di tengah lagu-lagu blues dan ragtime-nya, untuk mempersulit polisi menginterupsinya. Dia mulai mengambil materi Injil dengan lebih serius, dan pada tahun 1937 dia menjadi Reverend yang ditahbiskan. Setelah itu, dia biasanya menolak untuk melakukan blues apa pun.

Davis pindah ke New York pada awal 40-an dan mulai berkhotbah dan bermain di sudut-sudut jalan di Harlem. Dia merekam lagi pada akhir 1940-an, dengan sepasang lagu gospel, tetapi baru pada pertengahan 1950-an pengikut sejati untuk karyanya mulai berkembang lagi. Musiknya, semuanya sekarang bersifat spiritual, mulai muncul di label seperti Stinson, Folkways, dan Riverside, di mana dia merekam tujuh lagu pada awal 1956.

Davis “ditemukan kembali” oleh gerakan kebangkitan rakyat, dan setelah beberapa awal diam, dia setuju untuk tampil sebagai bagian dari kebangkitan musik rakyat pemula, muncul di Festival Rakyat Newport, di mana khotbahnya yang dinyanyikan dengan suara serak; terutama “Samson and Delilah (If I Had My Way)” transendennya – sebuah lagu yang paling dekat hubungannya dengan Blind Willie Johnson – dan “Twelve Gates to the City, ” yang menjadi sorotan dari proses selama beberapa tahun.

Dia juga merekam album live untuk label Vanguard di salah satu konser tersebut, serta muncul di beberapa koleksi antologi live Newport. Dia juga menjadi subjek dari dua film dokumenter televisi, satu pada tahun 1967 dan satu pada tahun 1970. Davis menjadi salah satu pemain paling populer di adegan kebangkitan rakyat dan kebangkitan blues, bermain di depan penonton yang besar dan antusias; sebagian besar lagu yang dia bawakan adalah lagu-lagu spiritual, tetapi tidak jauh berbeda dari musik blues yang dia rekam di tahun 1930-an, dan teknik gitarnya masih utuh.

Keterampilan Davis sebagai pemain, pada model akustik jumbo Gibson yang dia sukai, tidak berkurang, dan dia adalah sosok yang mengejutkan untuk mendengar, memetik dan memetik ritme dan kontra-melodi yang rumit. Davis menjadi guru selama periode ini, dan murid-muridnya termasuk beberapa pemain gitar kulit putih yang sangat menonjol, termasuk David Bromberg dan Jorma Kaukonen dari Jefferson Airplane (yang kemudian merekam “I’ll Be Alright” Davis di album solonya yang terkenal Quah!).

Reverend Gary Davis meninggalkan sejumlah besar rekaman modern (yaitu pasca-Perang Dunia II), hingga tahun 1960-an, mengambil kebangkitan karirnya dalam langkahnya sebagai cara untuk membawa pesan Injil ke generasi baru . Dia bahkan merekam lagi beberapa standar blues dan ragtime-nya di studio, untuk kepentingan murid-muridnya.

Reverend Gary Davis, Musisi Blues lahir

Gary Davis lahir pada tanggal ini pada tahun 1896. Dia adalah seorang menteri kulit hitam dan musisi blues . Ia lahir di Laurens County, SC selatan Spartanburg, di bagian Piedmont negara bagian. Orang tuanya adalah John dan Evelina Davis, yang memiliki delapan anak, enam di antaranya meninggal saat masih bayi. Seorang pacar membunuh satu-satunya saudara laki-laki Davis yang masih hidup pada tahun 1930. Davis mengaku telah dilahirkan buta sebagian oleh bahan kimia yang dimasukkan ke matanya ketika dia berusia beberapa minggu. Davis dibesarkan oleh neneknya, memelihara ayam dan belajar musik sendiri.

Dia mulai memainkan harmonika dan neneknya membantunya membuat gitar dari loyang dan tongkat. Setelah ibunya memberinya gitar asli, Davis berlatih tanpa henti, dan juga belajar memainkan banjo. Eksposur musik pertamanya adalah lagu rohani yang dinyanyikan di gereja, musik tari persegi, dan pawai populer. Pada saat Davis berusia sepuluh tahun, dia bernyanyi di Center Raven Baptist Church di Gray Court, South Carolina, dan bermain gitar, banjo, dan harmonika untuk tarian pedesaan, pesta rumah, dan piknik.

Pada tahun 1940 Davis telah menemukan jalannya ke New York City, di mana dia ditahbiskan menjadi Reverend Missionary Baptist Connection Church. Di sini karir rekamannya dimulai dengan sungguh-sungguh. Dimulai pada akhir 1950-an, ketika musik rakyat menjadi populer di kampus-kampus dan di kedai kopi, Davis “ditemukan” oleh audiens kelas menengah yang sebagian besar berpendidikan. Mereka pada awalnya lebih tertarik pada lick gitar panas dan gaya bernyanyi blues-hollernya daripada pesan religiusnya yang spesifik. Reverend menanggapi audiens yang lebih sekuler ini dengan lagu-lagu temporal seperti “Cocaine” dan “Baby Let Me Follow You Down”; namun juga menampilkan komposisi gospel seperti “Samson and Delilah” dan “Death Don’t Have No Mercy”).

Davis selalu menganggap karyanya pada dasarnya bersifat religius. Ketika siswa melakukan perjalanan ke kota untuk belajar darinya Reverend Davis akan memperluas pelajarannya dengan khotbah, makanan, dan persahabatan. Dia menjadi mentor penting bagi kebangkitan musik rakyat, dan akhirnya tampil di banyak festival, termasuk Festival Rakyat Newport, Festival Rakyat Philadelphia, dan lainnya.

Pada tahun 1960-an Davis diwakili oleh Folkore Productions, dan menerbitkan lagu-lagunya sebagai Chandos Music (ASCAP). Mereka mengelola Reverend Gary Davis Estate. Penerima manfaat utama perkebunan, janda Annie Davis, tinggal selama bertahun-tahun di rumah bata Reverend di Queens, New York. Davis adalah ikon kebangkitan musik rakyat pertengahan abad kedua puluh sebagai salah satu gitaris blues paling inovatif dan berpengaruh pada era musik itu. Warisannya sebagai guru dan pemain dapat didengar dalam karya Bob Dylan, the Grateful Dead dan banyak lagi.

Revend Gary Davis Musisi Jalanan Yang Sangat Terkenal – Revend (Blind) Gary Davis merupakan seorang penyanyi blues, penyanyi folk dan gitaris akustik yang kuat. Urbana: Pers Universitas Illinois, 1986, hlm. 330).

Revend Gary Davis Musisi Jalanan Yang Sangat Terkenal

revgarydavis – Terutama sebagai musisi jalanan, Davis membuat rekaman yang relatif sedikit di awal kariernya, tetapi pemetikan jari virtuosonya merupakan pengaruh penting pada musisi regional lainnya, terutama Blind Boy Fuller, eksponen utama gaya gitar Piedmont pada 1930-an. Pada 1950-an dan 60-an, Davis mengajar — dan mengadakan konser di New York City, menjadi mentor tercinta bagi legenda folk dan rock urban Ramblin’ Jack Elliot, Dave Van Ronk, dan Bob Dylan, untuk beberapa nama.

Baca Juga : Reverend Gary Devisyang lahir di bagian utara menyanyikan ‘Pure Religion and Bad Company’

Tidak seperti beberapa orang sezamannya, Davis bisa bermain di sembarang kunci. Menurut Allen Evans, yang mulai belajar dengan Davis ketika dia berusia enam belas tahun, dia adalah salah satu dari sedikit seniman gitar biru yang mengeksplorasi kunci minor, “menciptakan karya-karya kesedihan yang mendalam seperti ‘Death Don’t Have No Mercy’, ‘Children of Sion’, dan ‘Aku Mendengar Malaikat Bernyanyi’.”

Repertoarnya terdiri dari lagu-lagu Medicine Show, balada putih, pawai militer, instrumental country, piano ragtime yang muncul, gaya gitar blues Piedmont (Carolina) virtuosic, himne gereja tua, pertemuan kebangunan rohani dan lagu-lagu Injil, lagu-lagu populer, komposisi asli berdasarkan semua di atas, dan gaya harmonika kuno jarang terdengar di tempat lain. — Allen Evans , catatan liner untuk The Sun of Our Lives: Gary Davis Recorded 1955–57 (World Arbiter 2005)

Dia menghasilkan gaya polifonik dengan hanya menggunakan ibu jari dan jari telunjuk. Dia memberi tahu muridnya, Stephan Grossman, “Anda punya tiga tangan untuk bermain gitar dan hanya dua untuk piano. Nah, jari telunjuk dan ibu jari Anda — itulah tangan yang mencolok, dan tangan kiri Anda adalah tangan yang memimpin. Tangan kiri Anda tangan memberi tahu tangan kanan senar apa yang harus disentuh, perubahan apa yang harus dibuat. Satu tangan tidak dapat melakukannya tanpa tangan yang lain” (“Wawancara Reverend Gary Davis,” Workshop Gitar Stefan Grossman).

Arsip Alan Lomax berisi manuskrip 300 halaman wawancara Gary Davis, dilakukan pada tahun 1951 oleh istri Lomax Elizabeth Lyttleton Harold ketika Davis dan istrinya Annie hidup dalam kemiskinan dan ketidakjelasan di Harlem. Allan Evans telah mengutip ini dalam catatannya untuk Lifting the Veil: The First Bluesmen – Rev. Gary Davis & Peers (World Arbiter CD, 2007), berisi rekaman sesi Davis yang belum pernah dirilis sebelumnya dan potongan oleh Lead Belly, Big Bill Broonzy, Blind Blake , Charley Patton, dan lain-lain.

Gary Davis lahir pada tanggal 30 April 1896, dari pasangan John dan Evelina Davis di Laurens County, di bagian Piedmont di Carolina Selatan bagian utara, “di sebuah peternakan, jauh di bawah semak-semak,… tiup peluit kereta api kecuali pada hari berawan.” Salah satu dari delapan bersaudara, di antaranya hanya dua yang selamat dari masa kanak-kanak, dia dibesarkan oleh neneknya — karena ibunya tidak bisa merawatnya dan ayahnya selalu dalam masalah.

Ayah saya terbunuh ketika saya masih kecil [berusia 10]. Dia tertembak….Kami mendengar [penekanan pada aslinya] bahwa Sheriff Tinggi menembaknya. Itu yang selalu saya dengar. Saya tidak tahu apakah ada keadilan yang dilakukan olehnya atau tidak. Ibuku menikah lagi…[dan melahirkan adik tirinya].

Dalam wawancara, Davis berbagi ingatannya yang terkadang menakutkan tentang Jim Crow South dan juga kesedihannya atas penolakan awal ibunya terhadapnya:

Saya merasa ngeri tentang hal itu karena saya merasa seperti saya dibuang. Sebenarnya ibuku tidak pernah begitu peduli padaku seperti yang dia lakukan pada adik laki-lakiku. . . Dia berharap aku mati. Dia memberitahu saya bahwa banyak kali. Tentu… Bukan apa yang Anda katakan, melainkan apa yang Anda tunjukkan untuk membuktikannya.

Tentang kebutaannya, Davis menceritakan:

Setahu saya, menurut keterangan nenek saya, saya mengambil sakit mata itu saat berumur tiga minggu. Dan para dokter [sic] menaruh sesuatu [mungkin dari Pameran Obat] di mata saya menyebabkan bisul tumbuh di atas mata saya dan menyebabkan saya menjadi buta. Karena saya adalah seorang pria yang muncul yang tidak melihat, bahwa mungkin jika saya adalah seorang pria yang dapat melihat seperti yang lain … Saya mungkin telah melihat lebih dari yang saya pedulikan. Sekarang apa yang saya coba untuk Anda lihat: banyak orang, Anda tahu, melihat banyak hal, dan matanya menyebabkan mereka kehilangan nyawa. Dan berkali-kali di mana banyak orang digantung di negara-negara rendah [yaitu, Selatan] dan digantung hanya dengan melihat. Terkadang mata seorang pria tidak pernah melakukan apa-apa selain hanya melihat. Melihat? Saya sering memikirkan itu. Nah, mata tubuh dibuat agar terlihat cukup benar,

Tidak seperti banyak musisi tunanetra lainnya, Davis mampu membedakan bentuk dan bisa berkeliling tanpa “pemimpin”. Catatan pekerja kasus untuk ujian Davis’s Blind Pension pada tahun 1937 menyatakan:

Kondisi mata yang terutama bertanggung jawab atas kebutaannya: Buphophtholmus. Kondisi sekunder: ulserasi kornea. Faktor etiologi yang bertanggung jawab untuk kebutaan: glaukoma. Prognosis: “buta putus asa.” — Bastin, hal. 246

Pekerja kasus lain menulis: “Kemampuannya dalam bermain gitar tidak dapat dipercaya. Saya tidak pernah mendengar permainan yang lebih baik” (Bastin, hlm. 250): reaksi terpesona adalah khas dari mereka yang bertemu dengannya.

Davis telah menunjukkan minat pada musik sejak usia dini dan membuat gitar dari loyang sekitar usia tujuh tahun. Dia belajar sendiri bermain gitar, banjo, dan harmonika dan mulai memainkan tarian lokal untuk orang kulit putih saat masih kecil. “Di negara mereka memiliki tarian stomp down tua ini…. Mereka dulu memiliki pemain biola.” Dia pertama kali menemukan apa yang kemudian disebut “blues” sekitar tahun 1910, saat mendengar seseorang memetik gitar. Dalam sebuah wawancara dengan Sam Charters, Davis mengatakan tentang instrumen pilihannya: “Pertama kali saya mendengar gitar, saya pikir itu adalah band kuningan yang datang. Saya masih kecil dan saya bertanya kepada ibu saya apa itu dan dia berkata itu gitar.” Pemain blues pertama yang dia dengar adalah Porter Irving, seorang Carolina Selatan, dan lagunya, “Delia.”

Pada usia 18, Davis melamar dan dengan cepat diberikan beasiswa untuk menghadiri Lembaga Pendidikan untuk Tuna Rungu dan Tunanetra Carolina Selatan di Cedar Springs, Spartanburg, di mana dia belajar membaca Braille. Namun, dia pergi setelah enam bulan, karena dia tidak menyukai makanannya. Pada tahun 1910-an dan 20-an, ia mengamen dan pada awal 1920-an bermain di sebuah band string lokal di Greenville, yang saat itu menjadi pusat gaya blues Piedmont. Pada pertengahan 1920-an Davis menikah dan berkeliling South Carolina, North Carolina, dan Tennessee, tampil di jalanan dan mengajar gitar untuk mencari nafkah. Dia meninggalkan istri pertamanya ketika dia mengetahui bahwa “dia bukan istri saya tetapi istri orang lain.”

Sekitar waktu ini dia mematahkan pergelangan tangan kirinya setelah terpeleset di salju. Pergelangan tangan berada di luar posisi (kiri dari sumbu), menurut beberapa spekulasi, karena kemampuannya memainkan beberapa pola akord yang tidak biasa tidak mungkin dilakukan untuk pergelangan tangan yang normal, meskipun ia kemudian menyangkal telah mengubah permainannya dengan cara apa pun. Dalam wawancara dari Grossman’s Guitar Workshop, Davis mengatakan tangan kanannya patah, tetapi patahan pada tangan kiri akan lebih menjelaskan repertoar harmoniknya.

Dia menetap di Bull City (nama panggilan untuk Durham, Carolina Utara) sekitar tahun 1931. Pada waktu itu musisi tunanetra sering memainkan musik religi, yang lebih dapat diterima publik, di jalanan dan musik sekuler di dalam ruangan dan di pesta-pesta. Gary Davis, bagaimanapun, memiliki kecenderungan yang mendalam untuk musik spiritual. Pertobatan agama memberinya, bahkan lebih daripada kebanyakan orang kulit hitam, dengan “lantai untuk keputusasaannya” (dalam rumusan James Baldwin), tetapi juga sarana untuk penegasan diri. Willie Trice, yang telah mengenalnya sebagai musisi jalanan di Durham mengenang bahwa “Lagu-lagu yang dia mainkan kebanyakan adalah lagu-lagu rohani. Dia bisa memainkan yang lain tetapi dia tidak sering melakukannya.” Trice juga ingat bahwa Davis bisa bermain piano. “Memainkan lagu yang sama dengan yang dia mainkan di gitar. Kedengarannya persis seperti itu.

Aaron Washington, sesama musisi, ingat Davis bertanya apakah dia memainkan lagu-lagu rohani. “Saya mengatakan kepadanya tidak. Dia mengatakan kepada saya bahwa mungkin ada baiknya jika saya bermain spiritual karena saya akan mendapatkan kesenangan yang sama darinya. Beberapa kata ini mengikuti saya sepanjang waktu, dan saya memutuskan untuk mencobanya” (Bastin, hal. 242). Namun, Davis tidak sepenuhnya meninggalkan musik sekuler, sampai penahbisannya sebagai Reverend pada tahun 1937.

Pada tahun 1935 penjaga toko dan pencari bakat JB Long, manajer Blind Boy Fuller, antara lain, “menemukan” Gary Davis. “Oh, [Gary] bisa bermain gitar naik turun, dengan cara apa pun di dunia ini,” kenangnya kemudian (Bastin, hlm. 220). Davis dan Fuller termasuk di antara sekelompok musisi Durham yang dikawal Long ke New York City untuk merekam untuk ARC, anak perusahaan musik “ras” dari Columbia Records. Antara 23 Juli dan 26 Juli Davis merekam 15 sisi (1 tidak diterbitkan): sepuluh lagu Kristen, dan dua set blues, “I’m Throwin’ Up My Hand” dan “Cross and Evil Woman Blues” (yang secara teratur disebut Davis, masing-masing , “Mountain Jack Blues” dan “Ice Pick Blues”). Fuller melakukan “The Stuff Is Here,” “The Little Red Rooster,” dan “Tentu Saat Anda Lahir, Ida.” George “

Berbeda dengan pemain lain, bagaimanapun, Davis tidak terbiasa dengan bisnis rekaman. Dia tidak bisa melihat lampu merah yang menandakan saat disk selesai dan ingin terus bermain. Dia juga memiliki kesadaran yang sehat tentang kemampuannya sendiri dan kesal karena dibayar lebih rendah dari pemain lain, yang menerima lebih banyak dari ARC karena mereka telah merekam sebelumnya. Sepanjang hidupnya dia percaya telah ditipu dan dia menolak ketika Long mencoba membuatnya merekam lagi pada tahun 1939. “Ada perbedaan antara saya dan ‘pria’ [Long],” dia kemudian menjelaskan. Bruce Bastin berspekulasi bahwa alasan yang mendasari pertengkaran mereka kemungkinan adalah keengganan Davis untuk merekam lagu-lagu sekuler. Menurut Trice, “Tuan Long tidak menganggapnya karena…Gary ingin bermain spiritual. Tuan Long mengatakan Gary agak keras kepala…

Pada tahun 1937 Davis menikahi Annie Bell Wright, seorang wanita yang sangat spiritual seperti dirinya, dan dia merawatnya dengan penuh pengabdian sampai kematiannya. Pada tahun 1940, ketika musik blues menjadi kurang populer di Durham, mereka pindah ke Mamaroneck, New York, tempat Annie mendapatkan pekerjaan sebagai pembantu rumah tangga. Kemudian pada tahun yang sama mereka pindah ke 169th Street di Harlem, di mana mereka tinggal selama 18 tahun berikutnya dan di mana dia menjadi Reverend di Missionary Baptist Connection Church. Dia terus mengamen dan berkhotbah di New York, memperoleh sebutan “Penyanyi Jalanan Harlem.” Untuk sementara waktu dia berhenti memainkan musik blues sama sekali dan mendukung lagu-lagu gospel dan lagu-lagu lama, membuat pengecualian untuk “gospel blues” seperti “Death Don’t Have No Mercy,” yang pertama kali direkamnya pada tahun 1960 (dia umumnya dikreditkan dengan menulisnya, meskipun versi lain sudah ada sejak tahun 1926) dan, untuk yang pertama dari beberapa kali pada tahun 1956, “Samson and Delilah,” sebuah lagu yang direkam pada tahun 1927 oleh Blind Willie Johnson, juga disebut “Jika Saya Memiliki Jalan Saya, Saya Akan Merobek the Building Down,” menggunakan satu atau judul lain setiap kali. Dia juga mengajar gitar — memberikan pelajaran yang bisa berlangsung sepanjang hari dan sampai malam. Saat ia menjadi lebih dikenal di kalangan penggemar rakyat ia membuat rekaman untuk Stinson, dan kemudian Folkways, Prestige-Bluesville, dan Riverside, menyetujui sedikit demi sedikit untuk menghidupkan kembali beberapa repertoar sekulernya untuk kepentingan pengagum kulit putihnya. menggunakan satu atau judul lain setiap kali. Dia juga mengajar gitar — memberikan pelajaran yang bisa berlangsung sepanjang hari dan sampai malam. Saat ia menjadi lebih dikenal di kalangan penggemar rakyat ia membuat rekaman untuk Stinson, dan kemudian Folkways, Prestige-Bluesville, dan Riverside, menyetujui sedikit demi sedikit untuk menghidupkan kembali beberapa repertoar sekulernya untuk kepentingan pengagum kulit putihnya. menggunakan satu atau judul lain setiap kali. Dia juga mengajar gitar — memberikan pelajaran yang bisa berlangsung sepanjang hari dan sampai malam. Saat ia menjadi lebih dikenal di kalangan penggemar rakyat ia membuat rekaman untuk Stinson, dan kemudian Folkways, Prestige-Bluesville, dan Riverside, menyetujui sedikit demi sedikit untuk menghidupkan kembali beberapa repertoar sekulernya untuk kepentingan pengagum kulit putihnya.

Di antara pemain gitar kebangkitan rakyat tahun 1950-an dan awal 60-an gaya memetik jari Reverend Gary Davis adalah legendaris. Salah satu yang pertama mengadopsinya adalah Ramblin ‘Jack Elliott, yang sampul “Candyman” adalah pokok dari repertoarnya. Dave Van Ronk belajar dengan Davis dan juga mengcover banyak lagunya. Calon gitaris folk dan pemain blues lainnya berkerumun untuk mengambil pelajaran darinya. Bob Dylan, yang mengcover “Candyman” dan beberapa lagu Davis lainnya dan dekat dengan Elliott dan Van Ronk, akan memiliki kesempatan untuk bertemu Davis di Indian Neck Folk Festival pada tanggal 6 Mei 1961. Pada tahun 1961 Dylan memberi tahu Robert Shelton dan Suze Rotolo bahwa dia ingin Reverend Davis meresmikan pernikahannya dan Suze. Pertunjukan Grateful Dead dari “Samson and Delilah” mengungkapkan ‘Davis’ pengaruhnya pada nada dan irama vokal Bob Weir, yang belajar dengannya; dan daftar berlanjut dengan Stefan Grossman, Taj Mahal, Gerry Garcia, Dave Bromberg, Ry Cooder, dan Jorma Kaukonen.

Davis melakukan tur Eropa dan bermain di berbagai festival rakyat termasuk Cambridge dan Festival Rakyat Newport (1959, 1965, dan 1968). Di Newport dan rekaman oleh Peter, Paul, dan Mary dari “Samson and Delilah” karir Davis memuncak.

Pada tahun 1968 Davis membeli sebuah rumah di Jamaika, Queens. Dia terus tampil secara lokal di wilayah New York dan New Jersey. Pada tanggal 5 Mei 1972, ia mengalami serangan jantung saat dalam perjalanan ke pertunjukan di Newtonville, New Jersey. Dia meninggal di Rumah Sakit Memorial William Kessler di Hammonton, New Jersey dan dimakamkan di Pemakaman Rockville di Lynbrook, New York.

Jandanya Annie selamat dari suaminya selama dua puluh lima tahun, hidup lebih lama dari ketiga anaknya yang sudah dewasa dari pernikahan sebelumnya. Dia menerima asrama, tetap aktif di gereja, dan tetap berhubungan dengan mantan murid Davis. Allen Evans ingat bahwa terkadang teleponnya berdering:

“Allen, bisakah kamu datang pada hari Minggu kedua bulan depan? Aku ada acara di gereja dan ingin kamu ikut jadi bawalah gitar dan lakukan beberapa lagu B[rother] Davis.” Satu diharapkan pada pukul 10 tepat untuk layanan yang berakhir dua belas jam kemudian. Annie dan rekan-rekan jemaahnya menyewa gereja-gereja di etalase di Queens, Brooklyn, dan Bronx dengan kursi lipat, piano tegak yang tidak selaras, kadang-kadang organ, dan dapur yang lapang di belakang, karena banyak wanita datang dengan nampan rumah yang berlimpah. -kalkun panggang yang dimasak dengan isian, sayuran, makaroni dan keju, pai yang menggiurkan, puding dan kue yang sangat beku yang menopang umat beriman sepanjang hari untuk memuji dan merayakan Tuhan. Awalnya saya merasa canggung sebagai orang yang tidak percaya, dengan takut-takut menghadap orang saleh untuk memainkan dan menyanyikan musik Davis, tetapi pada waktunya saya mulai menghargai iman mereka sebagai tindakan kebaikan bagi orang lain, dibedakan dengan tidak adanya nasihat dakwah, moralitas, atau penghakiman; itu muncul ketika keluarga dan teman bersatu untuk memperkuat diri mereka sendiri untuk mengatasi kesulitan hidup, keberadaan harmoni dan spiritualitas yang paling menarik yang dapat ditemui seseorang dalam agama apa pun. —The Sun of Our Lives: Gary Davis Direkam 1955-57

Ketika Annie Davis mencapai 101, diabetes mengharuskan kakinya diamputasi, dan dia pindah ke apartemen untuk orang tua. Dia meninggal dua tahun kemudian pada tahun 1997, pada usia 103.

Reverend Gary Devisyang lahir di bagian utara menyanyikan ‘Pure Religion and Bad Company’ – Pada malam 29 Januari 2003, band rock klasik Jefferson Airplane dan mantan gitaris Hot Tuna Jorma Kaukonen naik ke atas panggung di setang di Stone Avenue di Greenville. Sebelum memulai pertunjukan malam dari musik folk dan blues akustik tradisional, Kaukonen menyebutkan menghabiskan sebagian hari di pedalaman mencari tempat kelahiran Pendeta Gary Davis.

Reverend Gary Devisyang lahir di bagian utara menyanyikan ‘Pure Religion and Bad Company’

revgarydavis – Kaukonen, bersama dengan banyak artis lainnya, menganggap Davis, lahir 30 April 1896 di Lawrence, Carolina Selatan, sebagai sosok yang sangat berpengaruh dalam musik blues. Sejak kecil, Davis telah mengembangkan gaya fingerpicking ultra-cepat pada gitarnya dengan menggunakan ibu jari dan telunjuknya untuk mengambil melodi berlapis dan kompleks.

Pada lagu-lagu seperti “Death Don’t Have No Mercy,” “Samson and Delilah” (juga dikenal sebagai “If I Had My Way”), dan “Cross and Evil Woman Blues,” Davis memutar ritme dan vokal gitar akustik yang mengejutkan. yang bisa naik dari sumur siksaan terdalam ke seruan Injil yang menggembirakan dengan mudah.

Dengan gaya spiritual namun primal, Davis tampaknya memiliki blues di tulang dan keselamatan di pikirannya. Tetapi fakta bahwa salah satu pertunjukan publik pertamanya adalah di sebuah gereja Baptis di Gray Court, Carolina Selatan, adalah pertanda ke mana dia akan pergi. Pada tahun 1937, Davis sebagian besar meninggalkan musik blues dan berkonsentrasi pada musik gospel ketika ia menjadi pendeta Baptis yang ditahbiskan.

Baca Juga : Biografi Scrapper Blackwell, Penyanyi Blues Asal Amerika 

Davis merilis serangkaian kecil album di akhir 1950-an dan awal 1960-an seperti “Agama Murni dan Perusahaan Buruk” dan “Say No to the Devil,” tapi dia mungkin tetap menjadi catatan kaki sejarah jika bukan karena kebangkitan folk dan blues. musik yang melanda negara itu pada awal 1960-an.

Lagu-lagunya di-cover oleh artis populer seperti Peter, Paul and Mary (“If I Had My Way”), Bob Dylan (“Baby, Let Me Follow You Down”) dan The Rolling Stones (“You Gotta Move”), dan Davis kembali ke blues untuk pujian besar. Dan dia benar-benar memberikan pelajaran kepada banyak gitaris yang akan membentuk musik folk dan rock modern, termasuk David Bromberg, Ry Cooder, Janis Ian dan Bob Weir dari The Grateful Dead.

Tetapi kegembiraan yang menyedihkan dalam suara Davis dan suara gitar berlapisnya menyebar jauh melampaui musisi yang sebenarnya dia ajar. Jackson Browne, Nick Drake, Janis Joplin, dan Taj Mahal hanyalah beberapa artis yang menyukai musik Davis dan menggabungkan suaranya ke dalam musik mereka sendiri.

Dan pengaruhnya hanya berkembang pada tahun-tahun setelah kematiannya. Faktanya, sebagian besar rekaman yang dirilis dengan nama Rev. Gary Davis keluar setelah dia meninggal karena serangan jantung di Hammonton, New Jersey, pada tahun 1972.

Album seperti “Blues and Ragtime” (dirilis pada tahun 1993) dan ” A Little More Faith” (diterbitkan kembali pada tahun 1999) membawa musik Davis ke generasi baru pemain blues, folk dan gospel, termasuk Patty Griffin, yang memasukkan versi “If I Had My Way” yang parau dan bersemangat di album gospel 2010 miliknya, “Gereja Pusat Kota.”

Meskipun dia mungkin tidak begitu terkenal seperti BB King, Howlin’ Wolf atau Leadbelly, Pendeta Gary Davis adalah legenda musik blues, folk dan gospel yang dihormati, seorang pria dari sini di Upstate yang membentuk generasi gitaris dan penyanyi.

Pada 1940-an, Davis berkhotbah dan bermain di sudut-sudut jalan di Harlem. Selama hidupnya, Davis merekam untuk label rekaman ternama seperti Folkways dan Riverside.

Pada tahun 1965, Davis mencapai puncak popularitasnya ketika ia tampil di Festival Rakyat Newport yang bergengsi di Newport, Rhode Island

Pada tahun 2003, Pendeta Gary Davis menerima Anumerta Lifetime Achievement Award dari Folk Alliance International, salah satu konferensi musik terbesar di Amerika.

Biografi Scrapper Blackwell, Penyanyi Blues Asal Amerika – Francis Hillman “Scrapper” Blackwell lahir pada 21 Februari 1903 dan meninggal pada 7 Oktober 1962 ia merupakan seorang penyanyi dan juga gitaris blues Amerika , paling dikenal sebagai separuh dari duo gitar-piano yang ia bentuk dengan Leroy Carr pada akhir 1920-an dan awal 1930-an. Dia adalah seorang pemetik nada tunggal akustik dalam gaya blues Chicago dan blues Piedmont . Beberapa kritikus telah mencatat bahwa ia membelok ke arah jazz .

Biografi Scrapper Blackwell, Penyanyi Blues Asal Amerika

Biografi

revgarydavis – Blackwell lahir di Syracuse, Carolina Selatan , salah satu dari enam belas bersaudara dari Payton dan Elizabeth Blackwell. Dia diidentifikasi sebagai keturunan Cherokee. Ia dibesarkan dan menghabiskan sebagian besar hidupnya di Indianapolis , Indiana , di mana ia pertama kali pindah ke pada usia tiga tahun. Ia diberi julukan “Scrapper” oleh neneknya, karena sifatnya yang berapi-api.  Ayahnya bermain biola , tetapi Blackwell adalah gitaris otodidak, membuat gitar pertamanya dari kotak cerutu, kayu dan kawat.

Baca Juga : 7 Penyanyi Blues Wanita Yang Harus Kamu Ketahui 

Dia juga belajar bermain piano, sesekali tampil secara profesional. Pada masa remajanya, Blackwell adalah musisi paruh waktu, bepergian sejauh Chicago. Ia dikenal pendiam dan sulit diajak bekerja sama, tetapi ia menjalin hubungan baik dengan pianis Leroy Carr , yang ia temui di Indianapolis pada pertengahan 1920-an, dan mereka memiliki hubungan kerja yang produktif. Carr meyakinkan Blackwell untuk merekam dengannya untuk Vocalion Records pada tahun 1928; hasilnya adalah ” How Long, How Long Blues “, hit blues terbesar tahun itu.

Blackwell juga membuat rekaman solo untuk Vocalion, termasuk “Kokomo Blues”, yang diubah menjadi “Old Kokomo Blues” oleh Kokomo Arnold dan kemudian dikerjakan ulang sebagai ” Sweet Home Chicago ” oleh Robert Johnson . Blackwell dan Carr melakukan tur di seluruh Midwest Amerika dan Selatan antara tahun 1928 dan 1935 sebagai bintang dari sirkuit blues, merekam lebih dari 100 sisi. “Prison Bound Blues” (1928), “Mean Mistreater Mama” (1934), dan “Blues Before Sunrise” (1934) adalah lagu populer.

Blackwell melakukan beberapa kunjungan tunggal. Kunjungan tahun 1931 ke Richmond, Indiana , untuk merekam di studio Gennett patut diperhatikan. Blackwell tidak puas dengan kurangnya penghargaan yang diberikan kontribusinya dengan Carr; situasi itu diatasi oleh Mayo Williams dari Vocalion setelah pemisahannya pada tahun 1931: di semua rekaman mendatang, Blackwell dan Carr menerima kredit penulisan lagu yang sama dan status yang sama dalam kontrak rekaman. Sesi rekaman terakhir Blackwell dengan Carr adalah pada Februari 1935, untuk Bluebird Records .

Sesi berakhir dengan pahit, karena kedua musisi meninggalkan studio di tengah sesi dan dalam kondisi yang buruk, yang berasal dari perselisihan pembayaran. Dua bulan kemudian Blackwell menerima telepon yang memberitahunya tentang kematian Carr karena mabuk berat dannefritis . Blackwell segera merekam penghormatan kepada mitra musiknya selama tujuh tahun (“My Old Pal Blues”). Setelah kematian Carr, Blackwell melakukan beberapa rekaman dengan pemain piano Dot Rice, tanpa banyak keberhasilan; lagu “No Good Woman Blues” menunjukkan Blackwell sebagai penyanyinya. Tidak lama kemudian Blackwell pensiun dari industri musik.

Blackwell kembali ke musik pada akhir 1950-an. Dia direkam oleh Colin C. Pomroy pada Juni 1958 (rekaman itu dirilis pada 1967 di label Collector). Segera setelah itu dia direkam oleh Duncan P. Schiedt untuk 77 Records milik Doug Dobell . Blackwell kemudian direkam pada tahun 1961, di Indianapolis, oleh Art Rosenbaum muda untuk label Prestige / Bluesville Records . Kisah itu diceritakan kembali oleh Rosenbaum sebagai permulaan tiga tahun sebelum rekaman dibuat.

Ketika dia tumbuh di Indianapolis, Rosenbaum mengenal seorang wanita Afrika-Amerika yang mengatakan bahwa dia “harus bertemu dengan seorang pria yang dia kenal, yang memainkan lagu-lagu blues dan kristen, bermain gitar, mereka akan membuat bulu kuduk berdiri. dari lehermu.” Rosenbaum kemudian bertemu Blackwell: “Saya bertemu pria di seberang jalan dari rumah sakit Methodist di Indianapolis”. Teman Blackwell berkata, “Yah, dia tidak punya gitar”, jadi Rosenbaum berkata, “Yah, aku punya gitar.”

Blackwell kemudian mengatakan bahwa dia membutuhkan beberapa “Rosenbaum tidak mengerti apa yang dia maksud, jadi Blackwell menjelaskan, “Anda harus mendapatkan makanan burung untuk burung itu, sebelum burung itu bernyanyi bir!” Rosenbaum berkata, “Saya terlalu muda!” Blackwell melanjutkan , “kami akan membeli bir, Anda hanya memberi kami sejumlah uang.” Rosenbaum mengenang, “Jadi kami melakukannya, dan dia mulai memainkan musik blues yang indah ini. Saya tidak menyadari dia adalah Scrapper Blackwell sampai saya menyebutkan namanya ke teman pengumpul musik blues”, ketika teman itu berseru, “Anda bertemu Scrapper Blackwell!?”

Blackwell siap untuk melanjutkan karir bluesnya, ketika dia ditembak dan dibunuh dalam perampokan di gang Indianapolis, pada Oktober 1962 pada usia 59. Polisi menangkap tetangganya pada saat pembunuhan, tetapi kejahatannya tetap tidak terpecahkan. Blackwell dimakamkan di New Crown Cemetery, di Indianapolis.

7 Penyanyi Blues Wanita Yang Harus Kamu Ketahui – Jika Anda menganggap diri Anda seorang jiwa tua, ini adalah daftar penyanyi blues yang harus Anda ketahui. Blues adalah nama yang diberikan untuk genre musik dan bentuk musik yang berasal dari komunitas Afrika-Amerika di Selatan sekitar akhir abad ke-19.

7 Penyanyi Blues Wanita Yang Harus Kamu Ketahui

revgarydavis – Ketika saya menulis artikel tentang penyanyi blues yang harus Anda ketahui, saya menemukan bahwa istilah “blues” mengacu pada “setan biru”, yang berarti melankolis dan kesedihan. Saya selalu merasa bahwa genre musik ini benar-benar menangkap perjalanan dari kesedihan ke harapan dalam pengalaman manusia.

Baca Juga : Mengenal Biografi dan Gaya Musik Reverend Gary Davis 

1. Bessie Smith

Daftar penyanyi blues pertama yang harus Anda ketahui adalah Bessie Smith. Dia dikenal sebagai “The Empress of the Blues” dan merupakan penyanyi blues wanita paling populer tahun 1920-an dan 1930-an. Columbia Records memulai seri “catatan balapan” dan mengontrak Bessie pada tahun 1923. Albumnya, “Cemetery Blues,” adalah yang pertama diterbitkan. Satu fakta keren tentang Bessie adalah bahwa makamnya dibiarkan tanpa tanda sampai tahun 1970, ketika Janis Joplin membayar untuk menyelesaikannya. Sebuah lagu kemudian ditulis untuk Janis tentang ini yang disebut “Batu untuk Bessie Smith.”

2. Billie Holiday

Dia dilahirkan sebagai Eleanora Fagan pada tahun 1915 dalam kehidupan yang sangat bermasalah. Ibunya pulang ke rumah suatu malam untuk menemukan tetangga memperkosa Billie Holiday muda. Pria itu ditangkap dan dia ditempatkan dalam tahanan pelindung sampai dia berusia 12 tahun. Selama waktu inilah dia menemukan musik Bessie Smith dan mulai menyukai musik. Ketika dia berusia 14 tahun, dia dan ibunya pindah ke Harlem dan bekerja sebagai pelacur $5. Sungguh masa kecil! Selama di Harlem, Billie mulai bergaul di klub jazz dan mulai bernyanyi. Dia kemudian menjadi pelopor jazz dan telah dicatat telah “mengubah seni vokal pop Amerika selamanya.”

3. Bonnie Raitt

Saya dibesarkan dengan daftar Bonnie Raitt. Aku menyukai suaranya yang serak dan rambut merah cerahnya. Bonnie terdaftar sebagai #50 dalam daftar 100 Penyanyi Terbesar Sepanjang Masa versi majalah Rolling Stone. Dia menghadiri Radcliffe College pada tahun 1967, di mana dia belajar Hubungan Sosial & Studi Afrika. Selama tahun keduanya dia mengambil cuti satu semester dan pindah ke Philadelphia dengan seorang bluesman tua bernama Dick Waterman dan mengatakan bahwa itu adalah “peluang yang mengubah segalanya.”

4. Big Mama Thornton

Saya sangat menyukai Big Mama Thornton. Ia dilahirkan sebagai Willie Mae Thornton pada tahun 1926 di Ariton, Alabama. Karirnya mulai menanjak pada tahun 1952 ketika dia menandatangani kontrak rekaman dengan Peacock Records. Ini adalah tahun dia merekam lagu Hound Dog, yang terjual hampir 2 juta kopi. Tiga tahun kemudian, seorang pria keren bernama Elvis merekam ulang lagu tersebut dan ini biasanya versi yang dipikirkan orang saat ini. Dia dilantik ke dalam Blues Hall of Fame pada tahun 1984.

5. Janis Joplin

Wanita Texas ini membawa blues ke dalam semua yang dia nyanyikan. Janis tumbuh dengan mendengarkan Bessie Smith dan Ma Rainey, dan memuji mereka dengan keputusannya untuk menjadi seorang penyanyi. Dan betapa Janis menjadi penyanyi! Rolling Stone menempatkan Janis #46 dalam daftar 100 Artis Terhebat Sepanjang Masa, dan #28 dalam 100 Penyanyi Terbesar Sepanjang Masa.

6. Ma Rainey

Ma Rainey tercatat sebagai “The Mother of The Blues,” dan dengan alasan yang bagus. Ia lahir pada tahun 1886 dan merupakan bagian dari generasi pertama yang merekam dalam genre blues. Pada tahun 1923 Ma Rainey bertemu Bessie Smith dan menandatangani kontrak dengan Paramount Records, di mana dia membuat lebih dari 100 lagu dalam waktu 5 tahun. Ma Rainey dilantik ke dalam Rock and Roll Hall of Fame pada tahun 1990. Saya suka suaranya, bukan?

Baca Juga : 10 Musisi Jazz Terbaik Sepanjang Masa

7. Dinah Washington

Dinah Washington disebut-sebut sebagai “artis rekaman wanita kulit hitam paling populer tahun 50-an.” Satu fakta keren tentang Dinah adalah dia memberi dirinya gelar “Queen of the Blues.” Saya kira tidak ada yang menantangnya untuk gelar karena dia masih dikenal sebagai Ratu hari ini. Pada usia 15 dia mulai tampil di klub. Untuk sementara dia tampil di sebuah klub bernama Garrick, di mana dia bernyanyi di lantai atas dan Billie Holiday bernyanyi di lantai bawah. Saya suka bagaimana semua wanita ini terhubung!

Saya menyadari bahwa blues tidak sepopuler hari ini seperti generasi sebelumnya, tetapi saya masih menyukainya. Ada penyanyi blues wanita modern yang saya sukai juga, seperti Joss Stone dan Norah Jones, meskipun beberapa pecinta musik akan membantah gagasan itu. Saya percaya bahwa blues adalah sesuatu yang diekspresikan dari jiwa dan benar-benar dapat menyeberang ke genre apa pun. Bagaimana menurut Anda, wanita?

Mengenal Biografi dan Gaya Musik Reverend Gary Davis – Reverend Gary Davis, juga dikenal sebagai Blind Gary Davis (30 April 1896 – 5 Mei 1972), adalah seorang penyanyi blues dan gospel , serta gitaris terkenal. Contoh paling terkenal dari “gospel blues”, permainannya memengaruhi beberapa legenda rock and roll tahun 1960-an.

Mengenal Biografi dan Gaya Musik Reverend Gary Davis

revgarydavis – Lahir di pedesaan Carolina Selatan , Davis hampir buta total sejak bayi. Dia belajar gitar sendiri pada usia dini dan segera menjadi pemain aktif di kancah blues Piedmont. Dia ditahbiskan sebagai pendeta Baptis pada tahun 1933, dan pertama kali direkam untuk American Record Company (ARC) pada tahun 1935.

Baca Juga : Rev Gary Davis Bluesman Yang Pantas Mendapatkan Penghargaan Gitaris Terhebat

Davis pindah bersama istrinya, Annie Bell, ke New York pada tahun 1940, di mana dia melanjutkan mengajar gitar, menyanyi, bekerja sebagai menteri, dan, mulai tahun 1945, pencatatan secara cukup teratur. Karirnya mencapai tingkat kesuksesan baru selama kebangkitan rakyat tahun 1960-an, dan lagunya, “If I Had My Way,” ditampilkan di album debut Peter, Paul, dan Mary yang menduduki puncak tangga lagu.

Lokasi Davis di New York City menempatkan dia dalam posisi untuk mengajar sejumlah musisi muda yang kemudian membuat tanda besar di kancah musik folk dan rock. Gaya memetik jarinya yang unik dan virtuoso berpengaruh pada banyak seniman berikutnya, dan murid-muridnya termasuk Jorma Kaukonen, Stefan Grossman, Dave Van Ronk, dan Bob Weir.

Dia juga memiliki pengaruh yang signifikan pada artis seperti Grateful Dead , Hot Tuna, Bob Dylan , Keb Mo, dan Resurrection Band. Beberapa muridnya mengaku telah menguasai gayanya, yang sangat kompleks, kreatif, dan sulit untuk ditiru. Sebagai seorang penyanyi dan pengkhotbah, Davis meninggalkan warisan ratusan lagu rohani dan gospel, sementara reputasinya sebagai seorang jenius gitar telah memperkenalkan jutaan penggemar musik folk muda pada musik gospel.

Biografi

Lahir di Laurens, Carolina Selatan , dari pasangan John dan Evelina Davis. Davis melaporkan sebagai orang dewasa bahwa kebutaannya diakibatkan oleh penggunaan bahan kimia yang salah ke matanya setelah lahir. Pada usia tiga minggu dia hampir sepenuhnya kehilangan kemampuan untuk melihat. Namun, dia mampu membedakan cahaya dari kegelapan dan membedakan bentuk sampai tingkat tertentu, tetapi tidak mengenali orang hanya dengan matanya. Salah satu dari delapan anak, ia dibesarkan di sebuah peternakan di bagian Piedmont Carolina Selatan, rumah dari gaya bermain blues tertentu juga disebut “Piedmont.” Neneknya adalah pengasuh utamanya.

Gary menjadi tertarik pada musik saat masih kecil. Pada usia tujuh tahun, dia dilaporkan membuat gitar dari loyang dan belajar sendiri untuk bermain. Dia mengklaim bahwa tidak ada yang mengajarinya bermain dan bahwa dia “menyelesaikannya sendiri.” Di masa remajanya, Davis bermain di tarian lokal dan piknik, baik untuk penonton kulit putih dan kulit hitam, dan juga bernyanyi di gereja. Pada 1920-an, ia bersekolah di Cedar Springs School for Blind People di Spartanburg, South Carolina dan belajar membaca Braille . Dia juga bermain di band string lokal di sana.

Sekitar waktu ini, pergelangan tangan kiri Davis patah karena terjatuh saat terpeleset. Pergelangan tangan tidak dipasang dengan benar, dan tidak sembuh dengan benar. Beberapa pengamat percaya kondisi ini mungkin menjelaskan pola akord yang tidak biasa dan cara memegang leher gitarnya. Bagaimanapun, untuk Davis, gitar mengambil gaya multi-suara yang unik, memainkan tidak hanya nada ragtime dan blues, tetapi juga nada tradisional dan orisinal menggunakan harmoni akord dan counterpoint dengan gaya gitar finger-picking yang unik.

Davis menikah pada pertengahan 1920-an dan bepergian ke seluruh Carolina dan Tennessee bermain dan mengajar gitar untuk mencari nafkah. Pada 1927, ia telah menetap di Durham, Carolina Utara . Selama di sana, Davis berkolaborasi dengan sejumlah artis lain di kancah blues Piedmont, termasuk Blind Boy Fuller dan Bull City Red. Dia juga menjadi lebih serius tentang agama , menerima penahbisannya sebagai pendeta di gereja Baptis pada tahun 1933. Dia secara pribadi mendirikan tiga gereja di daerah Durham selama waktu ini, tetapi berpisah dari istrinya setelah mengetahui dugaan pergaulan bebas.

Pada tahun 1935, seorang manajer toko bernama JB Long memperkenalkan Davis ke American Record Company (ARC). Sesi rekaman berikutnya menandai awal karir Davis yang lebih besar. Untuk ARC itulah Davis melakukan perjalanan pertamanya ke New York City . Di sana, ia merekam 15 sisi pada musim panas 1935. Meskipun ia merekam beberapa lagu blues sekuler, Davis sudah menyatakan preferensi untuk musik gospel dan spiritual, meskipun musiknya selalu menunjukkan pengaruh blues yang pasti. Davis tidak akan merekam lagi sampai 1945.

New York dan karier selanjutnya

Pada tahun 1937, Davis menikah dengan Annie Bell Wright. Ketika adegan blues di Durham mulai menurun, pasangan itu bermigrasi ke Mamaroneck, New York , dan segera pindah ke 169th Street di Harlem. Davis menjadi pendeta di Missionary Baptist Connection Church di Harlem.

Dia mulai merekam sekali lagi pada tahun 1945, tetapi tidak lagi menyanyikan lagu-lagu blues sama sekali, mengingat blues sebagai ” musik Iblis “. Namun, ia terus tampil dalam tradisi “gospel blues”, dan banyak lagunya tidak secara khusus religius, seperti “Death Don’t Have No Mercy” dan “Motherless Children.” Ia juga menampilkan keterampilan gitarnya di berbagai nada instrumental dengan cita rasa ragtime .

Kebangkitan musik folk tahun 1960-an mendorong karir Davis secara signifikan, meskipun tidak seperti banyak pemain blues awal lainnya, ia terus merekam selama akhir 40-an dan 50-an. Gaya gitarnya yang unik menemukan banyak peminat yang antusias, seperti David Van Ronk, Taj Mahal , Ry Cooder, Jorma Kaukonen, dan Stefan Grossman. Versi cover Peter, Paul, dan Mary dari lagunya “Samson & Delilah”—juga dikenal sebagai “If I Had My Way”—lebih lanjut membantu karir rekamannya. Davis menjadi fitur reguler di festival rakyat besar tahun 1960 – an dan pemain populer di tempat – tempat rakyat besar dari New York City ke Los Angeles . Dia juga melakukan tur Eropa selama waktu ini.

Pada akhir 1960-an, Davis yang sudah tua menetap di Jamacia, Queens, New York dan mulai menjalani kehidupan yang lebih pensiun, tampil secara lokal di New York dan New Jersey tetapi tidak lagi melakukan tur. Dia menderita serangan jantung saat dalam perjalanan ke pertunjukan di New Jersey pada 5 Mei 1972, dan segera meninggal. Ia dimakamkan di Pemakaman Rockville di Lynbrook, New York.

Gaya musik

Sementara banyak pemain blues juga tampil dalam tradisi gospel, Gary Davis menjadikan gospel blues sebagai seni spesialnya. Nyanyiannya, yang sering diabaikan karena kejeniusannya sebagai seorang gitaris, mewakili ekspresi paling sejati dari jiwanya sebagai seorang pemain, dengan gitarnya memberikan tandingan yang berirama dan melodi. Dia memiliki rentang emosi yang luar biasa dalam penyampaiannya, bergerak dari jeritan dan teriakan menjadi bisikan dan permohonan. Nyanyiannya berkisar dari sukacita keselamatan yang pasti hingga dukacita seorang anak tanpa ibunya, hingga peringatan nubuatan tentang Tuhan yang “mengaburkan air” di hari penghakiman yang akan datang.

Davis adalah penyanyi yang kuat dan multidimensi, dan permainan gitarnya menandai dia sebagai seorang jenius instrumental. Sementara beberapa pemain lain berusaha meniru pola piano ragtime pada gitar, tidak ada yang berhasil lebih baik dari Davis. Gaya memetik jarinya tidak mengikuti pola normal dari garis bass yang bergantian atau akord yang dibasahi yang dimainkan dengan ibu jari sementara jari memainkan pola melodi yang disederhanakan. Sebaliknya, Davis menggunakan kombinasi kompleks dari pemilihan silang, akord yang tidak biasainversi, dan tandingan untuk menciptakan gaya yang sepenuhnya miliknya.

Jarang diduplikasi secara efektif, terutama dalam kombinasi dengan nyanyian yang kuat seperti miliknya. Prestasinya sebagai gitaris semakin mengesankan mengingat fakta bahwa gayanya mengharuskannya sering bergerak naik turun leher gitarnya tanpa menggunakan indera penglihatan. Yang paling berkesan, meskipun secara teknis tidak terlalu sulit, adalah banyaknya dialog menawan yang dia lakukan dengan gitarnya, mengajukan pertanyaan, meminta agar gitar itu terulang, menyuruhnya untuk tidak menangis, atau menciptakan efek khusus seperti harmonik , tamparan, ketukan, bermain dengan tangan kirinya saja, dan menirukan suara snare drum.

Warisan

Pendeta Gary Davis membuat ratusan rekaman dan meninggalkan warisan penting bagi para gitaris. Tidak ada siswa gitar rock atau blues yang serius yang gagal untuk terkesan oleh kejeniusannya sebagai seorang instrumentalis, dan mereka yang berusaha untuk menguasai gayanya selalu ditantang oleh pencapaian teknisnya. “Dia adalah gitaris paling fantastis yang pernah saya lihat,” kata Dave Van Ronk, yang pada gilirannya memberikan pengaruh besar pada permainan gitar Bob Dylan . Bob Weir mengatakan bahwa Davis “mengajari saya, melalui contoh, untuk sepenuhnya membuang prasangka saya tentang apa yang bisa atau tidak bisa dilakukan pada gitar.”

Namun, yang sering diabaikan adalah warisan yang ditinggalkan Davis sebagai penyanyi lagu-lagu rohani dan gospel blues. Versinya dari “Twelve Gates to the City,” “If I Had My Way (Samson dan Delilah),” “Death Don’t Have No Mercy,” dan “Motherless Children,” misalnya, adalah klasik, dan rendisinya tentang ratusan lagu gospel tradisional jarang gagal mendapatkan tanggapan dari orang-orang yang mendengarkannya dengan seksama. Hanya sedikit pemain yang dapat menandingi tingkat seni yang ia capai dalam menyisir kekuatan nyanyian gospel, nada emosional blues, dan kejeniusan kreatif sejati pada gitar. Di luar signifikansinya sebagai pemain dan guru, mungkin warisan terbesarnya adalah bahwa Pendeta Davis memperkenalkan generasi penggemar musik folk, yang sebelumnya tidak tertarik pada musik gospel ,

Rev Gary Davis Bluesman Yang Pantas Mendapatkan Penghargaan Gitaris Terhebat – Ketika berbicara tentang pemeringkatan gitaris terbesar dunia musik sepanjang masa, bluesman kelahiran Carolina Selatan yang buta, penampil jalanan, tutor gitar dan pendeta yang ditahbiskan Pendeta Gary Davis jarang disebutkan meskipun ada karya yang mengkhianati keahlian yang hanya dimiliki oleh beberapa gitaris. mampu menandingi.

Rev Gary Davis Bluesman Yang Pantas Mendapatkan Penghargaan Gitaris Terhebat

revgarydavis – Terkenal dengan gaya gitar ragtime yang mempesona yang telah membingungkan para peniru selama beberapa dekade berkat keahliannya dalam naik turun papan fret dengan cepat, lagu-lagu Gary Davis seperti “You Gotta Move”, “Cocaine Blues” dan “Samson And Delilah ” sekarang menjadi musik blues standar dan versi sampul oleh tokoh-tokoh seperti Rolling Stones, Bob Dylan dan Grateful Dead ditambah pos terdepan dari mantan siswa Davis termasuk pemain terkenal seperti Stefan Grossman dan Woody Mann membantu menjaga musik pria itu tetap hidup.

Baca Juga : Penyanyi Blues Paling Terkenal Sepanjang Masa 

Dapat dikatakan bahwa peluang ditumpuk melawan Gary Davis yang lahir pada tahun 1896 di kota Laurens Carolina Selatan. Tumbuh dalam kemiskinan putus asa dan satu-satunya dari delapan anak yang dilahirkan oleh ibu remajanya Evelina untuk bertahan hidup sampai dewasa, Davis menjadi buta pada usia tiga minggu setelah ulserasi mata yang disebabkan oleh, menurut Davis, dokter menempatkan “tawas dan manis susu di mataku.”

Catatan lain menunjukkan bahwa ibu Davis mencoba untuk mengobati infeksi mata bayi laki-lakinya dengan sabun alkali tetapi faktanya tetap bahwa, di negara di mana menjadi hitam, buta atau miskin menempatkan jiwa pada posisi yang kurang menguntungkan, menjadi ketiganya akan membutuhkan tekad dan tekad tertinggi. ketahanan di pihak Davis untuk mengatasi tantangan hidup.

Dengan ayahnya yang tidak hadir dilaporkan dibunuh ketika Gary muda baru berusia 10 tahun dan ibunya menolaknya menggantikan salah satu saudara kandungnya, Davis dibesarkan oleh nenek dari pihak ayah. Nenek Annie telah dilahirkan sebagai budak dan, yang penting, adalah seorang wanita religius yang akan memperkenalkan lingkungannya pada lagu rohani pertamanya “Children Of Zion” – sebuah langkah yang mungkin telah memengaruhi keputusan Davis untuk memainkan sebagian besar lagu-lagu berbasis Injil di sepanjang hidupnya. karir yang panjang.

Selain belajar lagu melalui kehadiran di gereja, Davis mulai memainkan harmonika pada usia dini dan mulai membuat gitar sendiri menggunakan barang-barang sehari-hari seperti panci pai, potongan kayu dan kabel tembaga sebelumnya – dalam tindakan kebaikan yang langka – Davis’ ibu membelikannya gitar pertamanya yang memungkinkan Davis untuk mendapatkan pelajaran dari musisi lokal.

Menyerap pengaruh musik yang tersedia mulai dari pertunjukan penyanyi hingga sirkus yang melewati Laurens, Davis menunjukkan telinga yang tajam dan daya tarik untuk semua jenis musik – sesuatu yang akan tercermin kemudian dalam permainan gitarnya yang serbaguna dan bergenre-hopping. Tak lama kemudian, Davis menerima undangan untuk bermain di piknik dan acara publik lainnya dan mulai mengembangkan versinya tentang teknik fingerpicking yang kemudian dikenal sebagai gaya Piedmont.

Tugas singkat di sekolah asrama – dengan Davis, dengan gaya bicara langsung yang khas, berhenti karena dia tidak menyukai makanannya – membawanya untuk kembali ke pertanian keluarganya sampai usia 21 tahun sebelum dia mulai bepergian dari kota ke kota dan bermain di sudut jalan. Setibanya di kota Greenville, Davis jatuh cinta pada penginapan pamannya Mary Hendrix dan beberapa bulan kemudian pasangan itu menikah. Pasangan itu terus melakukan perjalanan sebelum pernikahan memburuk dan berakhir meninggalkan Davis untuk memasuki periode kecerobohan dan pengembaraan – memicu klaim yang belum dikonfirmasi kemudian bahwa Davis telah menjadi ayah dari beberapa anak selama waktu ini.

Pada akhir 1920-an, Davis akhirnya menetap di Durham, North Carolina dan menjadi fitur musik biasa di jalan-jalan kota serta menjalankan tugas memimpin sebuah band yang bermain di sirkuit pesta regional. Musisi jalanan di AS bukanlah perjalanan yang mudah dan, dengan pencurian dari orang buta yang dilihat sebagai peluang oleh penjahat kecil lokal, Davis mulai membawa pistol dan pisau untuk perlindungannya sendiri – sesuatu yang kadang-kadang menyebabkan penangkapan dan penahanannya.

Selama waktu ini, Davis berhubungan dengan pemain gitar muda dan tidak berpengalaman bernama Fulton Allen – kemudian dikenal sebagai Blind Boy Fuller – yang membuat Davis di jalan menuju hasrat seumur hidup untuk mengajar gitar dengan orang-orang seperti Stefan Grossman, Woody Mann. , Bob Weir dari Grateful Dead dan Ernie Hawkins semuanya mendapat manfaat dari bimbingan Pendeta.

Pada tahun 1934, setelah rekonsiliasi dengan ibunya, Davis mengalami sesuatu kebangkitan spiritual dan, selama bulan-bulan kesehatan ibunya yang menurun hingga kematiannya akibat kelainan jantung, dia akan belajar mengandalkan kasih Tuhan untuk mendapatkannya. melalui. Sementara tanggalnya agak samar, tampaknya Davis ditahbiskan sebagai pendeta di Free Will Baptist Connection Church di Washington, North Carolina pada tahun 1937 yang membawanya untuk menggabungkan hasrat barunya untuk Tuhan dengan kemampuannya yang cukup besar sebagai gitaris blues untuk menghasilkan beberapa lagu. musik gospel paling dinamis yang pernah direkam.

Beberapa tahun sebelum memulai sebagai pengkhotbah, Gary Davis diundang untuk merekam bersama dengan Blind Boy Fuller dan pemain papan cuci Bull City Red di American Record Corporation dengan dua lagu solo “I’m Throwin’ Up My Hands” dan “Cross And Evil Woman Blues” menjadi lagu Davis pertama yang menggunakan asetat. Beberapa hari kemudian, Fuller dan Davis kembali ke studio tetapi yang terakhir telah membuat keputusan untuk hanya menampilkan nomor spiritual dengan “Lord, I’m The True Vine”, “I Am The Light Of This World” dan “O Lord , Search My Heart” dan beberapa lagu gospel familiar lainnya sedang disiapkan. Keputusan untuk bermain spiritual daripada lebih banyak nomor blues duniawi menyebabkan Davis bergabung dengan jajaran orang-orang seperti Pendeta Edward Clayborn,

Pada musim panas 1939, meskipun terjun pertama ke dunia rekaman goyah, Davis ditawari kesempatan untuk merekam di New York tetapi menolaknya karena biaya yang ditawarkan sederhana dan keputusan untuk menghabiskan lebih banyak waktu berkhotbah dan bernyanyi di berbagai gereja dan pertemuan kebangunan rohani di sekitar distrik Hayti di Durham. Pada tahun 1942, dalam kesulitan finansial, calon istri Davis, Annie Belle Hicks, datang ke dalam hidupnya dan menawarinya tempat tinggal. Sangat religius dan pendapat populer saat itu bahwa musik blues adalah setan, sikap Annie selanjutnya akan mendesak Davis untuk terus secara eksklusif memainkan lagu-lagu Injil – atau setidaknya ketika Annie berada dalam jangkauan pendengaran. Pada bulan November 1943, Gary dan Annie mengikat simpul meskipun, karena keraguan apakah Davis benar-benar menceraikan istri pertamanya,

Pada bulan Januari 1944, setelah relokasi Annie ke Big Apple beberapa bulan sebelumnya, Gary Davis menaikkan tongkat dan pindah ke wilayah Bronx di New York dan, untuk meletakkan makanan di atas meja untuk dia dan istri barunya, dia mencari kesempatan berkhotbah di gereja-gereja lokal dan menghujani perdagangannya dengan musik di jalan-jalan Harlem yang berbahaya. Tak lama kemudian, Davis bertemu dengan duo gitar dan harmonika Brownie McGhee dan Sonny Terry dan bermain di pesta yang diadakan oleh penyanyi folk legendaris Leadbelly dengan tokoh-tokoh seperti Pete Seeger, Burl Ives, Woody Guthrie, Big Bill Broonzy dan Josh White yang hadir.

Mungkin berkat berbaur dengan nama-nama folk dan blues yang lebih dikenal atau karena visibilitas menyanyi jalanannya, Davis diundang untuk merekam delapan lagu untuk label Asch dalam satu sesi yang berlangsung kurang dari satu jam – sorotan yang tidak diragukan adalah instrumental virtuoso “Soldier’s Drill” (atau “Parade Perang Sipil”) yang masih membingungkan para pemain gitar hingga hari ini. Sayangnya, kesuksesan komersial terus menghindari Davis dengan pasar musik gospel dibanjiri kelompok harmoni dan kuartet gospel dengan mengorbankan penginjil gitar yang kasar seperti Davis.

Pendeta Gary Davis secara efektif meraih emas pada Januari 1950 ketika ia muncul di sebuah konser peringatan untuk Leadbelly yang baru saja meninggal di Balai Kota New York dengan penampilannya menghiasi ulasan yang baik di publikasi peringkat tinggi seperti New York Times. Namun, baru pada akhir tahun 50-an karir Davis akan mendapatkan dorongan yang layak. Penyanyi folk Amerika Ramblin ‘Jack Elliot mengcover “Cocaine Blues” Davis di album ‘Jack Takes The Floor’ – dirilis oleh label Inggris Topic Records – sehingga memastikan bahwa lagu Davis jika bukan Davis sendiri menyebar ke seluruh kolam dan menarik perhatian dari audiens baru.

Misalnya, gitaris Rolling Stones Keith Richards pernah menyatakan bahwa “Cocaine Blues” adalah “penjilat jari yang penting pada masa itu” sementara penyanyi “Streets Of London” Ralph McTell mengaku “cukup tercengang dengan gaya pianistik (gitar)” Davis yang luar biasa. Selain itu, legenda rakyat Skotlandia Bert Jansch akan mendengar cover Jack Elliot dari “Cocaine Blues” dan mencari lebih banyak lagu Davis, akhirnya mengajari Donovan cara memainkan “Candy Man” milik Pendeta.

Pada awal 60-an dan dengan kebangkitan folk dalam gerakan, Davis mulai bermain festival rakyat sambil membangun daftar siswa gitar yang sehat yang akan mengunjungi rumahnya dan Annie di Bronx. Dengan reputasi Davis yang tumbuh di kancah folk New York yang sedang berkembang, album debut eponymous pendatang baru Bob Dylan menampilkan “Baby, Let Me Follow You Down” – pengerjaan ulang dari lagu sekuler Gary Davis yang langka berjudul “Baby, Let Me Lay It On You” yang telah diajarkan Davis secara pribadi kepada siswa Dave Van Ronk yang, pada gilirannya, akan meneruskannya kepada Dylan.

Eksposur lebih lanjut akan datang ketika trio folk Peter, Paul & Mary memilih untuk merekam “If I Had My Way” – sebuah lagu yang mereka dengar Davis tampilkan di Greenwich Village yang terkadang diberi nama “Samson And Delilah”. Lagu tersebut akan ditampilkan pada rilisan debut trio tersebut dan menjadi pendukung dari penampilan langsung mereka yang terkenal. Memanfaatkan kesempatan untuk mendapatkan beberapa royalti yang layak, Dave Van Ronk mendorong mentornya untuk menghadiri pertemuan dengan pengacara hak cipta untuk memastikan bahwa dia mendapat pujian karena menulis lagu.

Namun, ketika ditekan tentang apakah dia yang menulis lagu itu atau tidak, Pendeta dengan tegas bersikeras bahwa dia tidak menulis nomornya tetapi Tuhan yang menulis. Pada kenyataannya, lagu itu setidaknya kembali ke Blind Willie Johnson yang merekam nomor tersebut pada tahun 1920-an tetapi, terlepas dari itu, royalti yang diterima dari versi Peter, Paul dan Mary akan memberi Davis dorongan finansial yang telah dia tunggu-tunggu sepanjang karirnya. Memanfaatkan kesempatan untuk mendapatkan beberapa royalti yang layak, Dave Van Ronk mendorong mentornya untuk menghadiri pertemuan dengan pengacara hak cipta untuk memastikan bahwa dia mendapat pujian karena menulis lagu.

Namun, ketika ditekan tentang apakah dia yang menulis lagu itu atau tidak, Pendeta dengan tegas bersikeras bahwa dia tidak menulis nomornya tetapi Tuhan yang menulis. Pada kenyataannya, lagu itu setidaknya kembali ke Blind Willie Johnson yang merekam nomor tersebut pada tahun 1920-an tetapi, terlepas dari itu, royalti yang diterima dari versi Peter, Paul dan Mary akan memberi Davis dorongan finansial yang telah dia tunggu-tunggu sepanjang karirnya. Memanfaatkan kesempatan untuk mendapatkan beberapa royalti yang layak, Dave Van Ronk mendorong mentornya untuk menghadiri pertemuan dengan pengacara hak cipta untuk memastikan bahwa dia mendapat pujian karena menulis lagu.

Namun, ketika ditekan tentang apakah dia yang menulis lagu itu atau tidak, Pendeta dengan tegas bersikeras bahwa dia tidak menulis nomornya tetapi Tuhan yang menulis. Pada kenyataannya, lagu itu setidaknya kembali ke Blind Willie Johnson yang merekam nomor tersebut pada tahun 1920-an tetapi, terlepas dari itu, royalti yang diterima dari versi Peter, Paul dan Mary akan memberi Davis dorongan finansial yang telah dia tunggu-tunggu sepanjang karirnya. Pendeta dengan tegas bersikeras bahwa dia tidak menulis nomor itu tetapi Tuhan yang menulis.

Pada kenyataannya, lagu itu setidaknya kembali ke Blind Willie Johnson yang merekam nomor tersebut pada tahun 1920-an tetapi, terlepas dari itu, royalti yang diterima dari versi Peter, Paul dan Mary akan memberi Davis dorongan finansial yang telah dia tunggu-tunggu sepanjang karirnya. Pendeta dengan tegas bersikeras bahwa dia tidak menulis nomor itu tetapi Tuhan yang menulis. Pada kenyataannya, lagu itu setidaknya kembali ke Blind Willie Johnson yang merekam nomor tersebut pada tahun 1920-an tetapi, terlepas dari itu, royalti yang diterima dari versi Peter, Paul dan Mary akan memberi Davis dorongan finansial yang telah dia tunggu-tunggu sepanjang karirnya.

Setelah hidup dari mulut ke mulut untuk sebagian besar kehidupan pernikahan mereka, rejeki nomplok finansial ini berarti bahwa pada tahun 1964 keluarga Davis dapat pindah dari apartemen bobrok mereka di Bronx dan membeli rumah sederhana di Jamaika yang lebih diinginkan, wilayah Queens di New York sebelum kemudian membeli properti kedua di New Jersey.

Lebih sibuk dari sebelumnya dalam hal pertunjukan live, Davis mulai memasukkan lebih banyak nomor blues sekuler ke dalam set live-nya – sebagian didorong oleh murid-muridnya dan gitaris pemula lainnya. Selama waktu inilah Pendeta diduga memiliki sejumlah hubungan asmara dengan wanita yang datang ke pertunjukannya – baik menggoda secara terbuka di atas panggung atau melangkah lebih jauh secara pribadi – tetapi, selain laporan tentang kecenderungan Davis untuk membiarkan tangannya berkeliaran , setiap dugaan perselingkuhan tampaknya disembunyikan dari Annie dan mata publik.

Kemudian pada tahun 1964 dan sebagian besar didorong oleh booming blues Inggris saat itu, Davis melakukan kunjungan pertamanya ke Inggris sebagai bagian dari American Blues dan Gospel Caravan yang juga menampilkan orang-orang seperti Muddy Waters, Sister Rosetta Tharpe dan duo blues Sonny Terry dan Brownie McGhee. Sekembalinya ke Amerika, Davis akan terus mengajar murid-muridnya yang bersedia dan kebanyakan kulit putih – termasuk gitaris Grateful Dead Bob Weir, Steve Katz dari Blood, Sweat And Tears dan pemuja Gary Davis Stefan Grossman – dan Pendeta dan Annie membuka rumah mereka untuk siapa pun yang mau belajar dalam tindakan kebaikan yang melampaui ketegangan rasial saat itu.

Penyanyi Blues Paling Terkenal Sepanjang Masa – Sementara The Blues sering disebut-sebut sebagai salah satu gaya kunci yang menyebabkan munculnya Jazz, R&B dan Soul, dampaknya terhadap dunia musik tidak berhenti di situ, seperti yang akan Anda lihat di artikel ini. Sejak dimulai pada akhir abad ke-19, ia telah menghasilkan beberapa pemain paling bersemangat dan pribadi sepanjang masa.

Penyanyi Blues Paling Terkenal Sepanjang Masa

revgarydavis – Dan sementara gitar blues dari pemain seperti BB King dan T-Bone Walker sering menjadi berita utama, kami pikir kami akan kembali ke dasar asli untuk daftar penyanyi blues terbaik sepanjang masa ini! Jadi nantikan hitung mundur kami untuk beberapa penyanyi Blues paling terkenal dalam 100 tahun terakhir.

Baca Juga : Pendahulu Musik Jazz Modern 

10. Robert Johnson (1911)

Sebagai salah satu pelopor rekaman blues , dan lebih khusus lagi genre delta blues , Robert Johnson sangat penting dalam popularitas blues meskipun fakta luar biasa bahwa satu-satunya rekaman yang ada adalah dari periode tahun 1936 dan 1937. Ia dikenal terutama sebagai penyanyi blues klasik disertai dengan gitar blues yang tidak menentu , dengan lagu-lagu blues hit seperti “Cross Road Blues ” dan “Sweet Home Chicago”, yang hampir identik dengan genre tersebut.

Lahir pada tahun 1911, Robert Johnson menemukan sedikit kesuksesan selama hidupnya, dan hidupnya sebenarnya dipersingkat pada tahun 1938, pada usia 27 tahun, dalam keadaan misterius. Bagian belakang sertifikat kematiannya menyebutkan ‘komplikasi dengan sifilis’ tetapi sezamannya David Honeyboy Edwards (yang diyakini telah tampil dengan Johnson beberapa hari sebelum kematiannya) bersikeras bahwa Johnson diracun.

Lagu-lagu Johnson telah berhasil bertahan dalam ujian waktu dengan berbagai sampul modern selama bertahun-tahun; “From Four Hingga Late” dibawakan oleh Cream di album debut mereka, dan “ They’re Red Hot” dibawakan oleh Red Hot Chilli Peppers di album mereka “Blood Sugar Sex Magik” (walaupun, hampir tidak dapat dikenali).

Meskipun ia terutama terkenal sebagai master gitar blues , adalah salah untuk meninggalkan Johnson dari daftar ini, mengingat statusnya sebagai pelopor blues , dan fakta bahwa ia memiliki suara yang bagus. Sulit untuk meremehkan pengaruhnya pada sejarah musik Blues; daya tarik internasionalnya dengan artis seperti Eric Clapton di sisi lain Atlantik memainkan peran penting dalam gerakan blues Inggris tahun 1960-an .

9. Howlin’ Wolf (1910)

Lahir sebagai Chester Arthur Burnett pada tahun 1910, Howlin’ Wolf berasal dari Delta Mississippi sebelum pindah ke Chicago di masa dewasanya untuk menjadi musisi blues yang sangat sukses .

Seperti kebanyakan penyanyi blues , Burnett tidak hanya bernyanyi: dia juga bermain gitar . Tetapi meskipun ia dikenal karena kemahirannya dalam bermain gitar , ia mungkin bahkan lebih terkenal karena suaranya yang dominan dan menggelegar. Selama karirnya, Burnett berbagi persaingan yang sehat dan profesional dengan sesama gitaris dan penyanyi blues Muddy Waters.

Ini terutama disebabkan oleh fakta bahwa keduanya berbagi penulis lagu di Willie Dixon – sumber ejekan yang terus-menerus bahwa dia lebih menyukai yang lain dengan lagu yang lebih baik! Mengesampingkannya dari banyak orang sezamannya, Howlin ‘Wolf secara mengejutkan paham bisnis; dia dikenal karena pendekatan disiplinnya terhadap keuangan, dan bahkan menghadiri kelas bisnis untuk membantu mengelola kariernya yang berkembang.

Meskipun ini mungkin tampak tidak relevan, etiket keuangannya membuatnya sukses secara finansial, yang berarti dia dapat membayar anggota band tidak hanya uang yang baik, tetapi juga menawarkan asuransi kesehatan kepada mereka. Ini membuatnya menjadi majikan yang sangat berharga, dan memungkinkan dia untuk membangun sebuah band yang kuat, dengan memilih pemain.

Kesehatan Burnett menurun pada akhir 60-an, meninggal pada tahun 1976 karena komplikasi operasi tetapi meninggalkan diskografi lagu-lagu Blues termasuk “Spoonful”, “Smokestack Lightning”, dan “Killing Floor”.

8. Muddy Waters

Lahir pada tahun 1913, McKinley Morganfield dikenal secara profesional sebagai Muddy Waters dan merupakan tokoh penting dan berpengaruh dalam kancah blues Chicago . Seperti banyak orang pada saat itu, Waters mengenal musik melalui gereja, yang kemungkinan besar didorong oleh Neneknya. Wanita ini – yang membesarkan Waters setelah ibunya meninggal tak lama setelah melahirkan – juga memberinya julukan, karena kecintaannya bermain air kotor di sungai terdekat.

Waters memainkan gitar dan harmonika, serta memiliki suara yang dalam dan dominan, seperti yang identik dengan blues . Gaya Waters mirip dengan kebanyakan artis blues , bernyanyi dalam ledakan sporadis dengan ide-ide liris berulang, sering menceritakan kisah sederhana dalam frasa pendek, dengan gaya yang relatif banyak bicara.

Waters meninggal dalam tidurnya pada tahun 1970, karena gagal jantung terkait kanker, dan dimakamkan di sebelah istrinya, Jenewa. Pada tahun 2008 sebuah penanda Mississippi Blues Trail ditempatkan di Clarksdale, Mississippi, oleh Mississippi Blues Commission, menandai situs rumah masa kecil Waters.

Waters terkenal karena lagu-lagunya “Mannish Boy”, “I’m Your Hoochie Coochie Man”, dan “Got My Mojo Working”. Dia meninggalkan warisan yang lebih besar dari karirnya, mempengaruhi sejumlah besar musisi blues dan rock untuk tingkat yang besar, termasuk Eric Clapton dan Rolling Stones, yang diyakini telah menamai band mereka setelah lagu Waters, “Rollin’ Stone”.

7. Ma Rainey (1886)

Gertrude “Ma” Rainey, lahir pada tahun 1886, adalah seorang pemain dan artis rekaman blues awal yang berpengaruh, sering disebut sebagai “Mother of the Blues ”. Sebagai penyanyi yang terutama dikenal untuk menjembatani kesenjangan antara gaya vaudeville sebelumnya dan ekspresi blues yang lebih otentik , dia dapat secara sah diakreditasi dengan mempengaruhi banyak penyanyi blues awal .

Rainey mendapat julukannya dari menikahi pasangannya, Will “Pa” Rainey pada tahun 1904. Dia memulai karirnya sebagai remaja, melakukan tur dengan Rabbit Foot Minstrels (sebuah grup penyanyi dan variasi) dengan Pa Rainey, sebelum membentuk grup mereka sendiri yang disebut Assassinators of the Blues . Dari pertamanya pada tahun 1923, Rainey melanjutkan untuk membuat lebih dari 100 rekaman dalam waktu lima tahun, termasuk “Bo-Weevil Blues “, “Moonshine Blues “, “See See Rider Blues ” dan “Soon This Morning”.

Dia dikenal karena vokalnya yang kuat dan energik, serta ungkapannya yang terampil dan gaya nyanyiannya yang seperti rintihan. Rainey melakukan tur hingga 1935, ketika dia pensiun dari pertunjukan. Namun, ia terus melibatkan dirinya dalam dunia musik, terutama sebagai impresario teater di kota kelahirannya, Georgia. Dia meninggal empat tahun kemudian pada tahun 1939, pada usia 53 tahun.

6. Sister Rosetta Tharpe (1915)

Penyanyi , penulis lagu , dan gitaris Amerika Sister Rosetta Tharpe lahir pada tahun 1915, mencapai puncak ketenarannya pada tahun 1930-an dan 1940-an sebagai penyanyi gospel. Sangat mendalami Blue, lirik spiritual dan permainan gitar listriknya terbukti sangat berpengaruh pada musik rock and roll awal.

Tharpe terutama terkenal karena keterampilan gitarnya dan, mengingat era di mana dia bermain, diberi ‘pujian yang tinggi’ karena mampu bermain “ seperti laki-laki ”. Di samping bakat instrumental ini, dia memiliki suara aneh yang menarik dan bakat bawaan untuk menulis lagu. Dia termasuk orang pertama yang menyilangkan Injil ke dunia ritme-dan- biru dan rock-and-roll, dan memengaruhi orang-orang seperti Little Richard, Chuck Berry, dan Elvis Presley .

Suster Rosetta Tharpe, yang meninggal karena stroke pada tahun 1973 dalam usia 58 tahun mungkin paling dikenang karena lagu-lagunya “O Little Town of Bethlehem”, “My Journey To The Sky” dan “Jericho”.

5. Mamie Smith (1891)

Mamie Smith lahir pada tahun 1891 (pertama kali diyakini pada tahun 1883, sebelum akte kelahirannya ditemukan), dan merupakan seorang penyanyi , pianis, penari, dan bahkan aktris vaudeville Amerika. Dia memulai karirnya sebagai seorang anak, tur dengan Four Dancing Mitchells, dan kemudian sebagai remaja, menari dengan Smart Set Salem Tutt Whitney .

Pada tahun 1913 dia pergi untuk bernyanyi di klub-klub di Harlem, di mana dia bertemu William “Smitty” Smith, seorang penyanyi , yang dia nikahi. Smith tampil dalam berbagai gaya, melintasi antara jazz dan blues dan, pada 1920, menjadi artis Afrika-Amerika pertama yang membuat rekaman vokal blues . Hit terbesarnya adalah pilihan lagu yang ditulis oleh Perry Bradford dan dirilis melalui Okeh Records, termasuk dua hits terbesarnya ” Crazy Blues “, dan “It’s Right Here For You”.

Meskipun sulit untuk menemukan rekaman Smith yang tidak setua waktu, ada pesona dan keajaiban yang dapat ditemukan dalam rekaman bersejarah dan berpengaruhnya. Suaranya hangat, aneh, dan menyenangkan, dan pasti layak untuk dialami. Sangat memalukan bahwa pada tahun 1946 Mamie Smith dilaporkan meninggal tanpa uang sepeser pun di New York, pada usia 55 tahun. Terlepas dari keberhasilan (atau kekurangannya) dalam hidupnya, dia harus dikenang sebagai pembuka jalan bagi banyak orang Afrika – Amerika . penyanyi blues yang akan datang.

4. Ray Charles

Meskipun tidak dikenal secara eksklusif sebagai penyanyi blues tradisional , Ray Charles menggabungkan pengaruh musik ini dengan jazz, rhythm-and- blues , dan gospel untuk menciptakan gaya uniknya sendiri, yang menjadi sangat populer. Lahir pada tahun 1930 dan buta sejak kecil, penyanyi dan pianis ini kemudian menjadi kekuatan musik yang tampaknya tak terbendung, yang dikenal oleh teman-teman dan rekan bandnya sebagai “Brother Ray”, serta sering disebut sebagai “the Genius”.

Contoh terbaik dari Charles yang menyanyikan lagu blues adalah lagu yang berjudul “The Genius Sings The Blues ”, yang dirilis pada tahun 1961. Ini menampilkan beberapa contoh suara Charles yang lucu dan lucu yang masih dapat menyampaikan musik blues dengan sempurna. Contoh-contoh ini termasuk “Dini hari”, “Ray’s Blues ”, dan “I’m Movin’ On”.

Ray Charles adalah inspirasi bagi banyak orang, dan menikmati karier yang sangat sukses, serta warisan yang bertahan lama. Sayangnya, seperti banyak orang sezamannya, Charles berbagi masalah narkoba yang datang dengan gaya hidup bisnis pertunjukan, dan diduga kecanduan heroin selama dua dekade. Namun, melalui tekad dan beberapa terapi (yang memicu kecintaannya pada catur), dia berhasil berhenti. Ray Charles meninggal karena komplikasi yang melibatkan penyakit hati pada usia 73 tahun.

3. Eric Clapton (1945)

Sementara awal mula The Blues dapat ditelusuri kembali ke Amerika Selatan pada abad ke-19, ia terus berkembang dan menjangkau khalayak umum selama lebih dari satu abad. Contoh yang lebih modern dari Eric Clapton ini, penyanyi dan gitaris Inggris yang terkenal karena karyanya dengan Cream (dari ketenaran “Sunshine of Your Love” dan “White Room”), Derek and the Dominos (“Layla”), dan karyanya yang produktif karir solo.

Selama bekerja dengan Cream dan karir solonya, Clapton menunjukkan pengaruh besar dari blues – hasil dari permulaannya sebagai musisi selama era kebangkitan blues London . Clapton adalah salah satu pelopor gerakan blues baru , bermain bersama orang-orang sezamannya seperti Jeff Beck, the Rolling Stones, dan kemudian Led Zeppelin.

Clapton mungkin paling populer di kalangan dans karena permainan gitarnya yang virtuoso , tetapi suaranya yang bernuansa dan khas tentu layak mendapat tempat di daftar ini. Sementara karya bandnya sebagian besar mencakup blues -rock dan psych-rock, album debut Cream “Fresh Cream” sebagian besar terdiri dari lagu-lagu blues dan sampul standar blues seperti “Four Hingga Late” dan “Spoonful”.

Karier solo Clapton lebih mengingatkan pada musik blues sebelumnya , dengan banyak permainan akustik, gaya jari dimasukkan ke dalam karyanya. Clapton telah menjual lebih dari 280 juta rekaman di seluruh dunia, menjadikannya salah satu musisi terlaris sepanjang masa, apa pun genrenya – dan menyoroti daya tarik populer yang terus dimiliki The Blues.

2. B.B. King (1925)

The King of Blues , lahir pada tahun 1925 dan menjadi terkenal sebagai gitaris dengan pengendalian diri dan kecanggihan yang ekstrem, BB King tidak hanya memiliki keterampilan gitar yang mematikan , vokal bluesnya dan, mungkin yang lebih mengesankan, keterampilan penampilannya sebagai seorang frontman, adalah sesuatu yang harus diperhatikan. melihat.

Lahir sebagai Riley B. King, tetapi dengan julukan BB yang lebih menarik, King lahir di perkebunan kapas di Mississippi, kemudian bekerja di pabrik kapas. Seperti kebanyakan musik blues sezamannya, ia menjadi tertarik pada musik melalui gereja, dan mulai bermain di sendi-sendi lokal dan di radio lokal.

Karier BB King benar-benar dimulai setelah dia pindah ke Chicago dan, seiring ketenarannya tumbuh, dia mulai melakukan tur secara ekstensif. Bahkan, King terkenal bermain tanpa henti, pernah dikabarkan telah memainkan 342 pertunjukan pada tahun 1956 saja. King meninggal pada usia 89 tahun di Las Vegas pada tahun 2015, setelah karir yang panjang dan sukses sebagai artis blues terkemuka dan berpengaruh .

1. Bessie Smith (1894)

Sesuai dengan pilihan #1 kami untuk penyanyi blues terkenal , Bessie Smith adalah salah satu artis tertua dalam daftar, lahir pada tahun 1894. Dijuluki “Empress of the Blues “, ia mencapai puncak kesuksesannya selama Era Jazz tahun 1920-an dan 30-an sebagai salah satu penyanyi blues wanita paling populer di era itu . Dia telah lama menjadi pengaruh pada sesama penyanyi jazz dan blues di seluruh dunia.

Baca Juga : 10 Bintang Pop Terbesar di Kanada

Smith memiliki masa kecil yang sulit; dengan orang tuanya sekarat sebelum dia bisa mengingat mereka, dia dibesarkan oleh kakak perempuannya dalam kehidupan yang miskin, di mana dia tampil di sudut jalan dengan saudara laki-lakinya Clarence, yang akhirnya meninggalkan kota (tanpa memberitahunya) untuk bergabung dengan rombongan keliling.

Dia kemudian akan dan mendapatkan Smith audisi, di mana dia diterima sebagai penari, dengan legenda bernyanyi Blues dan “Mother of the Blues ” Ma Rainey di depan. Bessie Smith membentuk aksinya sendiri sekitar tahun 1913 di Teater 81 dan pertama kali direkam pada tahun 1923 setelah mengumpulkan reputasi yang kuat di Selatan.

Sangat mengejutkan label rekaman yang telah menolaknya karena sikapnya yang “kasar”, Smith menemukan kesuksesan besar, dengan kehadiran panggung dan kemampuannya untuk memikat penontonnya dibandingkan dengan seorang pengkhotbah. Smith meninggal pada tahun 1937 setelah kecelakaan mobil yang mengerikan yang hampir memutuskan lengannya (yang kemudian diamputasi), dan transportasi tertunda ke rumah sakit terdekat.

Dia terkenal karena suara contralto-nya (rentang vokal wanita terendah), dengan lagu-lagunya yang paling terkenal adalah “Nobody Knows You When You’re Down and Out”, “Devil’s Gonna Git You”, dan “‘Tain’t Nobody’s Bizness Jika aku melakukan”.

Pendahulu Musik Jazz Modern – Pada awal 1930-an dua band memberikan kontribusi penting untuk jazz: Bennie Moten’s, dengan rekaman “Toby,” “Lafayette,” dan “Prince of Wails,” dan Casa Loma Orchestra, dengan “Casa Loma Stomp” dan “San Sue Topangan.” Band Black Moten memiliki sedikit efek langsung pada kancah jazz yang lebih besar, alih-alih mempengaruhi lingkaran dalam orang-orang kulit hitam sezaman, saingan, dan orang dalam jazz.

Pendahulu Musik Jazz Modern

revgarydavis – Energi penggerak, eksplosif, ritmis dari potongan-potongan Moten, dikombinasikan dengan keahlian instrumental yang belum pernah ada sebelumnya serta keseimbangan solo yang luar biasa—oleh pemain saksofon Ben Webster dan Eddie Barefield, pemain terompet “Hot Lips” Page, dan lainnya—dengan ansambel berbasis riff , menempa terobosan dalam jazz orkestra yang dapat dilihat sebagai pelopor jazz modern.

Baca Juga : Mengulas Lebih Dalam Tentang Musik Jazz

Band Casa Loma putih memberikan pengaruh yang luar biasa pada sejumlah band dansa (termasuk, untuk sementara, beberapa orkestra Hitam, terutama milik Jimmie Lunceford , Fletcher Henderson , dan Earl Hines). Peran Casa Lomans dalam sejarah jazz tetap kontroversial, tetapi jelas bahwa mereka, setidaknya, orkestra kulit putih pertama yang mencoba mengayun, meskipun ritme mereka lebih sering bersemangat daripada berayun. Casa Loma Orchestra juga merupakan band kulit putih pertama yang menampilkan instrumental jazz secara konsisten, daripada memainkan lagu-lagu dansa yang diatur dengan sopan dengan solo yang sesekali panas. Dalam hal ini mereka mempengaruhi orkestra swing yang baru dibentuk, termasuk yang dipimpin oleh Benny Goodman ,Charlie Barnet ,Artie Shaw , dan Larry Clinton.

Bagi penggemar jazz rata-rata, terobosan besar – besaran terjadi pada band Goodman, khususnya pada 21 Agustus 1935, di Palomar Ballroom di Los Angeles . Pada malam itu, setelah perjalanan ke barat selama berminggu-minggu dan tidak berhasil di seluruh negeri, band Goodman tiba-tiba menjadi hit besar. Malam Agustus di Palomar itu menjadi acara yang secara resmi mengantarera ayunan , dengan Goodman segera dipuji sebagai “Raja Ayunan.” Itu pasti berita yang menarik bagi band-band dari pemimpin band kulit hitam seperti Ellington, Moten, Lunceford, Webb, Cab Calloway , dan terutama Henderson, yang telah berayun selama sekitar lima hingga tujuh tahun.

Skor yang diperkenalkan Henderson pada akhir 1920-an dan awal 1930-an—“King Porter Stomp,” “Wrappin’ It Up,” dan “Down South Camp Meeting”—tiba-tiba menjadi hit besar bagi Goodman, yang telah memperoleh kedua aransemen Henderson dari angka-angka ini dan jasa Henderson sendiri ketika orkestra Henderson terpaksa dibubarkan pada tahun 1934. Sebagaimana ditafsirkan ulang dan diberi energi oleh pasukan Goodman, termasuk pemain trompet bintang Bunny Berigan dan drummer mencolokGene Krupa , potongan-potongan ini tiba-tiba mengambil kehidupan baru.

Pesaing solois dan ansambel dan paduan suara orkestra yang terus-menerus menyandingkan dengan pola panggilan dan respons yang berbeda, formula Henderson-Redman telah menjadi standar yang banyak ditiru. Ketika band Count Basie dari Kansas City, penerus orkestra Moten, memperkenalkan kembali riff sebagai elemen struktural lain yang sangat berguna, ntuk memuaskan selera besar akan musik swing dari generasi mahasiswa yang terobsesi dengan tari, panggung telah disiapkan untuk ratusan orkestra yang telah muncul sejak kesuksesan Goodman.

Pada akhir 1930-an negara itu dibanjiri band dansa, semua mengikuti prinsip ayunan umum: kerja bagian antifonal, penjajaransolo dan ansambel, dan nada-nada yang semakin berbasis riff. Meskipun hal ini menyebabkan sejumlah besar sampah, banyak arranger muda berbakat sekarang bergegas ke lapangan dan menghasilkan jumlah musik yang luar biasa bagus yang mengesankan. Keunggulan ini jauh lebih luar biasa karena musik diciptakan terutama untuk menari, tanpa pretensi (kecuali dalam kasus pemimpin band Artie Shaw ) untuk apa pun yang disebut seni.

Count Basie ‘s band dan komposer-arranger

Di antara orkestra yang tak terhitung banyaknya yang mengisi kancah jazz, Count Basie sangat penting. Mungkin “mesin ayun” paling hebat yang pernah ada, band Basie sangat menekankan solo improvisasi dan kelonggaran menyegarkan dalam permainan ansambel yang biasanya diwujudkan melalui “pengaturan kepala” daripada grafik tertulis. Bagian ritmenya yang tak tertandingi— Walter Page (bass), Freddie Green (gitar), Jo Jones (drum), dan Basie (piano) —mendukung pemain solo yang luar biasa, mulai dari pemain saksofon tenor inovatif yang hebat.Lester Young dan rekan seksinya Herschel Evans hingga pemain terompet Buck Clayton dan Harry “Sweets” Edison, trombon Dicky Wells dan Vic Dickenson, dan penyanyi blues Jimmy Rushing .

Popularitas band Basie yang teguh dapat diukur dengan fakta bahwa, dengan pengecualian tugas singkat di awal 1950-an, band ini tampil sukses dan melakukan tur sampai kematian Basie pada 1984. Bahkan setelah puncak era swing, Basie terus memperkenalkan swing. mahakarya (termasuk “Shiny Stockings,” “The Kid from Red Bank,” “Li’l Darling,” dan “April in Paris”), sering menampilkan solo yang luar biasa oleh aransemen terompet Thad Jones dan vokal oleh Joe Williams. Mungkin tak terelakkan bahwa dalam kegembiraan era swing yang berkembang, penggemar jazz menjadi terobsesi dengan pemimpin band yang berkuasa, superstar musik baru.

Sedikit yang penggemar swing menyadari bahwa musik yang mereka tuju bukanlah ciptaan para pemimpin orkestra tetapi dari arranger yang, di balik layar, menempa gaya khas masing-masing band. Sejarah jazz terlalu sering digambarkan sebagai kisah solois yang berimprovisasi, hampir mengabaikan kontribusi penting dari komposer-arranger yang menyediakan kerangka kerja solois. Ini termasuk Sy Oliver (dengan band Jimmie Lunceford dan Tommy Dorsey ), Mary Lou Williams(dengan band Andy Kirk), Walter Thomas (dengan Cab Calloway), Eddie Durham, Fletcher Henderson, Jimmy Mundy, Edgar Sampson, Eddie Sauter, Jerry Gray, dan Benny Carter .

Para solois ayunan

Pemain solo swing besar juga muncul pada 1930-an—terutama pemain saksofon tenorColeman Hawkins , Lester Young , andBen Webster ; pianisSeni Tatum danTeddy Wilson ; dan penyanyiLiburan Billie . Hawkins telah meninggalkan band Henderson pada tahun 1933 untuk masa tinggal enam tahun di Eropa, di mana ia tidak hanya mengajar sebagian besar orang Eropa tentang jazz dan swing, tetapi juga mengasah dan menyempurnakan gaya pribadinya, yang mencapai puncaknya—sekembalinya ke Amerika Serikat pada tahun 1939—dalam karya rekamannya, “Tubuh dan Jiwa .” Selama periode itu, pemuda sezaman Hawkins, Young dan Webster, mengembangkan gaya improvisasi yang sangat berbeda dan sangat khas.

Webster memiliki pengaruh yang kuat pada Ellington selama masa jabatannya dengan Orkestra Ellington 1939-1942, dan Young mendirikan sekolah pemain saksofon baru, dilambangkan oleh Stan Getz, Zoot Sims dan Al Cohn. Berbeda dengan pendekatan Hawkins yang hiperenergetik, terutama berbasis akor, Young menampilkan gaya yang lebih santai, ramping, linier, berorientasi blues Barat Daya. Tidak seperti improvisasi Hawkins sebelum tahun 1940-an, yang secara kokoh berlabuh pada harmoni yang mendasarinya, garis-garis Young meluncur di atas harmoni dan dengan demikian membebaskan garis-garis itu secara berirama.

Tatum dan juga Wilson awalnya terinspirasi oleh Heinz, tetapi segera berpisah dengan Heinz dan satu sama lain. Seorang virtuoso teknolog top, Tatum mendedikasikan dirinya untuk improvisasi solo pada lagu-lagu populer, mengembangkan kosakata harmonik yang sangat kaya dan kompleks. Wilson, lebih sebagai pemain ansambel, memimpin serangkaian rekaman yang mengesankan antara tahun 1935 dan 1937, yang menampilkan tidak hanya elit solois swing dalam pertunjukan yang dibuat secara spontan tetapi juga Holiday yang tak tertandingi.

Gaya bernyanyi Holiday dibuat dari campuran asli gaya vokal Armstrong danBessie Smith serta keterbatasan teknis vokalnya sendiri—jangkauan suaranya hampir tidak lebih dari satu oktaf. Dengan timbre dan diksinya yang unik , dia merekonstruksi lusinan lagu populer, merampingkan dan mengontrak melodi asli dan menghiasinya dengan ornamen yang sangat pribadi, banyak di antaranya dia serap dari beberapa instrumentalis hebat pada masanya. Dalam hal ini dia adalah penyanyi jazz sejati, terus-menerus menciptakan kembali, berimprovisasi, dan menciptakan. Selain itu, Holiday membawa seninya tingkat ekspresi dan kedalaman filosofis yang belum pernah terjadi sebelumnya dalam jazz, mulai dari melankolis dan tragedi hingga kebangkitan yang paling menggembirakan.

Kembalinya kombo dan pengaruh band wilayah

Dalam dekade pertama jazz, kira-kira 1915–1925, hampir semua jazz yang layak dipertimbangkan telah dimainkan oleh kelompok-kelompok kecil, tetapi ini disingkirkan pada 1930-an dengan kedatangan band-band besar. Kemudian dalam dekade itu ada kembalinya ke kelompok-kelompok yang lebih kecil, mulai dari ukuran trio hingga septet. Yang terpenting di antara kelompok-kelompok kecil baru ini adalah berbagai kombo yang dipimpin Goodman, mulai tahun 1935.

Ini adalah kelompok jazz campuran ras pertama yang melakukan tur ke Amerika Serikat: Goodman dan Krupa berkulit putih, Wilson dan vibraphonistLionel Hampton Hitam. Pada 1939–40 permutasi grup kecil Goodman termasuk gitarisCharlie Christian dan pemain terompet Cootie Williams . Di antara beberapa lusin rekaman yang diproduksi oleh grup-grup ini, “Body and Soul”, “Avalon”, “Breakfast Feud”, dan “Seven Come Eleven” yang luar biasa harus dipilih.

Pada tahun 1937, pemain berusia 20 tahunNat King Cole membentuk trio, awalnya menampilkan dirinya sebagai pianis; baru pada tahun 1940 Cole mulai bernyanyi dan ketiganya mulai merekam. Hit besar mereka “Straighten Up and Fly Right” (1943) dan “Route 66” (1946) membuat grup ini menjadi salah satu atraksi teratas pada pertengahan 1940-an, sebuah kesuksesan yang akhirnya membawa Cole menjadi penyanyi solo yang sama cemerlangnya. Trio dan kuartet piano—seperti Page Cavanaugh, Clarence Profit, Barbara Carroll, Dorothy Donegan, Art Tatum, Lennie Tristano , dan Joe Mooney—adalah di antara banyak kelompok kecil yang sukses di tahun 1940-an.

Keberhasilan kelompok kecil Goodman tidak hanya menegaskan kelayakan artistik dan komersial dari konsep chamber-jazz yang sebenarnya, tetapi juga meresmikan gagasan mengekstraksi kombo kecil dari orkestra yang lebih besar. Ide “band dalam sebuah band” ini melahirkan banyak grup yang sukses, seperti Gramercy Five dari Shaw, Kansas City Seven dari Basie, Clambake Seven dari Tommy Dorsey , dan, tentu saja, banyak ansambel kecil Ellington yang dipimpin secara bergantian oleh Hodges, Williams, Stewart, dan Bigard. Mungkin rekaman grup kecil yang paling sempurna adalah empat sisi yang direkam di Paris pada tahun 1939 oleh tiga Ellingtonian—Stewart, Bigard, dan Billy Taylor (bass)—dan gitaris Gipsi Belgia yang hebatDjango Reinhardt .

Juga penting di tahun 1930-an adalah band teritori, terutama Blue Devils milik Walter Page (dari Oklahoma City , Oklahoma), band Jeter-Pillars (berbasis di St. Louis, Missouri), dan band Nat Towles (Omaha, Nebraska), Alphonse Trent (Dallas, Texas), Don Albert (San Antonio, Texas), Jesse Stone dan Jay McShann (Kansas City), Zack Whyte (Cincinnati, Ohio), dan lainnya.

Meskipun musik merekahanya direkam secara sporadis, orkestra nomaden ini memiliki pengaruh yang cukup besar, karena dengan menjelajahi pedalaman Midwestern dan Selatan dengan kereta api dan bus serta mobil yang rusak, mereka membawa jazz yang luar biasa ke publik, terutama penduduk kulit hitam. Selain itu, band-band ini berfungsi sebagai konservatori musik keliling di mana talenta muda dapat tumbuh, berkembang, dan mendapatkan pengalaman penting.

Baca Juga : Mengenal Genre Musik Bluegrass

Beberapa solois inovatif besar muncul selama periode ini, di antaranya pemain terompet Roy Eldridge dan Dizzy Gillespie , penyanyi Pearl Bailey , xylophonist Red Norvo, pemain saksofon alto Charlie Parker , dan bassis Ellington Jimmy Blanton . Dengan daftar bakat solo dan perkembangan orkestra, komposisi, dan aransemen era ini—semuanya diilhami oleh rasa profesionalisme yang tinggi dan daya saing artistik (tetapi sering juga komersial) yang belum pernah ada sebelumnya—tak terelakkan bahwa idiom jazz baruakan segera berkembang.

Pelajaran harmonik Ellington akhirnya mulai dihargai sebagai arranger yang ditempa di luar harmoni triadik dan dominan sederhana ke dalam berbagai jenis akord 9, 11, dan 13, segala macam harmonisasi pengganti, dan modulasi luas. Di sisi ritmis, ayunan sekarang telah sepenuhnya diambil alih, memberikan dasar untuk kelancaran baru, kebebasan, dan (seperti yang diinginkan) kompleksitas di bagian ritme ; ini pada gilirannya membebaskan solois dan ansambel untuk menjelajahi wilayah struktural baru—dan semua perkembangan ini diekspresikan dengan keahlian baru yang radikal.

Mengulas Lebih Dalam Tentang Musik Jazz – Jazz adalah bentuk musik yang sering diimprovisasi yang dikembangkan oleh orang Afrika-Amerika dan dipengaruhi oleh struktur harmonik Eropa dan ritme Afrika. Ini dikembangkan sebagian dari ragtime dan blues dan sering ditandai dengan ritme sinkopasi, permainan ansambel polifonik, berbagai tingkat improvisasi, penyimpangan nada yang sering disengaja, dan penggunaan timbre asli.

Mengulas Lebih Dalam Tentang Musik Jazz

revgarydavis – Upaya apa pun untuk sampai pada definisi jazz yang tepat dan mencakup semua mungkin sia- sia . Jazz telah, sejak awal pada pergantian abad ke-20, musik yang terus berkembang, berkembang, berubah, melewati beberapa fase perkembangan yang khas; sebuah definisi yang mungkin berlaku untuk satu fase—misalnya, gaya atau ayunan New Orleans— menjadi tidak tepat bila diterapkan pada segmen lain dalam sejarahnya, katakanlah, jazz bebas . Upaya awal untuk mendefinisikan jazz sebagai musik yang karakteristik utamanya adalahimprovisasi , misalnya, ternyata terlalu membatasi dan sebagian besar tidak benar, karenakomposisi , aransemen , dan ansambel juga merupakan komponen penting dari jazz untuk sebagian besar sejarahnya.

Baca Juga : 15 Gitaris Blues Terbaik di Dunia Saat Ini

Demikian pula,sinkopasi dan swing, yang sering dianggap penting dan unik untuk jazz, sebenarnya kurang dalam banyak jazz otentik, baik dari tahun 1920-an atau dekade-dekade berikutnya. Sekali lagi, anggapan lama bahwa ayunan tidak dapat terjadi tanpa sinkopasi dibantah habis-habisan ketika pemain trompet Louis Armstrong dan Bunny Berigan (antara lain) sering menghasilkan ayunan besar saat memainkan not seperempat yang berulang dan tidak disinkronkan.

Jazz, pada kenyataannya, bukanlah—dan tidak pernah—sepenuhnya disusun, musik yang telah ditentukan sebelumnya, juga bukan musik yang sepenuhnya dikecualikan. Untuk hampir semua sejarahnya, ia telah menggunakan pendekatan kreatif dalam berbagai tingkat dan permutasi tanpa akhir. Namun, terlepas dari kebingungan terminologi yang beragam ini , jazz tampaknya langsung dikenali dan dibedakan sebagai sesuatu yang terpisah dari semua bentuk ekspresi musik lainnya .

Untuk mengulangi jawaban terkenal Armstrong ketika ditanya apaayunan berarti: “Jika Anda harus bertanya, Anda tidak akan pernah tahu.” Untuk menambah kebingungan, sering ada perbedaan persepsi yang tampaknya tak terjembatani antara produser jazz (pemain, komposer, dan arranger) dan penontonnya. Misalnya, dengan datangnya jazz gratis dan manifestasi avant-garde akhir-akhir ini, banyak musisi senior berpendapat bahwa musik yang tidak berayun bukanlah jazz.

Sebagian besar komposer klasik awal (sepertiAaron Copland , John Alden Carpenter —dan bahkan Igor Stravinsky , yang menjadi kepincut dengan jazz) tertarik pada suara dan timbre instrumentalnya, efek dan infleksi yang tidak biasa dari permainan jazz (kuningan bisu, glissandos, sendok, tikungan, dan ansambel tanpa tali), dan sinkopasinya, sama sekali mengabaikan, atau setidaknya kurang menghargai, aspek-aspek jazz yang dilebih-lebihkan. Memang, suara yang dibuat musisi jazz pada instrumen mereka — cara mereka menyerang, mengubah, melepaskan, memperindah, dan mewarnai nada — menjadi ciri permainan jazz sedemikian rupa sehingga jika karya klasik dimainkan oleh musisi jazz dalam ungkapan idiomatik mereka, itu kemungkinan besar akan disebut jazz.

Meskipun demikian, satu aspek penting dari jazz jelas membedakannya dari bidang musik tradisional lainnya , terutama dari musik klasik: pemain jazz terutama atau seluruhnya adalah komposer improvisasi yang kreatif — komposernya sendiri, seolah-olah — sedangkan dalam musik klasik pemain biasanya mengekspresikan dan menafsirkan komposisi orang lain .

Afrika Barat di Amerika Selatan: mengumpulkan elemen musik jazz

Unsur-unsur yang membuat jazz khas berasal terutama dari sumber-sumber musik Afrika Barat seperti yang dibawa ke benua Amerika Utara olehbudak , yang sebagian melestarikannya dari segala rintangan dalam budaya perkebunan di Amerika Selatan. Elemen-elemen ini tidak dapat diidentifikasi dengan tepat karena tidak didokumentasikan—setidaknya tidak sampai pertengahan hingga akhir abad ke-19, dan kemudian hanya jarang. Selain itu, budak kulit hitam berasal dari beragam budaya suku Afrika Barat dengan tradisi musik yang berbeda. Dengan demikian, berbagai macam kepekaan musik Hitam berkumpul di tanah Amerika. Ini pada gilirannya agak cepat menemukan unsur-unsur musik Eropa—misalnya, musik tarian dan hiburan sederhana dan lagu-lagu himne nada-bentuk , seperti yang lazim di Amerika Utara awal abad ke-19 .

Musik yang akhirnya menjadi jazz berkembang dari campuran hitam dan putih yang luas dan bertahap berasimilasimusik rakyat dan gaya populer, dengan akar di Afrika Barat dan Eropa. Hanya sedikit penyederhanaan untuk menyatakan bahwaelemen ritmis dan struktural jazz, serta beberapa aspek instrumentasi adatnya (misalnya, banjo atau gitar dan perkusi ), terutama berasal dari tradisi Afrika Barat, sedangkan pengaruh Eropa dapat didengar tidak hanya dalam bahasa jazz yang harmonis tetapi juga dalam bahasa jazz. penggunaan instrumen konvensional seperti terompet , trombon , saksofon , string bass , dan piano .

Sinkop jazz tidak sepenuhnya baru—mereka telah menjadi daya tarik utama dari salah satu pelopornya, ragtime , dan dapat didengar bahkan lebih awal dalam musik minstrel dan dalam karya komposer Creole.Louis Moreau Gottschalk ( Bamboula, subjudul Danse des Nègres, 1844–1845, dan Ojos Criollos , 1859, antara lain). Namun demikian, sinkopasi jazz menurut pendengar non-kulit hitam sangat menarik dan baru, karena jenis sinkop tertentu itu tidak ada dalam musik klasik Eropa. Sinkopasi dalam ragtime dan jazz, pada kenyataannya, adalah hasil dari pengurangan dan penyederhanaan (selama setidaknya satu abad) desain yang kompleks, berlapis-lapis, poliritmik, dan polimetrik yang berasal dari semua jenis tarian ritual dan musik ansambel Afrika Barat. Dengan kata lain, aksentuasi sebelumnya dari beberapa meter yang bersaing secara vertikal disederhanakan secara drastis menjadi aksen sinkopasi.

Asal usul melodi (tune, theme, motif, riff) dalam jazz lebih kabur. Kemungkinan besar, melodi jazz berevolusi dari residu yang disederhanakan dan campuran bahan vokal Afrika dan Eropa yang dikembangkan secara intuitif oleh budak di Amerika Serikat pada tahun 1700-an dan 1800-an—misalnya, teriakan lapangan tanpa pendamping dan lagu kerja yang terkait dengan perubahan kondisi sosial masyarakat. kulit hitam. Penekanan luas pada formasi pentatonik datang terutama dari Afrika Barat, sedangkan garis melodi jazz diatonis (dan kemudian lebih berwarna) tumbuh dari anteseden Eropa akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20 .

Harmoni mungkin merupakan aspek terakhir dari musik Eropa yang diserap oleh orang kulit hitam. Tapi begitu diperoleh, harmoni diterapkan sebagai sumber musik tambahan untuk teks-teks agama; salah satu hasilnya adalah perkembangan bertahap darispiritual , meminjam dari pertemuan kebangkitan agama kulit putih yang didesak untuk dihadiri oleh orang Afrika-Amerika di banyak bagian Selatan. Salah satu hasil penting dari akulturasi musik ini adalah pengembangan oleh orang kulit hitam dari apa yang disebutskala blues , dengan “nada biru”—derajat ketiga dan ketujuh yang rata. Skala ini tidak secara khusus Afrika atau khususnya Eropa tetapi memperoleh modalitas yang khas dariinfleksi nada umum untuk sejumlah bahasa dan bentuk musik Afrika Barat. Akibatnya, penyimpangan nada yang sangat ekspresif ini—dan dalam istilah Afrika sangat berarti—dilapiskan pada skala diatonis yang umum untuk hampir semua musik klasik dan vernakular Eropa .

Jazz yang berkembang secara unik di Amerika Serikat, bukan di Karibia atau di Amerika Selatan (atau wilayah lain tempat ribuan orang kulit hitam Afrika juga diangkut) secara historis menarik. Banyak orang kulit hitam di wilayah lain itu sangat sering dibebaskan pada awal 1800-an dan dengan demikian merupakan individu bebas yang secara aktif berpartisipasi dalam pengembangan budaya negara mereka sendiri. Dalam kasus Brasil, orang kulit hitam sangat terisolasi secara geografis dan sosial dari kemapanan kulit putih sehingga mereka hanya mampu mempertahankan tradisi musik Afrika mereka sendiri dalam bentuk yang hampir murni. Sangat ironis bahwa jazz mungkin tidak akan pernah berkembang jika bukan karena perdagangan budak seperti yang dipraktikkan secara khusus di Amerika Serikat.

Jazz tumbuh dari budak Afrika-Amerika yang dicegah untuk mempertahankan tradisi musik asli mereka dan merasa perlu untuk mengganti beberapa bentuk ekspresi musik yang tumbuh di dalam negeri. Komposer seperti blasteran Brasil José Maurício Nunes Garcia sepenuhnya berhubungan dengan kemajuan musik pada masanya yang berkembang di Eropa dan menulis musik dalam gaya dan tradisi tersebut. Budak Amerika, sebaliknya, dibatasi tidak hanya dalam kondisi kerja dan ibadah mereka, tetapi juga dalam kegiatan rekreasi, termasuk pembuatan musik. Meskipun budak yang memainkan alat musik seperti biola , terompet , dan obo dieksploitasi untuk bakat musik mereka di kota-kota seperti Charleston, Carolina Selatan ., ini adalah situasi yang luar biasa. Pada umumnya para budak diturunkan untuk mengambil potongan musik kecil apa pun yang diizinkan untuk mereka.

Ragtime ke dalam jazz: kelahiran jazz diNew Orleans

Terlepas dari penyebaran luas dan distribusi geografis dari tradisi musik yang beragam ini, New Orleans adalah tempat berkembangnya gaya jazz yang koheren dan khas. Antara tahun 1910 dan 1915 sebuah sistematisasi fungsi instrumental dalam ansambel yang pada dasarnya kolektif terbentuk, seperti halnya regularisasi perbendaharaan. Terlepas dari kenyataan bahwa seperangkat instrumen terbatas tersedia untuk musisi kulit hitam (pada waktu itu, biasanya, cornet , klarinet , trombon , tuba atau bass , piano , banjo , dan drum — saksofontidak menjadi umum dalam jazz selama sekitar satu dekade lagi), mereka tiba pada solusi brilian yang menekankan garis independen tetapi terkait secara harmonis dan simultan.

Masing-masing dari tujuh instrumen diberi peran individu yang jelas dalam ansambel kolektif polifonik yang mapan. Dengan demikian,cornet bertanggung jawab untuk menyatakan dan kadang-kadang memperindah materi tematik—lagu—dalam rentang tengah, theklarinet melakukan fungsi obbligato atau keturunan dalam register tinggi, thetrombone menawarkan sisi kontrapuntal dalam rentang tenor atau bariton, dan empat instrumen ritme memberikan fondasi harmonik yang terpadu.

Bahwa formasi ini, yang menekankan garis-garis simultan yang independen tetapi terhubung secara harmonis, bukan hanya solusi yang brilian tetapi suatu keharusan yang dikonfirmasi oleh ketidakmampuan di tahun-tahun awal sebagian besar pemain untuk membaca musik. Tidak lama kemudian para musisi mulai mengembangkan bahan-bahan ini dan mengimprovisasi melodi dan obbligatos baru yang segar dari buatan mereka sendiri. Namun, eksplorasi ini tetap dalam konsep ansambel kolektif jazz New Orleans. Beberapa musisi sebelum 1925 dapat menciptakan solo yang independen, diperpanjang, dan diimprovisasi. Dan ketika solo sebagai elemen integral dari pertunjukan jazz tiba, format improvisasi ensemble yang terintegrasi di New Orleans menjadi ketinggalan zaman.

Sekitar tahun 1915 New Orleans telah menghasilkan sejumlah musisi luar biasa, kebanyakan pemain cornet dan klarinet, seperti musisi legendaris.Buddy Bolden (legendaris sebagian karena dia tidak pernah merekam), Buddy Petit, Keppard, Johnson, dan Bechet. Sebagian besar musisi New Orleans, termasuk sejumlah pianis, mendapatkan pekerjaan tetap di istana hiburanStoryville , di mana, kebetulan, istilah jazz , awalnya dieja “jass,” adalah kata slang yang umum digunakan untuk hubungan seksual . Sungguh ironis bahwa rekaman jazz pertama dibuat di New York City pada tanggal 30 Januari 1917, oleh sekelompok musisi kulit putih kelas dua dari New Orleans yang disebut theBand Jazz Dixieland Asli . Rekaman-rekaman itu, dengan efek suara lumbung yang menghibur tetapi tanpa substansi, menyajikan gambaran yang menyesatkan tentang jazz New Orleans yang sebenarnya.

Variasi pada tema: jazz di tempat lain di Amerika Serikat

New Orleans bukan satu-satunya tempat berkembangnya jazz. Bergantung pada seberapa sempit jazz didefinisikan, beberapa bentuk awal jazz dipraktikkan di tempat-tempat yang jauh seperti Los Angeles, Kansas City, Missouri, Denver, Colorado, dan kota-kota pertambangan Colorado—belum lagi Baltimore , Maryland, dan New York Kota. Dua kota yang disebutkan terakhir adalah pusat utama ragtime, piano pra-langkah awal, hiburan vaudeville , orkestra dansa berukuran besar, dan teater musikal, termasuk teater yang dibuat secara eksklusif oleh pemain kulit hitam. Beberapa grup dan musisi jazz paling tidak embrionik lainnya aktif di New York selama 1913–1919, seperti James Reese Europedan berbagai orkestranya, Jass Band milik Earl Fuller, band Ford Dabney, dan para pianisJames P. Johnson , Abba Labba, andWillie “Singa” Smith .

Penutupan Storyville pada tahun 1917 merupakan bencana bagi para musisi New Orleans, banyak dari mereka kemudian bermain di Mississippiorkestra perahu sungai ; Orkestra Fate Marable adalah yang terbaik dan paling terkenal di antaranya dan kadang-kadang termasuk Louis Armstrong muda. Lainnya langsung menuju utara ke Chicago , yang dengan cepat menjadi ibukota jazz Amerika Serikat.Raja Oliver , juara cornet yang banyak digembar-gemborkan di New Orleans, bermigrasi ke Chicago pada tahun 1918, dan pada tahun 1922 ia mengirim muridnya yang paling berbakat , Armstrong , untuk bergabung dengan Creole Jazz Band-nya sebagai cornetist kedua.

Keduanya membuat sejarah dan mengejutkan penonton dengan duet mereka yang licik, dan Armstrong memiliki kesempatan untuk memotong gigi musiknya dengan secara bebas berimprovisasi tandingan melodi dengan cornet utama Oliver. Lebih penting lagi, band Oliver mampu membentuk gaya yang sangat terpadu dan disiplin , mengintegrasikan pada tingkat yang sangat tinggi keterampilan instrumental kolektif dan individu para pemain, semua dikemas dalam momentum bergulir yang tak tertahankan, luar biasa megah.

15 Gitaris Blues Terbaik di Dunia Saat Ini – Tentu, ‘Memuaskan suara!’ tidak memiliki nada yang sama dengan ‘Ganyangkan suara!’ Tapi itu tidak menghalangi pembaca GuitarWorld untuk menyuarakan pendapat mereka yang berharga di salah satu jajak pendapat gitar elektrik paling populer dalam sejarah baru-baru ini – gitaris blues terbaik – yang menguasai situs ini pada bulan Juni dan awal Juli.

15 Gitaris Blues Terbaik di Dunia Saat Ini

revgarydavis – Bahkan, itu mengumpulkan lebih dari 60.000 suara (60.429, tepatnya) dari pembaca di seluruh dunia. Hasilnya sudah masuk, dan pemenangnya, seperti yang mungkin sudah Anda ketahui sekarang, adalah satu-satunya Joe Bonamassa, yang mengungguli lima besar lainnya – Eric Clapton, Derek Trucks, Buddy Guy, dan John Mayer – yang mendarat di puncak Bluesville.

Baca Juga : 10 gitaris Blues Terbaik di Dunia Saat ini

Di bawah ini, kami akan menyoroti beberapa gitaris yang mencetak skor bagus di Top 15 kami (ya, kami hanya mencantumkan 15 teratas di sini), termasuk Bonamassa, Buddy Guy, Samantha Fish, dan pendatang baru Christone ‘Kingfish’ Ingram.

Jajak pendapat tersebut mencakup 73 pilihan, dan pembaca juga didorong untuk menyarankan kandidat mereka sendiri dan mereka hanya memilih gitaris yang telah meninggal selama beberapa dekade. Dengan mengingat hal itu, kami mendorong Anda untuk menjelajahi karya para pengambil suara teratas (Eric Gales, siapa saja?), Termasuk gitaris yang tidak masuk 15 besar, seperti Ronnie Earl, Ana Popovic, Chris Duarte, Kirk Fletcher , Sue Foley, Tommy Castro, Duke Robillard dan Junior Watson.

1. Joe Bonamassa

Gitaris blues paling terkenal di dunia telah menghabiskan tahun 2019 dengan mengemas hampir semua teater besar dan mewah yang dapat ia temukan untuk mendukung Redemption yang hebat tahun lalu. Tidak heran jika dagingnya selalu tepat sasaran.

Tapi bukan hanya penampilannya yang membuatnya begitu berpengaruh; perjuangannya terhadap sesama pemain blues meningkatkan genre, membawa sedikit lebih banyak cahaya dan panas ke kucing blues yang berkembang pesat seperti Eric Gales (pemain blues-rock nomor satu di dunia).

Sorotan lainnya termasuk jamming dengan Journey at Caesar’s Palace dan membalas budi kepada Neal Schon, dan, sebagai kolektor gigi biasa, menerima Lucite Fender Twin tembus pandang dan Gibson Flying V tahun 1958 yang masih asli, alias “Donnie J.” harus ada di atas juga.

2. Eric Clapton

Untuk pemain yang berhasil di tahun 60-an dengan Cream and Blind Faith, ketika TV berwarna masih baru, Slowhand melakukan upaya yang terhormat untuk memecahkan internet ketika dia bermain While My Guitar Soft Weeps with Peter Frampton di Crossroads tahun ini Festival Gitar . Itu membuat rumah itu runtuh.

Masih harus dilihat apakah kita akan melihat tindak lanjut dari Happy Xmas 2018. Namun dengan model toko kustom super terbatas dari Fender, Gibson dan Martin yang dicetak atas namanya bertepatan dengan festival Crossroads, ia tetap menjadi panutan bagi budaya blues kontemporer.

Hal-hal sepele yang tidak berguna: sebagai seorang anak, Clapton memiliki kuda peliharaan imajiner yang dijuluki Cabang Bush. Kurang berguna: Pelajaran GW dalam ungkapan Clapton yang mencengangkan . Dia adalah tuannya. Dia adalah tuannya.

3. Derek Trucks

Apakah ada pemutar slide yang lebih baik di dunia saat ini? Trucks adalah spesialis slide tertinggi dalam daftar pemilih kami, dan mungkin itu karena kepekaannya sedemikian rupa sehingga ia tidak pernah mengalahkan kemacetan, sering memposisikan Seri Artis Gibson Dickey Betts SG di suatu tempat di frekuensi yang belum dipetakan bersama oleh vokal dan gitar, dan sebagai sebuah tandingan misterius untuk istrinya Susan Tedeschi’s Strat atau Les Paul.

Tentu saja, ketika benar-benar diperlukan, dia dapat menjepit penonton ke lantai, menekan lebih banyak gigitan pada kontrol volumenya untuk memukul bagian depan kepala kustom Alessandro-nya lebih keras. Album terbaru The Tedeschi Trucks Band, Signs, sangat menyentuh, meneguhkan kehidupan, dan penuh jiwa. Biru untuk zaman kita.

4. Buddy Guy

Diprofilkan di New Yorker sebagai “yang terakhir dari bluesmen,” Buddy Guy mungkin berusia 83 tahun tetapi dia memiliki lebih dari banyak getah di pohon, dan saat ini dapat ditemukan, Strat di tangan, di tempat-tempat di sepanjang dan luas Amerika Serikat.

Apakah dia memainkan cover-nya dari Willie Dixon’s I’m Your Hoochie Coochie Man atau Damn Right, I’ve Got the Blues, permainan Buddy masih di luar grafik, jenius tahan bus – karena kecakapan memainkan pertunjukannya, diperoleh dari satu dari pahlawan sepanjang masanya Guitar Slim (Eddie Jones).

5. John Mayer

Bahwa Mayer masih bisa dikantongi dalam tradisi blues mengatakan banyak untuk gaya bunglonnya. Jika pernah ada pemain kontemporer yang bisa mengubah genre dan perasaan tanpa menimbulkan gejolak, itu adalah Mayer.

Nada suaranya, subjek beberapa terabyte diskusi online dan gambar tidak fokus dari pedalboard dan backline dari pertunjukan langsung, sangat dinamis. Subur tapi luwes dan kenyal, dan sempurna untuk kepekaan popnya, yang sepertinya tidak pernah bertentangan dengan musik blues. Performa Mayer yang luar biasa dengan PRS Silver Sky miliknya.

6. Kenny Wayne Shepherd

Sebagai murid SRV, KWS membagikan kualitas yang tidak terduga itu pada ungkapannya, di mana ia akan memainkan sesuatu yang tradisional, katakanlah, Albert King di saku, sebelum membalik skrip di atasnya dan membawanya ke tempat yang baru. Dia merilis The Traveler pada bulan Mei, dan tentu saja penulisan lagunya sangat ketat, tetapi permainannya tidak dapat disangkal, selalu inventif.

7. Samantha Fish

Fish membawa blues ke depan, ke mana ia harus pergi, dan album terbarunya, Kill or Be Kind, memiliki momen ketika oktaf, pemindah nada, fuzz, dan pedal tunda membawa nada gitar blues ke dimensi lain. Sementara itu Fish mempertahankan kekuatan bercerita blues, mengakarkan suaranya dalam tradisi blues sambil membayangkannya lagi.

8. Gary Clark Jr.

Gary Clark Jr. adalah pemain lain yang memasukkan unsur-unsur asing ke dalam campuran, namun tetap saja blues. This Land, album studio ketiganya, adalah sebuah karya dengan semangat yang membara dan kemarahan yang benar, judul lagunya mengambil beberapa komposisi asli Guthrie dan mengubahnya dari pandangan. Tapi hip-hop, rock, apapun; ketika keluar dari Clark, ia kembali ke Johnson, Walker, dkk.

9. Tab Benoit

Sang maestro blues Delta Louisiana adalah pria dengan kesenangan sederhana, yaitu Telecaster Fender Thinline ’72 yang dia beli dengan harga kurang dari setengah ribu dolar saat memotong debutnya di tahun 90-an, dan tampli Kategori 5.

Dan ketika Anda menemukan sesuatu yang cocok untuk Anda seperti itu, yah, itu menjadi perpanjangan diri, dan langit adalah batasnya. Tahun ini melihat Benoit dilantik ke dalam Louisiana Folklife Center Hall of Master Folk Artists, dan meluncurkan labelnya sendiri, Whiskey Bayou Records.

10. Billy Gibbons

Benteng berjanggut dari momen paling menarik boogie tahun ini datang ketika Josh Homme dari Queens of the Stone Age mengundangnya keluar untuk tampil di rekaman Desert Sessions Vol.11/12-nya, dengan Gibbons membuka prosiding dengan setengah falsetto di Move Together.

Tetapi mereka yang mencari sesuatu untuk membuat Texas panas dalam perjalanan waktu berkendara mereka akan menemukan kompilasi Goin’ 50 tahun ini sebagai pengingat yang layak akan gaya ZZ Top yang tak ada bandingannya.

11. Ingram ‘Kingfish’ Christone

Fenomena Clarksdale, Mississippi, baru berusia 20 tahun tetapi sudah memiliki rasa, ungkapan, dan vibrato yang membantunya mengguncang jiwa dari instrumennya. Tahun ini melihat rilis debutnya, Kingfish, dan setelah bermain di perusahaan Eric Gales dan Buddy Guy, yang terbaik belum datang. Ini di sini adalah masa depan.

12. Eric Gales

Perbandingan dengan Jimi Hendrix tidak dimulai dan diakhiri dengan preferensi Gales untuk Fender kidal yang digunakan kidal, tapi mungkin ada beberapa SRV di sana juga, terutama dalam nada super-juicy itu.

Tapi sampul Little Wing dari Raw Dawg adalah bukti positif bahwa dia dapat mencap identitasnya pada materi siapa pun – pada musik blues itu sendiri. Lihat Resolution dari album terbarunya, Bookends, untuk aplikasi blues-rock baru dari pedal DigiTech Whammy.

13. Warren Haynes

Anggota pendiri Gov’t Mule dan dengan hubungan panjang dengan Allman Brothers, Haynes menghabiskan sebagian besar tahun 2019 dalam tur, dan saat ini berada di bus bersama John Medeski, Lukas Nelson, dan lainnya di The Last Waltz Tour 2019, memainkan mammoth ditetapkan setiap malam untuk menghormati konser perpisahan Band tahun 1976. Dia tetap menjadi salah satu maverick gitar yang paling improvisasi, yang solonya merupakan materi penting di setiap silabus blues.

14. Erja Lyytinen

Penyanyi-penulis lagu Finlandia Erja Lyytinen adalah salah satu pemain blues terkemuka di Eropa dan album terbarunya, Dunia Lain, menampilkan tempat-tempat tamu dari Jennifer Batten dan Sonny Landreth, dalam pertunjukan lain untuk suara dan telinganya yang mengagumkan untuk rock melodik progresif. Belum lagi kualitas vokal yang luar biasa dari permainan slidenya yang rapi.

15. Chris Buck

Ada semua jenis dukungan bunga yang dapat kami buat untuk bakat luar biasa Wales selatan ini, tentang kepekaan melodi yang ditulis besar-besaran melalui karya Buck & Evans, dan bagaimana karya terbaru mereka, Write a Better Day, direkam secara langsung untuk mempertahankan perasaan spontan itu. menjaga Buck di sisi kanan instingnya. Atau kita bisa ikut menandatangani pemikiran Slash, yang, setelah beberapa kali nge-jam dengan Buck menggambarkannya sebagai “pemain gitar yang luar biasa.” Benar, Slash!

10 gitaris Blues Terbaik di Dunia Saat ini – Setiap kali kita berpikir bahwa kita sedang mengalami blues, seseorang akan datang dan menggoyahkan prasangka kita. Gagasan bahwa itu adalah toko yang tutup dan para pahlawannya sudah ditentukan akan segera dihempaskan Jadi tersangka yang biasa ada di sini, tetapi dunia blues yang luas dan indah jelas membuka pikiran untuk nama-nama yang akan datang. Dan itu adalah perkembangan yang sangat positif karena ini adalah genre yang kelangsungan hidupnya akan bergantung pada pemain baru untuk maju.

10 gitaris Blues Terbaik di Dunia Saat ini

1. Chris Buck

revgarydavis – Jika ukuran seorang pemain adalah seberapa khas mereka hanya dalam beberapa nada, Chris Buck adalah seseorang yang sangat istimewa. Dia jelas beresonansi dengan Anda karena dia menjadi yang teratas dalam daftar ini tanpa katalog belakang di luar debutnya baru-baru ini dengan Buck & Evans. Tidak ada kereta hype di sini. Buck pemain muda yang bekerja keras dan bersemangat tentang musiknya.

Baca Juga : 10 Intro Lagu Blues Terbaik Sepanjang Masa

Itu berbicara banyak. Tapi gaya fluidnya benar-benar bernyanyi paling keras dengan rasa emosi yang mengambil kualitas vokal. Dia punya sentuhan, dia punya jiwa, dan kita tidak sabar untuk mendengar ke mana dia pergi dari sini.

2. Joe Bonamassa

Pemenang tahun lalu masih naik tinggi – dan memang seharusnya begitu. Hanya sedikit yang bekerja lebih keras daripada Tuan B untuk menjadi pemain terbaik yang mereka bisa, dan hanya sedikit yang bermurah hati dengan pujian mereka atas inspirasi mereka . Lagi pula, Joe baru-baru ini menyebut Eric Gales sebagai pemain blues terhebat di planet ini. Kami masih berpikir dia adalah taruhan yang aman untuk itu sendiri dan di tahun yang tidak biasa di mana dia tidak merilis album studio baru, dia masih terbukti menjadi salah satu undian live blues terbesar di planet ini.

3. Ikan Samantha

Ada tema yang sedang berlangsung dengan para pemain ini yang melampaui blues; etos kerja keras. Mereka tanpa henti dalam misi untuk memenangkan hati dan pikiran dengan cara lama; jalan terbaik. Fish dan bandnya menempuh perjalanan ribuan mil, dan perasaan apa yang ditanggapi pendengar menjadi umpan balik dalam musiknya. Kill Or Be Kind adalah distilasi dari itu dan keserbagunaannya sebagai penulis dan pemain yang kuat, tetapi Anda perlu melihat Samantha Fish hidup untuk efek penuh.

4. Truk Derek

Pemain gitar berdebat tentang banyak hal, tetapi kita semua setuju bahwa Derek Trucks adalah pemain level Olympus. Fakta dia pria yang rendah hati juga hanya mempermanis kesepakatan. Dia memanggil suara dari gitar yang sepertinya disadap ke dataran yang lebih tinggi. Album Tadeschi Trucks Band terbaru Signs menemukannya membawanya ke tempat yang lebih reflektif yang hanya meningkatkan ketegangan rasa dan pengekangannya. Seorang bluesman sejati yang menolak untuk showboat, hanya meningkatkan.

5. Martin Harley

Harley telah menghabiskan waktu bertahun-tahun dan ribuan mil dalam hal ini; itu terlihat di setiap nada yang dia mainkan. Seorang pemain slide tertinggi, Brit telah menyerap pengaruh dari perjalanannya jauh dan luas untuk menjadi musisi kelas dunia. Dia bertransisi antara baja putaran ke kemacetan listrik dengan mudah di album baru Roll With The Punches; melanjutkan kisah gelisahnya dengan blues yang ingin kami ikuti.

6. Gary Clark Jr

Musisi Austin tidak akan pernah puas dengan label bluesman, tetapi bagaimanapun ia pindah ke genre yang berbeda dengan penulisan lagunya, hatinya yang bermain adalah tentang itu. Catatannya membawa bobot – dan dia menggunakan kekuatan itu dengan otoritas, tapi dia adalah pemain yang mau dan mampu melawan tradisi. Album terbaru Tanah Ini bukanlah tempat untuk istirahat gitar yang heroik; gitar menambahkan lebih banyak tekstur dan suasana yang tercipta dalam lagu-lagunya.

7. Eric Gales

Betapa senangnya melihat Eric Gales bermain – ada banyak senyuman di ruangan UK Guitar Show saat dia memegang ruangan di telapak tangannya pada bulan September. Ada perasaan pria Memphis akan memiliki tahun yang penting di tahun 2020 dengan album baru yang diproduksi oleh Bonamassa. Tapi dia tidak benar-benar meluncur pada 2019. The Bookends membuktikan bahwa dia berada dalam periode kreatif yang produktif, bahkan menurut standarnya. Ada kisah penebusan dengan Gales, tapi itu benar-benar cerita latar bagi pemain yang sangat lengkap yang telah dia jalani selama bertahun-tahun.

8. Christone ‘Kingfish’ Ingram

Internet telah memberi blues hadiah; sensasi – paparan besar kepada pemain luar biasa melalui berbagi. Sebuah kata dari mulut ke mulut yang supercharged. Jadi dunia mengenal Christone Ingram yang berusia 20 tahun ketika dia masih remaja dan butuh sekitar satu menit untuk melihatnya bermain di Youtube untuk jatuh di bawah pesonanya. Debut 2019-nya menegaskan seorang pria muda dengan jiwa blues tua. Dia memiliki vibrato devine yang mengingatkan kita pada BB, dan kemurnian dalam cintanya dan komitmen mutlak untuk semua yang dia mainkan yang mengingatkan kita apa itu blues.

9. Kenny Wayne Shepherd

Kenny tetap di puncak permainan karena alasan yang bagus. Traveler adalah pengingat jika Anda membutuhkannya. Ini menampilkan seorang pemain yang melihat dirinya sebagai bagian dari gambaran yang lebih besar, percaya diri dan mampu melangkah mundur sebagai permintaan komposisi. Peran sebagai pemain band itulah yang menandai KWS sebagai undian langsung. Dia akan memberikan arahan yang berapi-api dan memilukan ketika waktunya tiba, tetapi terlebih lagi dia membantu membuat lagu-lagu yang berkesan.

10. Laurence Jones

Apakah Laurence Jones adalah bluesman yang bekerja paling keras di Inggris? Dia benar-benar mengatur kecepatan, dan strut tahun tujuh puluhan dari album Laurence Jones Band 2019 adalah tengara nyata bagi musisi muda. Kita harus memberikan alat peraga kepada musisi hebat yang bergabung dengannya dalam rekaman – mantan bassis Greg Smith, drummer Phil Jones dan pemain hammond Bennett Holland membawa begitu banyak hal untuk lagu-lagu ini. Tapi Jones telah meningkatkan vokal, sebagai penulis lagu dan yang terpenting, sebagai pemain yang menyeimbangkan istirahat otot dengan selera.

10 Intro Lagu Blues Terbaik Sepanjang Masa – Apa yang membuat sebuah lagu menjadi ikon? Sering kali itu adalah komposisi musik yang jenius. Beberapa lagu dalam kategori legenda memiliki lirik yang menyentuh hati pendengar dari berbagai generasi. Terkadang, itu adalah intro. Beberapa detik pertama dari gitar, drum, harmonika, atau vokal yang membuat Anda lengah, dapat menanamkan nada di kepala Anda seumur hidup.

10 Intro Lagu Blues Terbaik Sepanjang Masa

revgarydavis – Siapa yang bisa mendengar gitar akustik Jimmy Page di “Stairway to Heaven”, dan tidak langsung tahu lagunya? Bagaimana dengan teriakan primal Janis Joplin yang mengarah ke “Cry Baby,” 3 akord pertama yang mengancam dari “Rumble” Link Wray, atau hitungan Ed King di “Sweet Home Alabama?”

Musik blues tidak berbeda. Ada beberapa intro yang patut dicontoh, beberapa rekaman studio, dan beberapa live, yang langsung memasukkan lagu ke dalam kepala Anda, dan membuka pintu air peringatan. Staf American Blues Scene menyatukan kepala kolektif kami, dan menawarkan 10 pilihan terbaik kami. Mereka terdaftar tanpa urutan tertentu. Kami tahu ada lusinan lagi yang tidak tercantum di sini, dan kami mendorong pembaca kami untuk memberikan pilihan mereka di komentar di bawah.

1. Boz Scaggs “Loan Me a Dime”

Ditulis oleh Fenton Robinson pada tahun 1967, kami merasa versi sempurna direkam dua tahun kemudian. Scaggs meletakkan album solo keduanya di Muscle Shoals Sound Studio pada tahun 1969. Merekam di sana, tentu saja, memberikan akses ke salah satu koleksi musisi studio terbesar yang pernah ada. Pada epik hampir 13 menit ini, The Swampers berada dalam performa terbaiknya. Mix organ/piano lambat yang disediakan oleh Barry Beckett hanya ditingkatkan oleh karya gitar yang luar biasa dari Duane “Skydog” Allman (yang juga memainkan dobro di trek ini) yang baru saja melewati satu menit. Vokal smoky Scaggs bahkan tidak muncul sampai 2:38.

2. BB King  “The Thrill is Gone”

Versi asli dari lagu ini ditulis dan direkam oleh Roy Hawkins pada tahun 1951. King merekam versinya pada tahun 1969 untuk album studio ke-17nya, Completely Well . Lagu tersebut mendapat eksposur besar-besaran saat King membuka Rolling Stones di Tur AS ke-6 mereka. Intronya tidak salah lagi, dengan isian drum pendek oleh Herbie Lovelle, yang mengarah ke penguasaan BB King. Kehebatannya dalam vibrato dan string-bending terlihat jelas di seluruh rekaman. Suara King, yang belum mengandung kerikil di tahun-tahun terakhirnya, terdengar keras dan kuat selama 38 detik di trek. Lagu tanda tangan King, membuatnya mendapatkan Grammy pada tahun 1970. Bertahun-tahun dan pertunjukan kemudian, itu selalu terdengar baru.

Baca Juga : 5 Artis Delta Blues Terhebat 

3. Savoy Brown “Sunday Night”

Pembunuhan, blues, solo gitar tentunya merupakan salah satu cara untuk menarik perhatian pendengar. Savoy Brown mengabadikannya dengan gaya monumental pada instrumental 1970 mereka, “Sunday Night.” Sebuah petikan tunggal, milik “Lonesome Dave” Peverett, mengarah ke gitar utama yang seksi dan gerah dari komposer lagu, Kim Simmonds. Setelah 55 detik lick gitar mengalir, Roger Earl pada drum, dan bass Tone Stevens bergabung saat lagu berubah menjadi jazzy. Lagu ini terus berkembang, menggabungkan blues, jazz, dan rock menjadi sebuah mahakarya tunggal. Kemudian, mereka mengganti persneling lagi, menambahkan Owen Finnegan pada congas untuk menutup hampir Cuba/Funk.

4. Taj Mahal “Leaving Trunk”

Taj mengambil beberapa kebebasan dengan sampul “Milk Cow Blues” dari Sleepy John Estes ini. Kami sangat senang dia melakukannya. Lagu pendek asli tahun 1930 dibuat ulang oleh Robert Johnson, Elvis, Eddie Cochran dan banyak lainnya. Namun pada tahun 1968, Mahal membuatnya sendiri. Ini adalah lagu pertama di album debut eponymous-nya, dan dia meniup beberapa harpa jahat untuk membukanya. Gitar ritme yang funky dari Bill Boatman, dan Ry Cooder, bersama dengan ketangkasan Jesse Ed Davis yang lembut, menambah latar belakang yang sempurna. Kurang dari 30 detik, vokal kuat Mahal hampir meneriaki kami, dan semua taruhan dibatalkan.

5. Jimi Hendrix  “Red House”

Terinspirasi oleh “Travelin’ to California” karya Albert King, Hendrix menulis “Red House,” dan merekamnya untuk album Are You Experienced pada bulan Desember 1966. Dibuka dengan akord ketujuh yang terdistorsi dan berkurang kunci B, jari Hendrix menembus empat bar sebelum bassis Noel Redding (yang juga memainkan gitar ritem pada rekaman aslinya), dan drummer Mitch Mitchell menendang dengan keras. “’Red House’ itu, yang akan membuatmu menangkap ibumu dan mencekiknya! Man, itu benar-benar sulit, yang membuat Anda terpisah. Dia bisa turun, dia bisa menumbuknya, ya, Tuhan! Dia memiliki begitu banyak blues. ” John Lee Hooker

6. Otis Rush “I Can’t Quit You Baby”

Ditulis oleh Willie Dixon, lagu ini meluncurkan dua karir; dari Otis Rush, dan dari Cobra Records. Itu adalah single pertama untuk keduanya. Cobra adalah landasan peluncuran untuk suara West Side Chicago, termasuk Otis Rush, Magic Sam, dan Buddy Guy. Pada rekaman asli pada tahun 1956, Rush dan band intro dengan suara gitar baru dari West Side, tetapi ketika dia memulai vokal dengan perpanjangannya, “Weeeeeelllll I can’t quit you baby,” itu mengubah segalanya. Semakin Rush memainkan lagu itu secara langsung, semakin lama “well” menjadi, dari hampir 3 detik yang retak pada aslinya, menjadi ledakan 12 detik dari vokal kekuatan murni.

7. Jason Ricci “I’m Too Strong For You”

Ditulis sebagai lelucon sarkastik dan pribadi antara anggota The Bad Kind, “I’m Too Strong For You,” sering menjadi favorit penonton di pertunjukan langsung. Ini semacam “ambil itu,” ke tempat-tempat yang menempatkan mereka rendah di daftar, sementara mereka sering menjual lebih banyak, dan mengungguli tindakan lain pada tagihan. Versi studio empat menit tidak ada apa-apanya dibandingkan dengan edisi pertunjukan langsung, yang seringkali berlangsung hampir 15 menit. Harmonika solo hampir tiga menit yang memulai rendering langsung hanyalah awal dari nomor blues yang funky ini. Orang akan menganggap Ricci tidak akan memiliki cukup udara tersisa untuk menyanyikan lead setelah intro. Satu akan salah.

8. Buddy Guy  “Cut You Loose”

“Cut You Loose,” adalah berdurasi tujuh setengah menit dari lagu klasik Mel London, “Cut You A-Loose,” pertama kali direkam oleh Ricky Allen. London menulis beberapa lagu selama hari kejayaan adegan Chicago, dan juga pemilik Chief Records. Guy merekam lagu itu beberapa kali, termasuk versi dengan mitra lama, Junior Wells. Itu adalah versinya dari lagu dari box-set, Can’t Quit the Blues , yang paling cocok untuk kami. Intro gitar yang lalai, berkicau, memiliki drum yang menggelinding seperti guntur yang jauh di sekitar tanda 40 detik. Tepat ketika Anda berpikir itu aman, inilah getarannya.

9. Allman Brothers Band “Statesboro Blues”

Salah satu lagu blues Piedmont yang paling terkenal, lagu asli Blind Willie McTell disimpan di National Recording Registry. Versi Taj Mahal mendorongnya menjadi bintang blues. Ketika Duane Allman belajar memainkannya dengan botol Coricidin kosong, permainan berubah selamanya. “Saya tidak peduli apa warna kulit Anda, atau apa keyakinan Anda. Jika Anda mendengar Duane Allman memainkan bar pembuka di ‘Statesboro Blues’…dan itu tidak menggerakkan Anda, Anda tidak perlu mendengarkan musik. Jika itu tidak menyentuhmu, ada yang salah dengan hatimu.” Charlie Daniels

10. Muddy Waters Mannish Boy

Persembahan terakhir kami sebenarnya ada dalam dua bagian. “Mannish Boy” adalah bagian dari rangkaian lagu jawaban yang dimulai dengan “Hoochie Coochie Man.” Bo Diddley menjawab dengan “I’m a Man,” dan kemudian Muddy waters (dengan kredit penulisan bersama untuk Diddley dan Mel London), pertama kali merekam “Manish Boy,” pada 24 Mei 1955. Jawabannya tidak berakhir di situ. Koko Taylor yang hebat menulis lagunya sendiri, menjawab semuanya. Itu adalah “I’m a Woman,” dan memiliki irama klasik Chicago yang sama, dan vokal intro yang hampir sama dengan klasik Waters. “Semuanya, semuanya, semuanya akan baik-baik saja”